Debut en el teatro (1963-1968)

Pacino surgió como actor en la escena teatral neoyorquina,^[4] con roles en obras para niños como Jack y las habichuelas mágicas, dirigida por Matt Clark, en el Café Bizarre; o The Adventures of High Jump, en el East Theater de Manhattan.^[74] Su debut en el teatro off-off-Broadway tuvo lugar en el Caffe Cino en la obra Hello Out There! de William Saroyan, dirigida por Charlie Laughton, en 1963.^[4]^[51] Esa primera experiencia frente a un público adulto, no obstante, creó inseguridades en el actor y lo alejó de los escenarios durante más de un año.^[75] Pacino y Laughton pasaban horas en el automat consumiendo comida barata y observando el entorno y su clientela para captar material para sus sketches.^[8] Con la idea de ayudar económicamente a su madre, intentó abrirse paso en el cine y asistió a un llamado para América, América de Elia Kazan, pero llegó tarde al casting y perdió esa oportunidad.^[40] Un momento clave que lo ayudó a afianzarse en los escenarios fue su participación en 1965 en otra obra off-off-Broadway dirigida por Laughton, Creditors de August Strindberg.^[40] Hacia mediados de esa década, probó suerte como director y comenzó a escribir revues cómicas que interpretaba con un amigo en cafeterías de Greenwich Village,^[76]^[77] y llegó a probar sus habilidades como comediante en vivo en el Café La MaMa.^[4] Al mismo tiempo, actuaba en depósitos y sótanos en obras como Awake and Sing! y America Hurrah. Pacino definió esa experiencia como liberadora y afirmó que pudo «hablar por primera vez».^[77] En ese entonces su actitud hacia la actuación era «simplemente seguir haciéndolo» y mejorar con la práctica, a la vez que hacía unos dieciséis shows por semana.^[78] En 1966 la obra Why Is a Crooked Letter le valió su primer reconocimiento público, una candidatura al Premio Obie como mejor actor.^[4]

A principios de 1967, sorprendió al Actors Studio con la presentación de un monólogo de la obra The Iceman Cometh del dramaturgo Eugene O'Neill que transicionó hacia uno de Hamlet. Tras una ovación del auditorio, el director del instituto Lee Strasberg le pidió que interpretara un personaje de O'Neill como Hamlet y viceversa. «El coraje que has mostrado hoy es más excepcional que el talento», pronunció Strasberg.^[40] Strasberg autorizó un pago de cincuenta dólares a través de la James Dean Memorial Scholarship Fund para que Pacino pudiese pagar el alquiler de su apartamento en Greenwich Village.^[79] Nuevamente se encontró sin dinero y durmiendo en el suelo del apartamento de Laughton sobre la Grand Street, por lo que se trasladó a Boston con cincuenta dólares prestados para asistir a un casting para actuar en el Theater Company de David Wheeler. Sorprendió a Wheeler con la lectura de un guion de El círculo de tiza caucasiano, sin embargo, el dramaturgo solo tenía disponible un pequeño papel y el actor prefirió volver a Nueva York.^[80] Hacia finales del mismo año, regresó a Boston y se unió temporalmente al teatro Charles Playhouse para protagonizar Awake and Sing! de Clifford Odets y America Hurrah de Jean-Claude van Itallie. Ahí comenzó a cobrar por primera vez un sueldo por actuar —125 dólares por semana— y conoció a la actriz Jill Clayburgh con quien mantuvo una relación de cinco años.^[81]^[82] Una de las primeras reseñas donde se mencionaba su trabajo como actor destacaba la calidad de Awake and Sing!, a excepción de su actuación.^[83]

Aunque ya sentía la actuación como parte de su identidad, aún se ganaba la vida como superintendente en una construcción por catorce dólares por semana.^[40] En 1968 protagonizó su primera obra off-Broadway en Nueva York, The Indian Wants the Bronx,^[78] en el Astor Place Theatre, donde interpretó a Murph, un vándalo de la calle. La obra se estrenó 17 de enero de ese año y se representó 177 veces; era presentada en funciones dobles junto a otra obra, It's Called the Sugar Plum, protagonizada por Clayburgh.^[84]^[85] La obra había sido estrenada primero en el Eugene O'Neill Theatre Center de Waterford, mientras algunos miembros de la producción convivían en una casa en Provincetown, Massachusetts. Fue ahí donde se reencontró casualmente con John Cazale,^[86] a quien había conocido algunos años antes mientras trabajaba como mensajero para la compañía petrolera Standard Oil.^[87] Pacino ganó el Premio Obie al mejor actor por su papel, Cazale lo hizo como mejor actor de reparto e Israel Horovitz se alzó con el galardón a la mejor obra nueva. Su nombre comenzó a hacerse más prominente entre los críticos; una crítica local vaticinó que el de Pacino era «un nombre que un día conoceremos muy bien» y más tarde una reseña de Clive Barnes para el periódico The Times contribuyó a su notoriedad como actor.^[88] Martin Bregman vio la obra y se ofreció a ser su representante, una asociación que se reveló fructífera en los siguientes años.^[89]^[90] «Martin Bregman me descubrió en Broadway. Yo tenía 25 o 26 años. Él me descubrió y se volvió mi representante. Y por eso estoy aquí, se lo debo a Marty, de verdad», afirmó.^[91] The Indian Wants the Bronx significó un gran paso en la vida y trayectoria de Pacino,^[78] que viajó a Italia para actuar en el Festival de los Dos Mundos en Spoleto. Este fue su primer viaje a Italia y más tarde recordó que «actuar para el público italiano fue una experiencia maravillosa».^[84] Junto a Clayburgh participó en «Deadly Circle of Violence», un episodio de la serie de televisión N.Y.P.D. de la cadena ABC, estrenado 12 de noviembre de 1968. Por aquel entonces, Clayburgh también participaba en la telenovela Search for Tomorrow y el padre de esta les enviaba dinero cada mes para ayudarlos.^[81]

Llegada a Broadway y primeros papeles en el cine (1969-1971)

El 25 de febrero de 1969 debutó en Broadway con la obra Does a Tiger Wear a Necktie? en el Teatro Belasco; la realización cerró tras treinta y nueve funciones. Recibió excelentes críticas y ganó el Premio Tony al mejor actor de reparto en una obra de teatro.^[92] Además consiguió los premios Drama Desk y Theatre World.^[93] Su trayectoria recibió un impulso positivo gracias a reseñas como la de The New York Times que, aunque cuestionó su versatilidad al describirlo como «un Dustin Hoffman italiano», comentó que era «el mejor actor joven de la ciudad»,^[92] mientras que una encuesta a críticos de la revista Variety lo nombró el «actor nuevo más prometedor de Broadway».^[94] Otra reseña de The New York Times explicó el personaje de Pacino como «un psicótico torpe y drogado con la mente de un matón y el alma de un poeta»,^[95] también descrito de esa forma por la revista Newsweek.^[92] Enseguida recibió una oferta para actuar en otra obra de Broadway, Zorba, el griego, pero rechazó el ofrecimiento.^[96] Su actuación en Does a Tiger Wear a Necktie? también llamó la atención del entonces desconocido director Francis Ford Coppola y lo convenció de viajar a San Francisco, donde le ofreció un papel en una cinta romántica que finalmente no alcanzó a ser producida.^[97] La respuesta positiva que tuvo Does a Tiger Wear a Necktie? en Broadway también le permitió conseguir financiación para realizar la obra off-Broadway The Local Stigmatic, pero sus malos resultados obligaron a cancelarla tras solamente una noche en cartel. Sin embago, la obra logró convencer a Jon Voight, que aportó los fondos suficientes como para que estuviera una semana más en los escenarios.^[98]

Impresionada por su actuación en la obra The Indian Wants the Bronx,^[99] la directora de casting Marion Dougherty le ofreció un papel en la comedia dramática Me, Natalie (1969), una aparición breve que iba a significar su debut en el cine.^[77] La cinta se rodó en Nueva York y Pacino pasó un día entero filmando su única escena,^[100] ambientada en una pista de baile donde le propone tener sexo a la protagonista, interpretada por Patty Duke. Previo a su debut en la pantalla grande, frente de las típicas viviendas brownstone neoyorquinas, el actor repetía una y otra vez de diferentes maneras los escasos diálogos de su personaje.^[101] Su participación no pasó del todo desapercibida y fue bien valorada por algunos críticos, entre ellos Judith Crist del diario New York Herald Tribune.^[102] De esa primera experiencia fílmica iba a comentar: «Lo único que recuerdo de esa película es que Patty Duke fue muy amable conmigo».^[103] En 1970 firmó con la agencia Creative Management Associates (CMA).^[104] Su desempeño en el ámbito teatral atrajo la atención de la industria cinematográfica y recibió once ofertas para actuar en el cine antes de elegir The Panic in Needle Park (1971), donde personificó a un adicto a la heroína de Manhattan.^[90]^[77]^{[Nota 5]} Fue su primer filme como protagonista y el primero en el que mostró su particular estilo de actuación.^[105] De acuerdo con el productor del filme, Dominick Dunne, la lista de candidatos para protagonizar The Panic in Needle Park finalmente se acortó a «dos desconocidos»: Al Pacino y Robert De Niro, y añadió que el segundo «se arrodilló en el piso, se arrodilló realmente» mientras le regaba que no le diera el papel a Pacino. La distribuidora 20th Century Fox tampoco lo quería para el rol al considerarlo «demasiado étnico».^[81]

Éxito en el cine y salto a la fama (1972-1979)

Francis Ford Coppola aún tenía presente su actuación en la obra Does a Tiger Wear a Necktie? y se decidió por él para personificar a Michael Corleone en El padrino (1972).^[106] Sin embargo, los productores de Paramount Pictures querían una «estrella» de cine en su lugar y presionaron a Coppola para que considerara a otros actores como Robert Redford, James Caan, Martin Sheen, Jack Nicholson o Warren Beatty. Descontento con las pruebas de preselección de Pacino, el productor ejecutivo Robert Evans se refirió a él como «el enano», al juzgar insuficientes los 170 centímetros de altura del actor como para encarnar al futuro don de la familia Corleone. Incluso él mismo se sentía inadecuado para el personaje y pensaba que sería mejor quedarse con el papel de Sonny Corleone. Finalmente, la insistencia de Coppola, la aprobación de Diane Keaton y ocho minutos dramáticos de metraje de The Panic in Needle Park lograron hacer ceder a los ejecutivos y el relativamente desconocido Pacino se quedó con el papel.^[2] No obstante, incluso comenzado en rodaje, los productores seguían dudando del actor e intentaron despedirlo en tres ocasiones.^[2]^[107] Desde el momento en que Coppola leyó la novela en la que se basa el filme, Pacino se transformó en su primera y única opción para el papel, razón por la cual no cedió ante los ejecutivos.^[97] «Michael fue un personaje difícil porque comienza de un modo y hace una transición hacia otro», recordó Pacino. Para terminar de convencer a los ejecutivos, Coppola adelantó la filmación de una de las escenas: el encuentro con Virgil Sollozzo y el capitán McCluskey en el restaurante, una escena que se iba a volver famosa.^[2]^[25]

Su actuación en El padrino tuvo un éxito rotundo entre los críticos y su representante declaró: «La gente puede haber venido a ver a Brando, pero se irán hablando de Pacino».^[108] De hecho, el crítico Larry Cohen sentenció: «El padrino pertenece a Al Pacino. Todos los demás lo hacen muy bien, hasta los papeles más pequeños, pero es Pacino quien es grandioso».^[109] Esta actuación le valió una candidatura a los Premios Óscar en la categoría mejor actor de reparto —a pesar de ser el protagonista de la trama—.^[110] El filme también tuvo una buena acogida en la taquilla,^[111] y con los años se consideró uno de los mejores de la historia y uno de los papeles definitorios de la carrera de Pacino.^[112] El actor cobró 35 000 dólares y tuvo que invertir parte de ese monto en asuntos legales.^[113] Cuando finalmente se le ofreció el papel de Michael Corleone, ya había firmado un contrato con Metro-Goldwyn-Mayer para actuar en otra cinta sobre la mafia, The Gang That Couldn't Shoot Straight, por lo que tuvo que recurrir a la ayuda de abogados para solucionar el problema.^[114] Más tarde reveló que quedó «en la ruina» económicamente tras esa disputa con MGM.^[115]

El director de The Panic in Needle Park, Jerry Schatzberg, lo seleccionó para coprotagonizar junto a Gene Hackman su siguiente filme, Espantapájaros (1973). Hackman y Pacino interpretaron a dos vagabundos que viajan desde California hacia Pittsburgh con la intención de comenzar un negocio. Preparándose para sus roles previo a la filmación, los dos protagonistas se vistieron con harapos y salieron a mendigar por las calles de San Francisco.^[116] El contraste entre ambos actores en cuanto al método de abordaje de sus respectivos personajes aportó dinamismo en la pantalla,^[116] pero su relación en el set no fue la ideal y Pacino iba a declarar que «trabajar con Hackman no fue lo más fácil». Según él, aunque el de Espantapájaros fue «el mejor guion que había leído jamás», consideró este filme como «la experiencia más triste» de su carrera, opinando que fue un ejemplo de «negligencia» y puesto que los ejecutivos querían gastar menos del presupuesto, se terminó sacrificando la calidad de la película.^[117] Según el relato de Schatzberg, el actor no estaba conforme con la cantidad de minutos que aparecía en pantalla y pretendía que se reeditara el filme, a lo que el director se negó, lo que provocó que el dúo dejara de hablarse por casi tres años.^[118] Una vez estrenada, la cinta tuvo un recepción irregular: Aunque obtuvo la Palma de Oro en Cannes, los resultados en la taquilla fueron negativos y dividió la opinión de los críticos de cine.^[116]^[109] Posteriormente iba a ganar adherentes, al punto de volverse una película de culto,^[116] con reestrenos en algunos festivales de cine y proyecciones especiales y una mejora de su valoración frente a la crítica.^{[Nota 6]}

Pacino en un retrato publicitario de Serpico.

Escena de Pacino como el agente encubierto Frank Serpico.

Al mismo tiempo protagonizó Serpico, bajo de dirección de Sidney Lumet, basada en la biografía escrita por Peter Maas del incorruptible policía de Nueva York, Frank Serpico, quien trabajó varios años en las calles como encubierto y expuso la corrupción que existía en el departamento de policía de esa ciudad.^[109] En un principio, el proyecto no atrajo demasiado la atención del actor al parecer «otra película policíaca más», pero su decisión se vio influenciada después de leer el guion escrito por Waldo Salt y —principalmente— tras su encuentro con Frank Serpico.^[120] Apasionado por la convicción de Serpico de reformar el NYPD, se comprometió más con el proyecto.^[121] Como forma de adentrarse en el personaje, el actor se reunió con Serpico en varias ocasiones y durante una noche recorrió las calles junto a oficiales de la policía.^[120] Personificando a Serpico, Pacino a menudo caminaba por áreas de la ciudad peligrosas en ese entonces,^[122] e incluso llegó a intentar arrestar a un camionero.^[123] Serpico fue su primera película como protagonista absoluto y lo catapultó al nivel de estrella de cine,^[108] además de valerle una candidatura al Óscar como mejor actor y la obtención del Globo de Oro al mejor actor dramático.^[124] Su retrato de Serpico fue ampliamente elogiado; entre los admiradores de su trabajo estuvo el crítico y escritor Charles Champlin, quien lo llamó «uno de los pocos actores estrella genuinos del cine estadounidense».^[125] La popularidad del filme también ayudó a incrementar la fama de Frank Serpico y su nombre permaneció asociado a la imagen de Pacino.^[126]^[127]

Aunque dubitativo al principio,^[128] repitió su papel como Michael Corleone en la segunda parte de El padrino (1974), ambientada en 1958 con Michael como el nuevo don de la familia Corleone. Una oferta de seiscientos mil dólares y el entusiasmo de Francis Ford Coppola lo convencieron de protagonizar la segunda parte.^[129] Esta gozó del mismo éxito comercial y crítico que la primera entrega, y pasó a formar parte de numerosas listas de las mejores de la historia,^[130] al igual que la actuación de Pacino.^{[Nota 2]} Fue la primera secuela en ganar el Óscar a la mejor película,^[130] mientras que Pacino recibió su tercera nominación al Óscar.^[109] La revista Newsweek describió su actuación como «la más grande representación en el cine del endurecimiento de un corazón»;^[134] así, Pacino se transformó en uno de los principales atractivos de taquilla de ese año.^[135] Durante veinte semanas de intenso rodaje, el actor —que llevaba una vida solitaria— tuvo dificultades para distanciarse de su personaje, lo que lo afectó física y psicológicamente,^[136] y en cierto punto fue ingresado en el hospital por agotamiento.^[137] Como consecuencia, abandonó su siguiente proyecto, Tarde de perros (1975) y se empezó a hablar de Dustin Hoffman como su reemplazo.^[138] Pacino explicó:

Había acabado de hacer la segunda parte de El padrino y estaba cansado de los filmes. No quería hacer una película. Era una molestia. Había hacho años de teatro y pensé que era uno de esos actores que no se podía adaptar al cine, porque era demasiado laborioso. Supongo que fui muy duro conmigo mismo. Estaba trabajando en un medio que no conocía y me sentía inseguro.^[139]

No obstante, el productor de Tarde de perros y todavía su representante, Martin Bregman, opinaba que el rol solo podía ser interpretado por Pacino.^[138] Finalmente, su personaje y el guion escrito por Frank Pierson lograron convencerlo.^[139] Sidney Lumet dirigió la producción basada en una historia real cuya trama estuvo coprotagonizada por Pacino y John Cazale como los asaltantes en —de acuerdo con el biógrafo William Schoell— «uno de los más peculiares» y «el más patético» intento de robo a un banco.^[140] «Se necesita una enorme cantidad de coraje, porque es un actor protagónico, no un secundario, y se le había pedido que interpretara a un homosexual. Era un gran riesgo», recordó Bregman. Y explicó: «Cuando interpretas a un personaje, te vuelves ese personaje, especialmente cuando eres Al, y ese podría haber sido un mundo que él no quería explorar. Tienes que recordar que en ese entonces ninguna estrella de cine había interpretado jamás a un homosexual; él fue el primero».^[141]

Sin bien en un principio tuvo problemas para «encontrar el personaje»,^[142] propuso algunos cambios durante el rodaje e improvisó parte de los diálogos,^[143] evitando los estereotipos y creando un personaje lo más «humano y complicado» posible.^[144]^[145] Las primeras reseñas posteriores al estreno fueron variadas; mientras que la película conformó a Vincent Canby de The New York Times, el crítico de la Rolling Stone Jon Landau la calificó como «un aburrimiento» y añadió que «su casi total fracaso descansa sobre los hombros de Al Pacino».^[146] Sin embargo, el prestigio del filme iba a aumentar gracias a la valoración de otros críticos y numerosos reconocimientos,^{[Nota 7]} incluidas candidaturas al Óscar y Globo de Oro para Pacino.^[152] Tanto el Globo de Oro como el Óscar al mejor actor se lo terminó llevando Jack Nicholson por One Flew Over the Cuckoo's Nest.^[153]^[154]

En la cima de su carrera y sin saber cómo seguir,^[155] rechazó los siguientes papeles que le ofrecieron y pasó casi un año sin trabajar.^[156] Por sentirse identificado con él y en ese momento vivir una situación similar,^[157] aceptó interpretar a Bobby Deerfield, un famoso y solitario piloto de carreras obsesionado con su profesión, en el drama romántico homónimo (1977) dirigido por Sydney Pollack. «Me sentía muy perdido en la vida», recordó Pacino,^[155] que había abandonado la bebida y su éxito previo en el cine lo había alejado del mundo que conocía.^[158] Marthe Keller, la coprotagonista, coincidió en que Bobby Deerfield era muy similar al actor en la vida real.^[159] La filmación se llevó a cabo en Europa^[160] y durante sus cuatro meses de duración, Pacino se sometió a un estricto régimen de fitness bajo la guía del entrenador Al Silvani.^[161] Este trabajo significó un cambio con respecto a sus filmes anteriores,^[157] y aunque se sentía «conectado» con su personaje, sintió que sus habilidades como actor eran limitadas para ese rol.^[155] Además, aunque reconoció las capacidades de Pollack, confesó haber tenido diferencias creativas durante el rodaje y afirmó que por momentos no pudo entender el punto de vista del director.^[157] Por su parte, Pollack observó que Pacino hacía preguntas extremadamente detalladas sobre las escenas y los personajes,^[160] comentando que era «como un perro rastreando un olor»,^[161] y la lentitud del actor y el tiempo que este dedicaba a «meterse» en el personaje impacientó al director.^[162] Bobby Deerfield fue una decepción en la taquilla y tampoco entusiasmó a los críticos,^[163] aunque Pacino logró una nominación al Globo de Oro como mejor actor dramático. Por primera vez su sueldo sobrepasó el millón de dólares.^[129]

Durante la década de 1970, paralelamente a su éxito en el cine, el actor continuó trabajando en los escenarios, asociado a las obras producidas por la Theater Company of Boston. Una de ellas fue The Basic Training of Pavlo Hummel (1972, 1977), donde interpretó al personaje principal, y por la cual más adelante ganó el Premio Tony al mejor actor principal por su versión en Broadway.^[164] El autor de la obra, David Rabe, notó la cantidad de actuaciones variadas que Pacino desarrollaba durante los ensayos y hasta momentos antes del estreno. Rabe afirmó que en uno de los ensayos lo vio interpretar al personaje de «veinte modos diferentes», era como «probarse trajes».^[165] Otras de las obras fue la controversial Ricardo III (1972, 1979), de William Shakespeare, interpretando al personaje del mismo nombre. El personaje significó un desafío para el actor y la posibilidad de adentrarse en un terreno desconocido. Personificó a Ricardo con voz aguda en vez del clásico acento británico y se inspiró en diversas personalidades como Lee Strasberg, George C. Scott y hasta su propia abuela.^[166] El resultado generó diversas reacciones en los críticos; algunos consideraron que una obra de Shakespeare no era un terreno adecuado para un actor neoyorquino como él,^[167]^[164] aludiendo a su aspecto «étnico» o su dicción de clase obrera.^[168] En referencia a una reseña de Walter Kerr donde este afirmaba que Pacino no pertenecía al mundo de Shakespeare, el actor aseguró: «Shakespeare es una de las razones por las que me mantuve actuando».^[169]

Contratado por Martin Bregman, David Rabe escribió el guion de First Blood en 1975 con la idea de Pacino en el papel de Rambo.^[170] Aunque al inicio el actor estaba interesado, más tarde se desligó del proyecto al encontrarlo demasiado oscuro.^[171] Hacia 1977, había aceptado protagonizar una versión temprana de Nacido el cuatro de julio con William Friedkin en la dirección. Transcurridas dos semanas de ensayos,^[172] la financiación fue retirada y el actor y el director abandonaron el proyecto.^[173]^[174] Tras este hecho, la relación profesional entre Pacino y su representante, Martin Bregman, se disolvió.^[175] Seguidamente, el actor rechazó propuestas para protagonizar las cintas Kramer vs. Kramer, Apocalypse Now y Star Wars.^[174]^[176]^[177]^{[Nota 8]} En su lugar protagonizó el drama legal Justicia para todos (1979) del director Norman Jewison, la historia de un abogado que lucha contra la corrupción en el sistema judicial. Un crítico de la revista The Hollywood Reporter escribió que este era el papel que mejor interpretaba, «el de rebelde desaliñado, fuerte, pero vulnerable, discreto, pero fácilmente explosivo, luchando por derechos simples y un trato justo en una sociedad corrompida».^[178] Según The Epoch Times, Justicia para todos «tristemente marcó el fin de la ‘era dorada’ de Pacino».^[179] Su actuación le valió una quinta candidatura al Óscar, premio que se terminó llevando Dustin Hoffman por Kramer vs. Kramer. Tras el rodaje de Justicia para todos, volvió a Broadway para actuar nuevamente en Ricardo III.^[180]

Altibajos profesionales (1980-1988)

Inmediatamente después de su paso por Broadway,^[182] Pacino volvió al cine para protagonizar Cruising (1980) del director William Friedkin, su película más controversial,^[183] sobre un policía encubierto que investiga una serie de asesinatos ocurridos dentro de la comunidad homosexual del barrio neoyorquino de West Village. Ya desde el comienzo de la filmación en Nueva York, activistas homosexuales protestaron en contra de la producción del filme e intentaron sabotear el rodaje, alentados por parte de la prensa.^[184]^[185] Quienes protestaban acusaban a la trama de ser «antihomosexual» y retratar a los homosexuales como estereotipos unidimensionales, en parte debido a la presencia de escenas de sadomasoquismo. «Es solo un fragmento de la comunidad homosexual, del mismo modo que la mafia es un fragmento de la vida italoestadounidense», opinó Pacino antes del estreno.^[183] El director omitió escenas esenciales del guion original y una vez estrenado el filme, Pacino sintió que esa no era la película que él había acordado hacer.^[186]^[152] A pesar de la atención recibida por parte de los medios de comunicación, Cruising no tuvo grandes resultados en los cines y la reacción de la crítica fue negativa,^[187]^[188] aunque durante las décadas subsiguientes algunos iban a rescatar aspectos del filme.^{[Nota 9]}

Su trayectoria en el cine continuó con un cambió de rumbo con la interpretación de un padre soltero con cinco hijos en la comedia dramática Author! Author! (1982).^[152] La idea del personaje lo había convencido, pero el rodaje no le iba a resultar satisfactorio a causa de sus problemas con el director Arthur Hiller: «A veces en este negocio personas que no se supone que deberían encontrarse se encuentran por un breve tiempo», dijo Pacino, y añadió que la película «no debería haber sucedido».^[190] Desinteresado por la cinta, el crítico Roger Ebert se preguntó: «¿Qué hace Pacino en este caos? ¿Qué le está sucediendo a su carrera?».^[191] Además, Author! Author! significó otra decepción en la taquilla.^[192] Durante esta década hubo periodos en los cuales se alejó del cine y dedicó ese tiempo al teatro y a pulir detalles de una producción personal, el filme The Local Stigmatic, que no iba a ver la luz hasta años después.^[193] Su mayor éxito en el teatro fue American Buffalo (1980-1984) de David Mamet, por la cual fue nominado al Drama Desk Award.^[194] Su papel como «Teach», un ladrón que planea un robo destinado a fracasar, evolucionó a la largo de los años y las variadas funciones en teatros neoyorquinos de Broadway, off-Broadway, otras ciudades estadounidenses y Londres.^[195]^[196]

Volvió al cine de gánsteres con Scarface (1983), dirigida por Brian De Palma y escrita por Oliver Stone. Después de ver el filme original de 1932, Pacino propuso el proyecto a Martin Bregman, quien consideró que era una oportunidad para que el actor hiciese un papel que no había hecho antes. De Palma ideó el estilo operístico del personaje y la cinta. Para el papel del narcotraficante cubano Tony Montana, Pacino se inspiró principalmente en la actuación original de Paul Muni y se mudó temporalmente a Miami para familiarizarse con las costumbres y patrones lingüísticos de sus residentes. Dio prioridad al acento del personaje y una vez perfeccionado, lo solía utilizar tanto dentro como fuera del set. Además de trabajar con un experto en dialectos, también se entrenó con un preparador físico y con un experto en combate con cuchillos.^[197] Aunque fue recibida con críticas negativas,^[198] la cinta iba a resurgir como una película de culto y a ser ampliamente referenciada en la cultura popular,^{[Nota 10]} además de transformarse en uno de los papeles más populares de Pacino.^[198]

A su papel protagónico en Scarface le siguió otro en Revolution (1985), acerca de un cazador durante la Guerra de Independencia de los Estados Unidos. La película fue un fracaso tanto a nivel comercial como crítico. Con un costo de producción de veintiocho millones de dólares, el filme alcanzó a recaudar solamente 359 000 dólares, una de las películas con mayores déficits en recaudaciones.^[203] En una crítica para la revista New York, David Denby describió negativamente el acento de Pacino como «Chico Marx con un resfrío» y en cuanto a su expresión dijo que era como «Anne Bancroft tratando de ser seria».^[204] Incluso Pacino consideró Revolution como el «fracaso más grande» de su carrera y opinó que el material tenía potencial, pero que se vio afectado por la falta de producción y apresurado estreno.^[205]^{[Nota 11]}

Las críticas negativas de Scarface^[206] y el rotundo fracaso de Revolution desorientaron al actor,^[207] que como resultado se retiró del cine por cuatro años.^[205] Aún molesto con su salida de Nacido el cuatro de julio, Oliver Stone declaró: «Pacino es un idiota. Su carrera se fue por el caño».^[8] Mientras tanto, volcó su atención a la realización de su proyecto como productor, el mediometraje The Local Stigmatic.^[208] Paralelamente, se refugió en el teatro y actuó en las obras Crystal Clear (1987), National Anthems y la producción de Joseph Papp de Julio César (1988),^[42] como Marco Antonio, que generó interés al tratarse del mismo personaje que Marlon Brando había dado vida en la versión cinematográfica de 1953.^[209] Pacino recordó que a mediado de los años 1970, los medios afirmaban, en sus palabras: «Que la razón por la que volví a los escenarios fue que ¡mi carrera en el cine estaba decayendo! Ese ha sido el tipo de mentalidad, la forma en que el teatro es percibido, desafortunadamente».^[42] El actor recordó esos años lejos del cine como uno de sus mejores periodos de su vida adulta.^[40]

Resurgimiento (1989-1999)

Su inversión en la producción de la película independiente The Local Stigmatic lo derribó económicamente, razón por la cual tuvo que volver a actuar en el cine.^[208] Con la ayuda de Diane Keaton, su pareja en ese momento,^[78] regresó a la pantalla grande de la mano del director Harold Becker con el filme neo-noir de suspenso Sea of Love (1989), donde Pacino interpretó a un detective en búsqueda de una asesina en serie que encuentra a sus víctimas por medio de avisos en el periódico.^[25] Sea of Love no solo significó su vuelta al cine sino a un territorio conocido, ejecutando el papel de un policía de Nueva York.^[42] La cinta colmó las expectativas generadas por su regreso;^[210] tuvo un recibimiento positivo por parte de la crítica y generó interés en el público,^[211] posicionándose en el número uno en la taquilla al momento de su estreno y recaudando más de ciento diez millones de dólares,^[212]^[213] sobre un presupuesto de diecinueve millones.^[214] Esto ayudó a que el actor volviese a la escena mainstream y consiguiese una candidatura al Globo de Oro como mejor actor dramático.^[168]^[215] Así, la cinta de Becker no solo relanzó la carrera de Pacino sino también la de su compañera de reparto, Ellen Barkin.^[216]

En 1990 Pacino proyectó The Local Stigmatic en el MoMA.^[217] De unos cincuenta minutos de duración, es una adaptación de la obra del mismo nombre en la que Pacino había actuado por primera vez en 1969 y por la cual había sido abucheado.^[218] The Local Stigmatic trata temáticas como la fama y la violencia y tiene como protagonistas a dos cockneys de mala vida, uno de ellos interpretado por Pacino.^[217] El filme nunca fue estrenado en los cines, solamente tuvo proyecciones privadas.^{[Nota 12]} También en 1990, apareció en un antagónico papel secundario como el gánster «Big Boy» Caprice en la comedia criminal Dick Tracy, dirigida y protagonizada por Warren Beatty.^{[Nota 13]} Pacino dedicó meses a diseñar el aspecto de su personaje,^[222] experimentando con diversas combinaciones de prótesis y maquillaje.^[223] Su histriónica actuación le valió la aceptación de la crítica;^[222] Roger Ebert escribió que el actor era un «ladrón de escenas» y la revista Time opinó que Pacino «le da al Jack Nicholson de Batman un par de lecciones de cómo interpretar un villano de historietas: como en parte un ideólgo psicótico y en parte un director de danza de Hollywood, un Bugsy Siegel que quiere ser Busby Berkeley».^[224]^[225] Pacino llegó a ser nominado al Óscar como mejor actor de reparto, una candidatura que sentó un precedente en la historia de los «premios de la Academia», al romper con la costumbre de ignorar actuaciones de adaptaciones fílmicas de historietas.^[226]

Hacia finales de ese mismo año, llegó a los cines la tercera parte de El padrino con Pacino repitiendo su rol como Michael Corleone. Aunque sin alcanzar el prestigio de las entregas anteriores de la saga, la esperada tercera parte fue valorada de manera positiva por la crítica cinematográfica,^[111] que elogió el desempeño de Pacino. La revista Variety y Janet Maslin de The New York Times llamaron a su actuación «magnífica» y «fascinante», respectivamente, mientras que David Denby la calificó como «brillante», «detallada» y «conmovedora», aunque no se expresó del mismo modo con respecto al filme en general.^[227] En opinión de Pacino, la cinta no alcanzó su potencial debido en parte a la ausencia en el reparto de Robert Duvall y porque «nadie quería ver a Michael vengarse y sentirse culpable. Él no era así» y añadió que no fue acertado abandonar sus códigos para «comenzar a llorar sobre ataúdes, confesarse y sentir remordimiento».^[228] De todos modos, el hecho de protagonizar El padrino III —la película más esperada de la última década según Los Angeles Times—^[229] contribuyó a catapultar su carrera de vuelta a la cima.^[230]

El director Garry Marshall, que no había podido contar con Pacino para Pretty Woman, logró tenerlo como coprotagonista del drama romántico Frankie and Johnny (1991), junto a su compañera de Scarface, Michelle Pfeiffer.^[231] Pacino encarnó a un cocinero recién salido de la cárcel que empieza una relación con una camarera (Pfeiffer) en la cafetería donde trabaja. Se trató de una adaptación guionada por Terrence McNally de su propia obra off-Broadway titulada Frankie and Johnny in the Clair de Lune (1987). Si bien el director notó que los métodos de actuación de sus dos protagonistas eran opuestos, observó que Pacino y Pfeiffer tuvieron una «química maravillosa».^[232] La crítica Janet Maslin de The New York Times escribió: «El Sr. Pacino no ha estado así de atractivo desde sus días de Dog Day Afternoon y hace de la interminable iniciativa de cortejar a Frankie un placer. Sus escenas junto a Pfeiffer tienen una precisión y honestidad que mantienen a raya los aspectos sensibleros de la película».^[233]

A continuación coprotagonizó el drama Glengarry Glen Ross (1992), basado en la obra del mismo nombre escrita por David Mamet. Se trató de una adaptación que había estado años en desarrollo con el nombre de Pacino vinculado al proyecto;^[234] finalmente el director James Foley le envió el guion al actor, con quien había querido trabajar por años.^[235] Otros actores de renombre habían expresado interés en participar del proyecto, a pesar de su modesto presupuesto —12,5 millones de dólares—; por ejemplo, los ingresos de Pacino pasaron de los seis millones que venía cobrando por película a un millón y medio en Glengarry Glen Ross.^[234] El actor interpretó a Ricky Roma, uno de los cuatro vendedores de inmuebles, desesperados ante la llegada de un facilitador que anuncia que después de una semana, solo los dos mejores vendedores mantendrán su empleo. El grupo de actores encabezado por Pacino fue descrito por el crítico Philip French como «uno de los mejores repartos estadounidenses jamás reunidos».^[236]

Por Glengarry Glen Ross, Pacino estuvo nominado como mejor actor de reparto en la 65.ª entrega de los Premios Óscar, pero el premio se lo llevó su antiguo compañero de Espantapájaros, Gene Hackman.^[237] No obstante, Pacino iba a ganar el Óscar al mejor actor por su interpretación del teniente coronel no vidente retirado del Ejército de los Estados Unidos, Frank Slade, en el éxito taquillero Scent of a Woman (1992).^[25] De esta forma, se transformó en el primer actor masculino en ganar el premio al mejor actor habiendo sido también candidato a mejor actor de reparto en una misma edición de los premios.^[25] Siendo un ejemplo de actuación de método, recibió indicaciones de parte de una escuela para ciegos y aunque en un principio su personaje iba a usar lentes que ayudaran al actor a aparentar ceguera, Pacino decidió no utilizarlos. Continuaba «dentro» del personaje incluso el set caminando con un bastón sin mirar a la gente.^[238] Un amigo de su infancia, Kenneth Lipper, relató que, de niño, Pacino hacía de cuenta que era ciego y le pedía ayuda a la gente para cruzar la calle. «Así que no fue una sorpresa para mí verlo recibir un Premio de la Academia por un papel que ha estado interpretando toda su vida», dijo Lipper.^[50] El crítico David Denby de la revista New York definió su actuación como «la más grande, más teatral y emotiva» de la trayectoria de Pacino en el cine^[239] y dijo que su carrera se encontraba «en medio de una fabulosa segunda vida».^[17] Algunos medios se refirieron a 1992 como «el año de Al Pacino».^[240] Paralelamente continuó trabajando en el teatro con obras como Salomé de Oscar Wilde y Chinese Coffee en Broadway, cuyos resultados fueron irregulares, pero su actuación fue elogiada.^[241]

Al año siguiente, protagonizó el drama criminal Carlito's Way (1993), donde interpretó a un gánster puertorriqueño que acaba de salir de prisión e intenta alejarse del mundo de la delincuencia. Parcialmente basada en dos novelas escritas por el juez Edwin Torres, a quien Pacino había conocido mientras trabajaba en Serpico, el actor se interesó en el proyecto y especialmente en el protagonista, Carlito Brigante.^[242] Pacino acompañó a Torres en su recorrido por Harlem del Este para inspirarse en la atmósfera del lugar y estética de sus habitantes.^[243]^[242] Los productores seleccionaron a Brian De Palma como director, que de esta manera se reunió con Pacino tras Scarface. El director manifestó dudas con respecto a filmar otra cinta de gánsteres de origen hispano,^[242] y planeó un filme más convencional y sin los excesos de Scarface,^[244] basándose en el cine negro clásico.^[245] Coincidiendo con los pronósticos, Owen Gleiberman de la revista Entertainment Weekly comparó Carlito's Way con Scarface, escribiendo que se trataba de «un trabajo de realización cinematográfico más fino», pero notando la falta de un protagonista tan memorable como Tony Montana, diciendo que con Carlito Brigante «Pacino intenta algo más tranquilo y emotivo».^[241] Para la revista Esquire, el Óscar recientemente obtenido por Pacino «manchó» la recepción crítica de Carlito's Way, que, sin embargo, presentó al actor en una «actuación fascinante que es en su mayoría discreta» con «algunas de las mejores escenas de virtuosismo de su carrera».^[246]

Después de inspirarse en la imagen de su propio abuelo para interpretar a un anciano durante sus últimos días de vida en el drama de bajo presupuesto Two Bits (1995) de James Foley,^[247] continuó con su papel como el teniente Vincent Hanna en el drama policíaco Heat (1995) del director Michael Mann. El personaje de Pacino es un detective de homicidios de Los Ángeles que le sigue la pista a una banda de ladrones de banco encabezada por el personaje de Robert De Niro. El filme creó expectativas por ser la primera vez que Pacino y De Niro aparecían juntos en pantalla,^{[Nota 14]} el encuentro de «los dos actores más respetados de su generación», según la revista The List.^[20] La crítica Manohla Dargis escribió que Pacino «es un disturbio de una sola persona, un dínamo cargando la escena de un crimen como una cruza demente entre el Sombrerero Loco y Hércules Poirot, todo furia y agitación de sustancia gris. Pero, aunque Hanna está desmesurado, no está nunca fuera de control».^[247] Años más tarde, Pacino explicó algunos de los comportamientos de su personaje, revelando que —si bien no se muestra en pantalla— este estaba bajo los efectos de la cocaína.^[248] El filme además iba a ser recordado por el antagónico encuentro entre Pacino y De Niro en una cafetería —filmado sin haber sido ensayado antes—^[249] o la escena final.^[250] Collider consideró la escena de la cafetería «una de las escenas más emblemáticas de la historia del cine».^[251]

Posteriormente recibió el llamado del director Harold Becker para coprotagonizar junto a John Cusack el thriller político City Hall (1996). «Aunque tiene menos minutos en pantalla, Pacino se apodera de cada una de sus escenas», escribió el crítico Bob Thomas para Associated Press sobre el actor en el papel del alcalde de Nueva York, y destacó su monólogo en una de las escenas como de «los mejores discursos en el cine de todos los tiempos».^[252] Owen Gleiberman de Entertainment Weekly se refirió a la misma escena como «una grotesca parodia de compasión izquierdista», aunque valoró la actuación de Pacino en el resto de la cinta.^[253] Si bien el actor se reunió con figuras como Rudy Giuliani, Ed Koch y David Dinkins previo a interpretar el papel del carismático alcalde, declaró que su rol es «una descripción genérica de un alcalde populista».^[254] Tras cuatro años de trabajo,^[255] ese mismo año estrenó su debut como director, Looking for Richard —también producido, protagonizado y financiado por él mismo—, un docudrama con escenas selectas de Ricardo III de William Shakespeare y un amplio análisis del rol actual y relevancia cultural del autor, con un reparto que incluyó a Alec Baldwin, Kevin Spacey y Winona Ryder, entre otros. Looking for Richard le valió a Pacino el Premio del Sindicato de Directores a la mejor dirección en un documental.^[256]^[257]

Su siguiente participación en el cine fue en Donnie Brasco (1997), dirigida por Mike Newell y basada en la historia real del agente encubierto del FBI Donnie Brasco y su trabajo para hacer caer a la mafia desde dentro. Pacino encarnó a «Lefty» Ruggiero, un veterano asesino a sueldo cuya autoridad dentro del crimen organizado está en decadencia.^[258] Refiriéndose a «Lefty», Janet Maslin de The New York Times dijo: «Este Pacino es diferente: Envejecido, cansado, monótono, sin suerte, aunque desesperadamente ansioso por conseguir aprobación».^[259] David Denby valoró esta actuación de Pacino como «la más melancólica de su carrera» y la «más convincentemente fatalista».^[258] En ese sentido, el ex caporegime de la familia criminal Colombo Michael Franzese destacó la autenticidad de Donnie Brasco y la citó como el mejor trabajo de Pacino en una película de gánsteres, comentando que su personaje «no era considerado uno de los tipos sofisticados de ese mundo y [Pacino] lo retrata muy, muy bien».^[260]

Luego de haber rechazado tres veces actuar en la adaptación al cine de la novela sobrenatural The Devil's Advocate de Andrew Neiderman,^[261] por considerar estereotipado al personaje,^[103] aceptó el rol después de que Tony Gilroy reescribió el guion.^[103] El filme se estrenó en octubre de 1997 con Keanu Reeves como un ambicioso abogado que llega a Manhattan para trabajar en la prestigiosa compañía del omnipotente «John Milton», interpretado por Pacino. Para crear el personaje, descrito por Los Angeles Times como «seguro de sí mismo, seductor, astuto, extravagante, lascivo, inteligente, corrupto, juguetón y lleno de rabia», el actor observó el trabajo de Walter Huston en la cinta de fantasía The Devil and Daniel Webster (1941) y leyó el Infierno de Dante Alighieri y El paraíso perdido de John Milton.^[103] La película fue un éxito en la taquilla y recaudó más de ciento cincuenta millones de dólares a nivel mundial.^[262]

Más tarde, volvió a trabajar bajo la dirección de Michael Mann en el drama multinominado al Óscar The Insider (1999), junto a Russell Crowe. La trama se basó en los esfuerzos del denunciante Jeffrey Wigand (Crowe) y el productor televisivo Lowell Bergman (Pacino) por exponer las prácticas nocivas llevadas a cabo por la industria tabacalera, en particular la Brown & Williamson. El periódico Dallas Observer indicó: «Pacino ha comenzado a darse cuenta de la importancia de su legado y quiere recordarnos que a la hora de la verdad, todavía puede cumplir como lo hacía de joven».^[263] Asimismo, interpretó al entrenador de un equipo de fútbol americano en decadencia en el drama deportivo Un domingo cualquiera (1999), del director Oliver Stone. Como preparación para el rol, Pacino se reunió con figuras de ese deporte como Mike Shanahan, Bill Parcells y Steve Mariucci;^[264] además, su personaje compartió el apellido con el entrenador de boxeo Cus D'Amato. El director declaró que aprovechó la imagen de Pacino —protagonista de Scarface, película que Stone había guionado— para dar a entender que un buen entrenador es, en parte, un gánster.^[265] Una vez más, uno de sus monólogos —en este caso, el que tiene lugar en el vestuario previo a la partida— ganó notoriedad y trascendió la pantalla grande, sirviendo como inspiración a equipos deportivos de la vida real.^{[Nota 15]}

Otros papeles e incursión en la televisión (2000-2006)

Pacino estrenó su segundo trabajo como director, Chinese Coffee, en los festivales de Telluride y Toronto del año 2000.^[269] El proyecto se filmó hacia finales de la década anterior durante un periodo de tres años y él mismo se encargó de financiarlo en su totalidad.^[270] La cinta se basó en la obra de teatro del mismo nombre en la que había actuado a principios de los años 1990 y se trata casi exclusivamente sobre una conversación entre dos personajes: Un escritor sin éxito (Pacino) y su mentor (Jerry Orbach). En palabras de Pacino: «No estoy adaptando una obra al cine. Estoy haciendo una obra como una película». El actor y director explicó: «Tratas de mantener el espíritu de la obra [... ] ajustándose al medio cinematográfico».^[271] En una reseña para Variety Todd McCarthy opinó que Chinese Coffee «es un pequeño ejercicio de actuación que solo un actor pensaría en llevar al cine» y que «sin duda se unirá a Two Bits como las películas menos vistas de la notable carrera del actor».^[269] McCarthy predijo que el filme no tendría potencial comercial más allá del nombre de su director^[269] y al igual que su ópera prima, no llegó a ser proyectada en las salas de cine.^[271]^{[Nota 12]} Pacino, que reconoció haberse «enamorado de la ida de hacer una película»,^[272] señaló acerca de su futuro detrás de cámaras:

No me veo a mí mismo como un director real. Me veo como un actor que está dirigiendo esto. Un director real es alguien que ve el mundo de esa forma, que dice: «Ey, acabo de ver algo. Acabo de leer algo. Tengo que dirigirlo». Yo no. Yo veo algo y digo: «Guau, tengo que actuarlo». Gran diferencia. A veces siento que quizás cuando muera y vaya al Cielo, dirigiré.^[21]

El entonces director emergente Christopher Nolan contó con él para coprotagonizar la cinta de suspenso psicológico Insomnia (2002), junto a Robin Williams y Hilary Swank, un remake de la película noruega homónima. El actor aceptó el rol y reconoció el talento de Nolan después de ver Memento, el anterior largometraje del director.^[273] La trama de Insomnia gira en torno a dos detectives de Los Ángeles que investigan un asesinato en Nightmute, Alaska, un área con veintitrés horas de luz al día.^[274] Los críticos elogiaron ampliamente su participación, entre ellos Lisa Schwarzbaum de Entertainment Weekly, que comentó que hacía años que el actor no tenía una actuación tan «poderosa y matizada»,^[275] mientras que The Guardian reconoció su actuación como el atractivo principal del filme.^[276] Nolan destacó la química actoral entre Pacino y Williams,^[277] quienes según el New York Post mostraron sus «actuaciones más sustanciosas» en muchos años. En la misma reseña, se resaltó que en Insomnia «nunca se permite que [Pacino] explote en el tipo de actuación eufórica que ha caracterizado gran parte del trabajo del actor desde Scent of a Woman».^[278] En ese sentido, otros autores notaron el tono más moderado con respecto a las clásicas actuaciones de Pacino.^[279]^[280] Insomnia también tuvo una buena acogida en los cines, con una recaudación de 113 millones de dólares en todo el mundo.^[281] Décadas más tarde, la National Review iba a nombrar a Insomnia como la mejor película de Pacino de ese decenio^[9] y /Film mencionó que se trataba de «una de las últimas grandes actuaciones de Pacino».^[282]

Su siguiente película fue la comedia dramática de ciencia ficción Simone (2002), dirigida por Andrew Niccol. La trama se centra en un olvidado director de cine que crea una actriz virtual para protagonizar su próximo filme y sus intentos por mantenerla en secreto a medida que la fama de esta se incrementa. Aunque el guion de Niccol atrajo a Pacino por su tratamiento de temáticas como la fama, la ficción, el éxito y el fracaso, la cinta no consiguió grandes resultados críticos ni comerciales.^[283] El mismo año interpretó a Eli Wurman, un publicista en decadencia adicto a las drogas que se ve envuelto en un crimen en el drama de bajo presupuesto People I Know (2002). La película se vio perjudicada por una producción apresurada y una pobre distribución.^[284] La filmación había concluido solo diez días antes de los atentados del 11 de septiembre de 2001 y, aunque algunas escenas volvieron a ser rodadas, la cinta no iba a estrenarse hasta octubre del año siguiente en Italia y otros seis meses después en Estados Unidos con un estreno limitado.^[285] Uno de los críticos que apoyó la cinta fue Roger Ebert, que la proyectó en el Ebertfest.^[286] La revista New York observó: «Puedes ver por qué Pacino se metió en este papel: es florido, sórdido y principesco, todo a la misma vez».^[287] Debido al tono de sus personajes en Insomnia, Simone y People I Know, la revista PopMatters se refirió a dichos filmes como una «trilogía del cansancio».^[288]

Su trayectoria como actor no mostraba signos de agotamiento, trabajando tanto el teatro como en el cine y alternando entre producciones de bajo y alto presupuesto.^[289] Estrenado en 2003, el thriller de espionaje The Recruit tuvo a Colin Farrell como un aspirante a agente de la CIA y a Pacino como su reclutador, una dupla descrita por Entertainment Weekly como «una versión más oscura de Robert Redford y Brad Pitt en Spy Game, solo que The Recruit se trata más sobre juegos mentales».^[290] Tras el satisfactorio resultado comercial de The Recruit,^[291] hizo un cameo como un jefe de la mafia en una escena de la comedia Gigli (2003), del director de Scent of a Woman, Martin Brest.^[292] El filme fue un fracaso de taquilla al punto de transformarse en una de las películas con mayores déficits en recaudaciones y la respuesta de los críticos también fue negativa;^[293] llegó a ser considerada una de las peores películas de la historia y derrumbó la carrera de su director.^[292]^[294] Después de evitar la pantalla chica durante años,^[295] debutó en televisión encarnando al abogado homosexual Roy Cohn en la miniserie de HBO Angels in America (2003), una adaptación de la obra del mismo nombre.^{[Nota 16]} Por dicha actuación, ganó los premios Globo de Oro, Primetime Emmy y SAG al mejor actor de miniserie.^[215]^[297]^[298]

En 2004 se estrenó El mercader de Venecia, adaptación al cine de la obra homónima de Shakespeare, donde Pacino personificó al usurero judío Shylock. Bajo la dirección de Michael Radford, le aportó profundidad a un personaje tradicionalmente interpretado como villano.^[299] Cabe destacar que cuando el productor Barry Navidi se contactó con Marlon Brando para hablar sobre el proyecto, el segundo le dijo que Pacino era la única persona que podría hacer de Shylock.^[300] Esta versión del personaje fue descrita por Ron Rosenbaum del periódico The Observer como un «inofensivo, debilitado y políticamente correcto Shylock».^[301] Sin embargo, el trabajo del actor recibió elogios de parte de varios críticos, entre ellos Peter Travers, que comentó que «sube el listón en un fascinante triunfo actoral».^[302] Aunque su promoción fue escasa, el filme tuvo cuantiosas proyecciones en los cines de Nueva York y generó ganancias en la taquilla.^[198] En otro de sus papeles como mentor, hizo de un agente de apuestas deportivas en el drama Two for the Money (2005), junto a Matthew McConaughey y Rene Russo.^[303] La película no logró conformar a gran parte de la crítica; una excepción fue Roger Ebert, que elogió la participación de Pacino y su carrera reciente.^[304] La revista Empire coincidió con Ebert en cuanto a la actuación de Pacino, pero calificó negativamente el filme en general,^[305] mientras que otros medios como el Chicago Tribune notaron que su personaje «puede ser un rostro familiar en la galería de personalidades explosivas de Pacino».^[306]

Declive en el cine y éxito en la televisión (2007-2018)

Pacino se unió a George Clooney, Brad Pitt, Matt Damon y Andy García en la comedia criminal Ocean's Thirteen (2007), la tercera y última entrega de la saga dirigida por Steven Soderbergh. El principal antagonista de la trama es su personaje, Willy Bank, un magnate de los hoteles que está en la mira de la banda de Ocean. La cinta recaudó más de 311 millones de dólares en todo el mundo.^[307] Al mismo tiempo, protagonizó el thriller psicológico 88 minutos (2007), donde interpretó a un psicólogo forense y profesor universitario, responsable de la condena de un asesino en serie, que le restan ochenta y ocho minutos para salvar su vida. El filme fue maltratado por los críticos;^[308] para Richard Roeper fue el peor del año^[309] y medios como New York Post y Variety consideraron 88 minutos como una de las peores películas de Pacino.^[310]^[311] El director de 88 minutos, Jon Avnet, volvió a contar con él para coprotagonizar junto a Robert De Niro Righteous Kill (2008), un buddy cop donde los actores interpretan a dos detectives de Nueva York en busca de un asesino en serie. Aunque los resultados en la taquilla fueron aceptables,^{[Nota 17]} Righteous Kill significó otro fracaso a nivel crítico.^[315] Escribiendo para The New York Times, Manohla Dargis describió el filme como «un desorden de películas policiales recicladas y clichés de películas de asesinos en serie»,^[316] mientras que Lou Lumenick del New York Post comentó: «Al Pacino y Robert De Niro recogen cheques inflados con la intención de aburrir en Righteous Kill, un lento y ridículo thriller policial que hubiese sido enviado directamente al contenedor de basura de Blockbuster si hubiese sido protagonizado por alguien diferente».^[317] Desde 2009 ocupó la posición de copresidente del Actors Studio, junto con Ellen Burstyn y Harvey Keitel.^[58]

La entrada de una nueva década vio un descenso en el potencial comercial de Pacino como protagonista en la pantalla grande,^[318] que reapareció en televisión para protagonizar el telefilme biográfico de HBO You Don't Know Jack (2010), el cual narra la vida y obra del doctor Jack Kevorkian, un defensor del suicidio asistido. Su trabajo le valió los premios Primetime Emmy, Globo de Oro y SAG como mejor actor de televisión.^[297]^[215]^[319] Habiendo lamentado no haber interpretado al prestamista Shylock en el teatro antes de hacerlo en la pantalla grande,^[320] finalmente volvió a los escenarios en julio de 2010 en una producción off-Broadway de El mercader de Venecia.^[321] Esta reinterpretación de la obra de Shakespeare se llevó al Teatro Broadhurst de Broadway en octubre,^[322] donde recaudó un millón de dólares en su primera semana de estreno.^[323] Por su actuación, Pacino obtuvo una nominación a los Premios Tony como mejor actor principal en una obra de teatro.^[324]

A principios de 2011 se estrenó en el Festival de Cine de Sundance el drama policial The Son of No One con Pacino en un pequeño papel como un detective.^[325] Hacia el final de ese año estrenó su tercer largometraje como director en el Festival de Venecia, el documental dramático Wilde Salomé. Pacino, que definió esta película como su «proyecto más personal hasta el momento», recibió el premio Glory to the Filmmaker en Venecia por su aporte al cine contemporáneo.^[326] La película examina la obra Salomé de Oscar Wilde a través de la mezcla de elementos documentales y ficción. Pacino, además de su rol como director y guionista, interpreta a Herodes Antipas.^[327] Al mismo tiempo, apareció haciendo de él mismo en la comedia protagonizada por Adam Sandler Jack and Jill, la cual cosechó reseñas negativas y alcanzó a ser considerada una de las peores películas de la historia, rompió el récord como la más ganadora en los Premios Razzie y empujó a Pacino a conseguir por primera vez el Razzie al peor actor de reparto.^[328] Su ficcionalización de sí mismo, definido por The Guardian como «un vendido y desagradable, burlándose de los papeles que lo hicieron famoso», fue para dicho periódico «extraordinaria». Karina Longworth, autora de Al Pacino: Anatomy of an Actor, opinó que el Al Pacino de Pacino «no es más que un intento directo y público por parte del actor de enfrentarse a su imagen, como representante de la actuación seria, como símbolo de la honestidad e integridad del Nuevo Hollywood de los setenta en contraste con el cinismo corporativo de la industria actual y como una estrella algo excéntrica, y la carga que esa imagen pública genera en el proceso de actuación».^[329] Según el relato de Dennis Dugan, el director del fallido filme, Pacino «estaba tan dedicado interpretando a Al Pacino en nuestra película como lo estaría si estuviera en The Globe interpretando Macbeth».^[330]

En octubre de 2012 protagonizó el reestreno en Broadway de la obra clásica de David Mamet Glengarry Glen Ross en su trigésimo aniversario, y se mantuvo hasta enero del año siguiente.^[331] También en octubre se proyectó en el Festival Internacional de Cine de Chicago la comedia criminal Stand Up Guys con Pacino, Christopher Walken y Alan Arkin como tres criminales veteranos que se reúnen para un último trabajo. Varias de las reseñas negativas recibidas por el filme remarcaron que el director había desaprovechado el potencial del trío protagónico.^[332]^[333]^[334] Más tarde protagonizó otro telefilme biográfico para HBO, titulado Phil Spector (2013), acerca del juicio por asesinato del productor musical Phil Spector, bajo la dirección de David Mamet. En 2002, Spector había declarado que el sueño de toda su vida era ser interpretado por Pacino —su actor favorito— en una película sobre su vida. The Daily Telegraph notó la ironía en el hecho de que el actor terminó haciendo de Spector, pero no en un filme sobre su carrera sino en uno que trata sobre su juicio por asesinato.^[335] Las actuaciones de Pacino como Spector y Helen Mirren como la abogada defensora del productor no pasaron desapercibidas y ambos fueron candidatos a los premios Primetime Emmy, Globo de Oro, SAG y Satellite como mejor actor y mejor actriz, respectivamente.^[297]^[215]^[336]^[337] Karina Longworth se preguntó: «¿Es Pacino irremediablemente “parte del pasado” o puede encontrar el camino de regreso al centro de la cultura?».^[338] Paralelamente, editó Wilde Salomé, su anterior trabajo detrás de cámaras, manteniendo solo los elementos narrativos, y estrenó el nuevo corte, titulado Salomé, en agosto de 2013 en Estados Unidos y un año después en el Reino Unido.^[339]^[340]

Mientras que en los últimos años el actor había tenido éxito con sus trabajos para HBO,^[341] la reacción de la crítica con respecto a sus actuaciones en la pantalla grande era irregular. Volvió al cine para protagonizar el drama independiente Manglehorn, estrenado en el Festival de Venecia en agosto de 2014 y en los cines estadounidenses a mediados del año siguiente. El sitio The A.V. Club afirmó que Pacino merecía un mejor material que el papel del excéntrico y solitario cerrajero obsesionado con una expareja en Manglehorn^[342] y otros medios como San Francisco Chronicle y The Washington Post reseñaron el filme negativamente, pero valoraron el trabajo en conjunto de Pacino y Holly Hunter.^[343]^[344] También en Venecia, se proyectó The Humbling, otra cinta independiente con Barry Levinson como director y Pacino interpretando a un actor envejecido que sufre de demencia. La película fue descrita por The New York Observer como «espantosa» y por Time Out como «un lío irredimible», aunque se elogiaron las actuaciones.^[345]^[346] Peter Travers de Rolling Stone comentó que se trataba de «la mejor actuación en años de Pacino en el cine» y Lou Lumenick del New York Post fue más lejos y dijo que podía ser «lo mejor que Al Pacino ha hecho en este siglo».^[347]^[348] Pacino expresó su tendencia a pasar cada vez más tiempo con sus hijos y comparó el modo de trabajar de sus inicios en la actuación con el contemporáneo:

En el cine ya no tienes tanto tiempo, estás enfrentado al reloj todo el tiempo y eso puede resultar difícil porque tienes que hacer que algo funcione dentro de los límites de tus seis semanas de filmación. Y por lo general no es suficiente tiempo, así que el trabajo lo refleja. Desearías tener más tiempo, incluso si es solo para conocer a los actores con los que estás o hablar con el director sobre tu personaje. En los viejos tiempos, [Sidney] Lumet también hacía películas en seis semanas, pero tenía tres semanas o un mes para ensayar. Ese ya no es el caso. Rara vez encuentras una película, de naturaleza seria, que tenga tiempo para reunir a los actores para ensayar. No es la prioridad.^[349]

Los cambios en la industria también se vieron reflejados en su salario; mientras que en la cima de su carrera recibía unos catorce millones de dólares por película, ahora su sueldo era de unos cinco millones, a veces siete.^[40] En 2016 volvió a ser nominado a los Premios Globo de Oro, esta vez en la categoría de mejor actor en una comedia o musical por interpretar a una estrella de rock en decadencia que trata de redescubrir el sentido de su vida en Danny Collins (2015).^[350] Medios como Variety y Toronto Sun destacaron su rol cómico^[351]^[352] y otros críticos lo hicieron responsable de «salvar» la película.^[353]^[354] Posteriormente formó parte del reparto del thriller Misconduct (2016), un fracaso tanto a nivel comercial como crítico^[355] que, según The Daily Telegraph, «podría ser el peor filme en el que Anthony Hopkins y Al Pacino hayan actuado jamás».^[356] La suerte de Hangman (2017) no fue diferente. Se trató de un thriller policíaco protagonizado por Pacino como un detective que busca a un asesino en serie, cuyos crímenes están inspirados por el juego del ahorcado. Hangman se trató de una de las películas peor reseñadas en la filomografía del actor.^[357] Refiriéndose al fracaso de varias de sus últimas películas, reflexionó:

¿Sabes qué? Puede que me esté malacostumbrando. Creo que estoy empezando a ponerme un poco obstinado. Estoy empezando a querer hacer películas que no son realmente muy buenas y tratar de mejorarlas. Y ese se ha vuelto mi desafío. No creo que vaya pensando que no van a ser muy buenas, pero es como dijo Bob [De Niro]: A veces te ofrecen dinero para hacer algo inadecuado. Y te convences de hacerlo. Y en algún lugar dentro de ti, sabes que esa cosa va a ser una chatarra.^[358]

Además reconoció que en los últimos veinte años fue menos selectivo a la hora de aceptar papeles.^[107] El periódico The Independent cuestionó su carrera contemporánea diciendo que «en algún punto, Pacino tomó un giro equivocado y entró en la zona de penumbra del thriller directamente para DVD o bajo demanda».^[318] Por su parte, Slant Magazine publicó que «el actor, como la mayoría de los artistas culturalmente prominentes de cualquier medio, no alterna simple e inequívocamente entre películas personales y películas a cambio de cheques, ya que existe una inevitable superposición entre las dos, así como otras innumerables circunstancias atenuantes que no se pueden conocer del todo».^[329] Nuevamente protagonizó un telefilme de HBO, el drama biográfico Paterno (2018), sobre la renuncia del entrenador de fútbol americano universitario Joe Paterno a raíz de un escándalo de abuso sexual infantil silenciado durante años en la universidad para la que trabajaba. Con Paterno ya fallecido, Pacino utilizó la misma metodología de trabajo que venía utilizando, es decir, asimilar la mayor información posible sobre el personaje y «dejar que el inconsciente haga el resto», como ya lo había hecho con Jack Kevorkian y Phil Spector.^[359]

Regreso a la cima (2019-2024)

A continuación el director Quentin Tarantino escribió un papel para Pacino en Once Upon a Time in Hollywood (2019), un agente de Hollywood que representa al personaje de Leonardo DiCaprio. A pesar de su experiencia, Tarantino reveló que sintió nervios antes de dirigir al actor.^[360] Su resurgimiento llegó gracias a su papel en la cinta de gánsteres El irlandés (2019), dirigido por primera vez por Martin Scorsese y acompañado por Robert De Niro y Joe Pesci en el reparto. El actor interpretó a Jimmy Hoffa, un líder del sindicato de camioneros vinculado con el crimen organizado.^[361] El proyecto había estado en un limbo de desarrollo durante años y en 2012 los actores se habían reunido para leer el guion,^[362] pero la producción no se puso en marcha hasta que Netflix acordó financiarla —el presupuesto se estimó en 225 millones de dólares—.^[363] El irlandés resultó un éxito entre los críticos de cine, como también la actuación de Pacino, para Owen Gleiberman de Variety, «la más extraordinaria del filme».^[364] Además de ser candidato a los premios Globos de Oro, SAG y BAFTA, recibió una candidatura al Óscar como mejor actor de reparto, la primera desde su victoria por Scent of a Woman (1993).^[365] En 2021 volvió a ser candidato al Globo de Oro por su participación en Hunters,^[215] una serie de televisión web que obtuvo reacciones diversas de parte de la prensa.^[366]

Ulteriormente viajó a Italia para rodar el drama criminal La casa Gucci (2021), bajo la dirección de Ridley Scott, cuya trama narra el asesinato de Maurizio Gucci. Poco después de que comenzaran a circular las primeras imágenes de Pacino personificando a Aldo Gucci, primo de Maurizio, la elección de casting fue duramente criticada por Patrizia Gucci, prima segunda de Maurizio, por «no parecerse en nada» al Aldo Gucci de la vida real.^[367] La película recibió críticas mixtas, pero se destacaron las actuaciones, incluida la de Pacino.^[368]^[369] Su siguiente aparición en la gran pantalla fue en el thriller protagonizado y dirigido por Michael Keaton, Knox Goes Away, estrenado en el Festival Internacional de Cine de Toronto de 2023 y en cines estadounidenses al año siguiente.^[370]^[371]

Tras intentar sin éxito adaptar al cine una historia del pintor Amedeo Modigliani junto a Scorsese en los años 1980,^[372] en 2022 se anunció que iba a coproducir junto a Johnny Depp un filme basado en la vida del artista,^[373] tutulado Modì, con Pacino en el papel de un coleccionista de arte.^[374] Por otro lado, a principios de 2023, Pacino, Vince Vaughn y Michelle Monaghan se unieron al drama Easy's Waltz, el debut como director de Nic Pizzolatto.^[375]