Top Qs
Linha do tempo
Chat
Contexto

Produtor musical

indivíduo que supervisiona e gerencia a gravação da música de um artista Da Wikipédia, a enciclopédia livre

Produtor musical
Remove ads

Um produtor musical ou produtor de gravação é o supervisor geral de um projeto de criação musical cujas responsabilidades podem envolver uma série de funções criativas e técnicas de liderança. Normalmente, o trabalho envolve supervisão prática das sessões de gravação; garantindo que os artistas entreguem performances aceitáveis e de qualidade, supervisionando a engenharia técnica da gravação e coordenando a equipe e o processo de produção. O envolvimento do produtor em um projeto musical pode variar em profundidade e escopo. Às vezes, em gêneros populares, o produtor pode criar todo o som e estrutura da gravação.[1][2][3] No entanto, na gravação de música clássica, por exemplo, o produtor atua mais como um intermediário entre o maestro e a equipe de engenharia. O papel é frequentemente comparado ao de um diretor de cinema, embora existam diferenças importantes.[1][3] É distinto do papel de um produtor executivo, que está principalmente envolvido no projeto de gravação em nível administrativo, e do engenheiro de áudio que opera a tecnologia de gravação.

Factos rápidos Tipo, Setor de atividade ...

Variando de acordo com o projeto, o produtor pode ou não escolher todos os artistas.[4][3] Se empregar apenas instrumentação sintetizada ou amostrada, o produtor pode ser o único artista.[3] Por outro lado, alguns artistas fazem sua própria produção.[3] Alguns produtores são seus próprios engenheiros,[5] operando a tecnologia em todo o projeto: pré-produção, gravação, mixagem e masterização. Os precursores dos produtores musicais eram os "homens de A&R", que também podiam combinar funções empresariais, criativas e técnicas,[2] mas frequentemente exerciam pouca influência criativa,[6] pois a produção musical ainda se concentrava, até a década de 1950, em simplesmente melhorar a correspondência sonora da gravação com a apresentação ao vivo dos próprios artistas.[3]

Os avanços na tecnologia de gravação, especialmente o advento da gravação em fita na década de 1940 - que Les Paul prontamente inovou ainda mais para desenvolver a gravação multipista[7] - e a ascensão dos instrumentos eletrônicos na década de 1950, transformaram a produção musical em uma especialidade.[3] Na música popular, então, produtores como George Martin, Phil Spector e Brian Eno lideraram sua evolução para o uso atual de técnicas elaboradas e sons irreais, criando canções impossíveis de se originar ao vivo.[1][8] Após a década de 1980, a mudança da produção de analógico para digital expandiu ainda mais as possibilidades.[3] Hoje em dia, DAWs, ou estações de trabalho de áudio digital, como Logic Pro, Pro Tools e Studio One, transformam um computador comum em um console de produção,[9][10] pelo qual um novato solitário pode se tornar um produtor qualificado em um estúdio caseiro econômico.[11][12] Na década de 2010, começaram os esforços para aumentar a prevalência de produtoras e engenheiras mulheres, amplamente superadas em número por homens e aclamadas com destaque apenas na música clássica.[11][13]

Thumb
O produtor musical Sir George Martin, mais conhecido por seu trabalho com the Beatles, fotografado com os membros George Harrison, Paul McCartney e John Lennon em uma sessão de gravação no Abbey Road em 1966
Remove ads

Visão geral da produção

Resumir
Perspectiva

Como um projeto amplo, a criação de uma gravação de música popular pode ser dividida entre três especialistas: o produtor executivo, que supervisiona parcerias de negócios e financiamento; o produtor vocal ou arranjador vocal, que auxilia a performance vocal por meio de crítica especializada e coaching de técnica vocal, e o produtor musical ou produtor de gravação, que, frequentemente chamado simplesmente de produtor, dirige o processo criativo geral de gravação da música em sua mixagem final.[2]

Os papéis do produtor podem incluir reunir ideias, compor música, escolher músicos de sessão, propor mudanças nos arranjos das canções, sugerir mudanças de andamento ou tonalidade de uma música, treinar os intérpretes, controlar as sessões, supervisionar a mixagem de áudio, e, em alguns casos, supervisionar a masterização de áudio. Um produtor pode dar controle criativo aos próprios artistas, assumindo um papel de supervisão ou consultivo. Quanto à qualificação para uma indicação ao Grammy, a Recording Academy define um produtor:[2]

O produtor frequentemente seleciona e colabora com um engenheiro de mixagem, que se concentra nos aspectos especialmente tecnológicos do processo de gravação, ou seja, operar o equipamento eletrônico e misturar as faixas brutas e gravadas das performances escolhidas, sejam vocais ou instrumentais, em uma mixagem, estéreo ou som surround. Em seguida, um engenheiro de masterização ajusta ainda mais essa gravação para distribuição na mídia escolhida. Um produtor pode trabalhar em apenas uma ou duas músicas ou no álbum inteiro de um artista, ajudando a desenvolver a visão geral do álbum. Os produtores musicais também podem assumir o papel de produtor executivo, gerenciando o orçamento, cronogramas, contratos e negociações.[2]

Remove ads

Desenvolvimentos históricos

Resumir
Perspectiva

Equipe de A&R

(Artistas e Repertório)

Na década de 1880, a indústria fonográfica começou simplesmente fazendo o artista se apresentar em um fonógrafo.[14] Em 1924, a revista comercial Talking Machine World, cobrindo a indústria fonográfica e de discos, relatou que Eddie King, gerente do "departamento de artistas e repertório de Nova York" da Victor Records, havia planejado um conjunto de gravações em Los Angeles.[15] Mais tarde, o folclorista Archie Green chamou isso de talvez o primeiro uso impresso de homem de A&R.[15] Na verdade, não diz nem "homem de A&R" nem mesmo "A&R", um inicialismo talvez cunhado pela revista Billboard em 1946, e entrando em uso amplo no final da década de 1940.[15]

Nas décadas de 1920 e 1930, executivos de A&R, como Ben Selvin na Columbia Records, Nathaniel Shilkret na Victor Records e Bob Haring na Brunswick Records tornaram-se os precursores dos produtores musicais, supervisionando a gravação e frequentemente liderando orquestras de sessão.[6] Durante a década de 1940, as grandes gravadoras abriram cada vez mais departamentos oficiais de A&R, cujos papéis incluíam supervisão de gravação.[15] Enquanto isso, estúdios de gravação independentes foram abertos, ajudando a originar o produtor musical como uma especialidade. Mas apesar de uma tradição de alguns homens de A&R escreverem música, a produção musical ainda se referia apenas à fabricação de discos.[6]

Produtores musicais

Após a Segunda Guerra Mundial, gerentes de A&R pioneiros que transitaram influentemente para a produção musical, como agora entendida, às vezes possuindo gravadoras independentes, incluem J. Mayo Williams e John Hammond.[6] Ao se mudar da Columbia Records para a Mercury Records, Hammond nomeou Mitch Miller para liderar as gravações populares da Mercury em Nova York.[6] Miller então produziu sucessos country-pop de Patti Page e Frankie Laine, mudou-se da Mercury para a Columbia e tornou-se um dos principais homens de A&R da década de 1950.[6]

Durante a década, os executivos de A&R cada vez mais direcionavam as assinaturas sonoras das canções, embora muitos ainda simplesmente juntassem cantores com músicos, enquanto outros exerciam virtualmente nenhuma influência criativa.[6] O termo produtor musical em seu significado atual - o diretor criativo da produção de canções - aparecendo em uma edição de 1953 da revista Billboard, tornou-se generalizado na década de 1960.[6] Ainda assim, uma distinção formal foi elusiva por mais algum tempo.[6] Gerentes de A&R ainda podiam ser diretores criativos, como William "Mickey" Stevenson, contratado por Berry Gordy, na gravadora Motown.[16]

Gravação em fita

Em 1947, o mercado americano ganhou gravação de áudio em fita magnética.[17] No alvorecer da indústria fonográfica na década de 1880, em vez disso, a gravação era feita por fonógrafo, gravando a forma de onda sonora verticalmente em um cilindro.[18] Na década de 1930, um gramofone a gravava lateralmente através de um disco.[19] Limitado em alcance tonal, seja grave ou agudo, e em faixa dinâmica, os discos faziam um piano de cauda grande soar como um piano vertical pequeno, e a duração máxima era de quatro minutos e meio.[14][19] Seleções e performances eram frequentemente alteradas de acordo, e tocar este disco - o master de cera - o destruía.[19] A finalidade frequentemente causava ansiedade que restringia a performance para evitar erros.[19] Na década de 1940, durante a Segunda Guerra Mundial, os alemães refinaram a gravação de áudio em fita magnética - removendo o limite de duração de gravação e permitindo reprodução imediata, regravação e edição - uma tecnologia que fundamentou o surgimento dos produtores musicais em seus papéis atuais.[19]

Gravação multipista

No início da indústria fonográfica, um disco era obtido simplesmente fazendo todos os artistas se apresentarem juntos ao vivo em uma tomada.[18] Em 1945,[7] ao gravar um elemento musical enquanto tocava um disco previamente gravado, Les Paul desenvolveu uma técnica de gravação chamada "som sobre som".[18] Com isso, a gravação final poderia ser construída peça por peça e adaptada, efetuando um processo de edição.[18] Em um caso, Paul produziu uma música por meio de 500 discos gravados.[18] Mas, além do tédio desse processo, ele degradava serialmente a qualidade de som dos elementos previamente gravados, regravados como som ambiente.[18] No entanto, em 1948, Paul adotou a gravação em fita, permitindo a verdadeira gravação multipista por uma nova técnica, "overdubbing".[18]

Para permitir o overdubbing, Paul revisou o próprio gravador de fita adicionando uma segunda cabeça de reprodução e chamando-a de cabeça de visualização.[7] Juntando-se à cabeça de gravação pré-existente, cabeça de apagamento e cabeça de reprodução, a cabeça de visualização permite ao artista ouvir a gravação existente sobre fones de ouvido tocando-a em sincronia, "em sync", com a performance atual sendo gravada sozinha em uma faixa isolada. Esse isolamento de múltiplas faixas permite inúmeras possibilidades de mixagem. Os produtores começaram a gravar inicialmente apenas as "faixas base" - a seção rítmica, incluindo a linha de baixo, bateria e guitarra rítmica - enquanto vocais e solos de instrumentos poderiam ser adicionados depois. Uma seção de metais, por exemplo, poderia gravar uma semana depois, e uma seção de cordas outra semana depois. Uma cantora poderia realizar seus próprios vocais de apoio, ou um guitarrista poderia tocar 15 camadas.[7]

Instrumentos eletrônicos

Thumb
Phil Spector produzindo o Modern Folk Quartet, 1966

Ao longo da década de 1960, a música popular mudou cada vez mais de instrumentos acústicos, como piano, contrabaixo, violão e instrumentos de metal, para instrumentos eletrônicos, como guitarras elétricas, teclados e sintetizadores, empregando amplificadores e alto-falantes. Estes poderiam imitar instrumentos acústicos ou criar sons totalmente novos. Logo, ao combinar as capacidades da fita, gravação multipista e instrumentos eletrônicos, produtores como Phil Spector, George Martin e Joe Meek criaram sons inatingíveis ao vivo. Da mesma forma, no jazz fusion, Teo Macero, produzindo o álbum de 1970 de Miles Davis Bitches Brew, emendou seções de extensas sessões de improvisação.[8]

Produtor-intérprete

Thumb
Brian Wilson durante uma sessão de gravação, 1966

Na década de 1960, bandas de rock como the Beatles, the Rolling Stones e the Kinks produziram algumas de suas próprias canções,[20] embora muitas dessas canções sejam oficialmente creditadas a produtores especializados. No entanto, especialmente influente foi the Beach Boys, cujo líder da banda Brian Wilson assumiu de seu pai Murry em alguns anos após o sucesso comercial da banda. Em 1964, Wilson havia levado as técnicas de Spector a uma sofisticação nunca vista. Wilson sozinho produziu todas as gravações dos Beach Boys entre 1963 e 1967. Usando múltiplos estúdios e múltiplas tentativas de faixas instrumentais e vocais, Wilson selecionou as melhores combinações de performance e qualidade de áudio, e usou edição de fita para montar uma performance composta.[8]

Produção digital

O advento de processos e formatos digitais na década de 1980 substituiu rapidamente processos e formatos analógicos, ou seja, fita e disco de vinil. Embora a gravação em fita de qualidade, com pelo menos meia polegada de largura e viajando a 15 polegadas por segundo, tivesse limitado o "chiado da fita" a seções silenciosas, a relação sinal-ruído mais alta do digital, SNR, o aboliu. O digital também conferiu à música uma qualidade de som percebida como "pristina", embora também uma perda da qualidade "quente" percebida nas gravações analógicas e graves mais arredondados.[21] No entanto, enquanto a edição de mídia em fita requer localizar fisicamente o áudio alvo na fita, cortar lá e emendar as peças, a edição de mídia digital oferece vantagens inegáveis em facilidade, eficiência e possibilidades.[21]

Na década de 1990, a produção digital chegou a computadores domésticos acessíveis por meio de software de produção. Hoje em dia, a gravação e mixagem são frequentemente centralizadas em DAWs, estações de trabalho de áudio digital - por exemplo, Pro Tools, Logic Pro, Ableton, Cubase, Reason e FL Studio - para os quais plugins, de terceiros, efetuam tecnologia de estúdio virtual.[9] DAWs bastante padrão na indústria são Logic Pro e Pro Tools.[10] Os dispositivos físicos envolvidos incluem o mixer principal, controladores MIDI para comunicação entre equipamentos, o próprio dispositivo de gravação e talvez equipamentos de efeitos externos. No entanto, a gravação literal às vezes ainda é analógica, em fita, após o que a gravação bruta é convertida em um sinal digital para processamento e edição, já que alguns produtores ainda encontram vantagens de áudio em gravar em fita.[21]

Convencionalmente, a fita é mais tolerante com a sobremodulação, pela qual picos dinâmicos excedem o nível de sinal máximo gravável: a limitação da fita, uma propriedade física, é a capacidade magnética, que diminui gradualmente, suavizando a forma de onda sobremodulada mesmo em um sinal quase 15 decibéis muito "quente", enquanto uma gravação digital é arruinada por distorção severa de "clipping" em qualquer excesso.[21] Na gravação digital, no entanto, um avanço recente, float de 32 bits, permite que DAWs desfaçam o clipping.[22] Ainda assim, alguns criticam instrumentos e fluxos de trabalho digitais por excesso de automação, supostamente prejudicando o controle criativo ou sonoro.[23] Em qualquer caso, como a tecnologia de produção mudou drasticamente, também mudaram as demandas de conhecimento,[24] embora as DAWs permitam que novatos, até adolescentes em casa, aprendam produção de forma independente.[11] Alguns atingiram competência profissional antes mesmo de trabalhar com um artista.[12]

Remove ads

Mulheres na produção

Resumir
Perspectiva
Thumb
Console de mixagem

Entre as produtoras musicais, Sylvia Moy foi a primeira na Motown, Gail Davies a primeira na Music Row de Nashville, e Ethel Gabriel, com a RCA, a primeira em uma grande gravadora. Lillian McMurry, proprietária da Trumpet Records, produziu influentes discos de blues. Enquanto isso, Wilma Cozart Fine produziu centenas de discos para a divisão clássica da Mercury Records. Para produção clássica, três mulheres ganharam prêmios Grammy, e a vitória de Judith Sherman em 2015 foi a quinta dela.[12] No entanto, no não-clássico, nenhuma mulher ganhou o Produtor do Ano, premiado desde 1975 e apenas uma foi indicada por um disco que não era seu, Linda Perry.[25] Após a indicação de Lauren Christy em 2004, a indicação de Linda Perry em 2019 foi a próxima para uma mulher.[25] Sobre por que nenhuma mulher jamais o ganhou, Perry comentou: "Eu simplesmente não acho que existam tantas mulheres interessadas." No Reino Unido, Lynsey de Paul foi uma das primeiras produtoras musicais, tendo produzido ambas as suas canções vencedoras do prêmio Ivor Novello.[12]

Ao longo das décadas, muitas artistas femininas produziram sua própria música. Por exemplo, artistas como Kate Bush, Madonna, Mariah Carey, Shakira, Janet Jackson, Beyoncé (até mesmo de Destiny's Child e the Carters), Lana Del Rey, Taylor Swift e Lorde produziram ou coproduziram[11][26] e Ariana Grande que produz e arranja seus vocais além de ser engenheira de áudio.[27][28][29] Ainda entre especialistas, apesar de algumas mulheres proeminentes, incluindo Missy Elliott no hip hop e Sylvia Massy no rock, a grande maioria tem sido homens.[11] No início da década de 2010, quando questionada sobre insights que ela própria havia adquirido como uma mulher que se especializou com sucesso na indústria, Wendy Page observou: "As dificuldades geralmente são de vida muito curta. Uma vez que as pessoas percebem que você pode fazer seu trabalho, o sexismo tende a baixar sua cabeça feia."[11] Ainda assim, quando encarregada de explicar a disparidade de sexo de sua profissão, Page argumentou parcialmente que as gravadoras, dominadas por homens, têm sido, segundo ela, "desconfiadas de dar a uma mulher as rédeas de um projeto imenso e criativo como fazer um disco".[11] Em última análise, as razões são múltiplas e não totalmente claras, embora fatores propostos com destaque incluam tipos de sexismo e escassez de modelos femininos na profissão.[12]

Produtoras conhecidas por produzir discos que não são seus incluem Sonia Pottinger, Sylvia Robinson e Carla Olson.

Em janeiro de 2018, uma equipe de pesquisa liderada por Stacy L. Smith, fundadora e diretora da Annenberg Inclusion Initiative,[30] baseada na USC Annenberg School for Communication and Journalism,[31] emitiu um relatório,[32] estimando que nos anos anteriores, cerca de 2% dos produtores de músicas populares eram mulheres.[13] Também naquele mês, a revista Billboard questionou: "Onde estão todas as produtoras musicais?"[12] Com o segundo relatório anual da Annenberg Inclusion Initiative, lançado em fevereiro de 2019,[33] seu departamento na USC relatou: "2018 viu um clamor de artistas, executivos e outros profissionais da indústria da música sobre a falta de mulheres na música" e "a situação das mulheres na música", onde as mulheres foram supostamente "estereotipadas, sexualizadas e excluídas".[31] Também em fevereiro de 2019, a Força-Tarefa sobre Diversidade e Inclusão da Recording Academy anunciou uma iniciativa pela qual mais de 200 artistas e produtores - variando de Cardi B e Taylor Swift a Maroon 5 e Quincy Jones - concordaram em considerar pelo menos duas mulheres para cada posição de produtor ou engenheiro.[13] O site da academia, Grammy.com, anunciou: "Esta iniciativa é o primeiro passo em um esforço mais amplo para melhorar esses números e aumentar a diversidade e inclusão para todos na indústria da música."[13]

Remove ads

Ver também

Referências

Leitura adicional

Loading related searches...

Wikiwand - on

Seamless Wikipedia browsing. On steroids.

Remove ads
Remove ads