独白

在戏剧中，独白（英语：monologue^[a]）是由单一角色发言的桥段，通常是为了表达他们的内心想法，虽然有时也可能是直接对另一角色或观众说话。独白在各类戏剧媒介（如舞台剧、电影等）中十分常见，也存在于非戏剧媒介中，如诗歌^[1]。

关于与“独白”标题相近或相同的条目，请见“独白 (消歧义)”。

演员克里斯托弗·沃肯于1984年舞台剧《Hurlyburly（英语：Hurlyburly）》中进行独白表演

独白与其他多种文学手法有许多共通之处，包括独角戏、顿呼法及旁白等。然而，这些手法之间亦有明确区别。

特征

独白是一种与对话不同的表达方式，最大的不同在于它不需要对象来回应。说话者通常是角色本人，向自己或观众说出内心的想法与感受。这种说话方式往往充满真诚和直接，不受外在约束，像是在思索或自言自语^[2]。

角色在独白中通常透过“声音”和“思绪”来表达自己：

1. 声音的表达：指角色说出来的话，有时是自己说，有时会和其他角色互动对话。
2. 思想的表达：是角色内心的独白，包括他怎么想、怎么看事情，可能以直接或间接的方式呈现。有时，角色的声音和思想会融合在一起，让读者或观众分不清哪些是说出口的话，哪些是内心的想法。这种模糊边界的情况让人物更加立体，也让叙事更加深刻^[3]。

独白类似于诗歌、顿悟等，皆由单一“声音”所发出，但彼此之间仍有差异。例如，独角戏（soliloquy）是角色将其思想与情感诉说给自己及观众听，而不对其他角色发言。独白（monologue）则是角色将自己的想法大声说出来^[4]。独白也与顿呼法（apostrophe）不同，后者是说话者或作者对一个虚构的人物、无生命的物体或抽象概念进行呼唤^[5]。而旁白（aside）不仅在长度上较短，其特点亦在于即使在理应被其他角色听见的情境下（例如两名角色的对话中，一人突然说出旁白），其他角色也无法听见^[5]。

戏剧性独白

“戏剧性独白”是一种戏剧创作中的文学体裁，在18与19世纪又被称为旋律诗剧，起源于让-雅克·卢梭于1762年创作的《皮格马利翁》。在戏剧性独白中，角色大声思索，将自己的思想、感知与情感表达给自己，也因此传达给观众。戏剧性独白让演员在舞台上体现出不只一个角色，模糊了叙述、戏剧与诗意之间的界线，并透过角色之间的知性或情感沟通来操控时间与空间^[6]。它可用于刻划角色，因此具有高度的心理描写价值，是一种内省的工具。在这个意义上，威廉·莎士比亚戏剧中的独白便广为人知，例如《哈姆雷特》。独白有时也可能是角色与自己进行的对话，或向无法回应的对象（如宠物、画像、植物、照片等）倾诉。甚至在面对无法回应的尸体时也可能进行，如米格尔·戴利贝斯的《与马里奥共度五小时》。另一种手法是写一封永远不会寄出的信，因此也不会有回复，例如弗朗茨·卡夫卡的《给父亲的信》。此外，日记也常作为独白的投射形式，其作者往往将日记视为永不开口的知己。在西班牙黄金时代的戏剧中，独白常托付于十四行诗或十行诗（英语：Décima）中，因此在角色关系错综复杂的喜剧中，也会出现大量十四行诗，例如洛佩·德·维加的《园丁的狗》。尽管独白是所有文学体裁中都会使用的手法，但因其对自我与主观性的强调，使其特别接近抒情体裁。在短篇小说、报刊文章或争论中都可以发现独白的存在。另一方面，“戏剧性独白”一词也可指现代抒情诗中的一种体裁或形式，由19世纪后浪漫主义诗人阿尔弗雷德·丁尼生创立，并由罗勃特·白朗宁发展并确立，至今仍为文化主义（英语：Culturalism）诗人与现代诗人所广泛采用^[7]。

历史

在古希腊戏剧中，在“三演员制”成为常规之前，剧场先后经历了“两演员制”以及最初只有一名演员与合唱队共同登场的形式。独白作为戏剧手法的起源，其实并非从对话发展而来，反而是对话源自独白的演进^[8]。在古罗马戏剧中，独白的使用比古希腊或现代戏剧更为频繁^[9]。其中一项主要功能，是用来表现大量时间的流逝，这种时间若以写实方式呈现会过于冗长与沉闷。这类形式被称为“过场独白”^[10]。其他常见类型还包括“出场独白”^[11]与“退场独白”^[12]。在这两种情况中，独白的核心功能同样是标示时间的推移^[11]。自英国文艺复兴时期的戏剧（英语：English Renaissance theatre）以降，独白多用于表现角色在剧情中的内在需求，透过一段延展性的语言来展开个人诉求。而在后现代戏剧中，独白的“表演性”更被强调，甚至进一步模糊了角色演绎与自传式叙述之间的界线^[13]。