음악 프로듀서

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레코드 프로듀서(record producer) 또는 음악 프로듀서(music producer)는 음악 창작 프로젝트의 전반적인 감독으로, 다양한 창의적 및 기술적 리더십 역할을 담당한다. 일반적으로 이 직업은 녹음 세션의 현장 감독, 아티스트가 수용 가능하고 양질의 공연을 제공하는지 확인, 녹음의 기술 엔지니어링 감독, 제작 팀 및 프로세스 조정을 포함한다. 음악 프로젝트에서 프로듀서의 참여 깊이와 범위는 다양할 수 있다. 때로는 대중음악 장르에서 프로듀서가 녹음의 전체 사운드와 구조를 만들 수도 있다.^[1][2][3] 그러나 클래식 음악 녹음의 경우, 프로듀서는 지휘자와 엔지니어링 팀 사이의 연락책 역할을 더 많이 한다. 이 역할은 종종 영화 감독의 역할에 비유되지만, 중요한 차이점이 있다.^[1][3] 이는 주로 행정 수준에서 녹음 프로젝트에 관여하는 이그제큐티브 프로듀서의 역할 및 녹음 기술을 운영하는 오디오 엔지니어의 역할과 구별된다.

프로젝트에 따라 프로듀서는 모든 아티스트를 선택할 수도 있고 선택하지 않을 수도 있다.^[4][3] 신시사이저 또는 샘플링된 악기만 사용하는 경우, 프로듀서가 유일한 아티스트일 수도 있다. 반대로 일부 아티스트는 직접 프로듀싱을 하기도 한다.^[3] 일부 프로듀서는 자신의 엔지니어이기도 하며,^[5] 프리프로덕션, 녹음, 믹싱, 마스터링 등 프로젝트 전반에 걸쳐 기술을 운영한다. 레코드 프로듀서의 전신은 "A&R 맨"으로, 이들 역시 기업가적, 창의적, 기술적 역할을 혼합할 수 있었지만,^[2] 1950년대까지 레코드 제작이 단순히 아티스트 자신의 라이브 공연과 레코드의 소리 일치를 개선하는 데 중점을 두었기 때문에 창의적인 영향력은 거의 행사하지 못했다.^[6][3]

녹음 기술의 발전, 특히 1940년대 테이프 레코딩의 등장(이를 레스 폴이 즉시 혁신하여 멀티트랙 레코딩을 개발함^[7])과 1950년대 전자 악기의 부상으로 레코드 제작은 전문 분야가 되었다.^[3] 대중음악에서는 조지 마틴, 필 스펙터, 브라이언 이노와 같은 프로듀서들이 정교한 기술과 비현실적인 사운드를 사용하여 라이브로는 만들 수 없는 노래를 창조하는 방향으로 이끌었다.^[1][8] 1980년대 이후, 제작 방식이 아날로그에서 디지털로 전환되면서 가능성은 더욱 확장되었다.^[3] 이제 로직 프로, 프로 툴스, 스튜디오 원과 같은 DAW, 즉 디지털 오디오 워크스테이션은 일반 컴퓨터를 제작 콘솔로 바꾸어,^[9][10] 홀로 있는 초보자도 저렴한 홈 스튜디오에서 숙련된 프로듀서가 될 수 있도록 한다.^[11][12] 2010년대에는 남성이 압도적으로 많고 클래식 음악에서만 두드러지게 수상하는 여성 프로듀서와 엔지니어의 수를 늘리기 위한 노력이 시작되었다.^[11][13]

비틀즈와의 작업으로 가장 잘 알려진 음악 프로듀서 조지 마틴 경이 1966년 애비 로드 녹음 세션에서 멤버 조지 해리슨, 폴 매카트니, 존 레논과 함께 찍은 사진

제작 개요

광범위한 프로젝트로서 대중음악 녹음 제작은 세 명의 전문가에게 나 수 있다: 사업 파트너십과 재정을 감독하는 이그제큐티브 프로듀서; 전문적인 비평과 보컬 기술 코칭을 통해 보컬 퍼포먼스를 돕는 보컬 프로듀서 또는 보컬 편곡가; 그리고 종종 단순히 프로듀서라고 불리는 레코드 프로듀서 또는 음악 프로듀서로, 최종 믹스에서 노래를 녹음하는 전반적인 창작 과정을 지휘한다.

프로듀서의 역할에는 아이디어 수집, 음악 작곡, 세션 음악가 선정, 노래 편곡 변경 제안, 연주자 코칭, 세션 관리, 오디오 믹싱 감독, 그리고 경우에 따라 오디오 마스터링 감독이 포함될 수 있다. 프로듀서는 아티스트에게 창의적인 통제권을 부여하고 감독 또는 자문 역할을 수행할 수도 있다. 그래미 후보 자격에 관해서 더 레코딩 아카데미는 프로듀서를 다음과 같이 정의한다.^[2]

전체 녹음 프로젝트와 그 프로젝트의 일부인 개별 녹음 세션에 대한 전반적인 창의적 및 기술적 통제권을 가진 사람. 그는 녹음 스튜디오나 현장 녹음에 참여하여 아티스트 및 엔지니어와 직접 작업한다. 프로듀서는 음악 콘텐츠를 제작하는 데 있어 아티스트와 레이블의 목표를 모두 실현하는 창의적이고 미학적인 결정을 내린다. 다른 임무는 다음을 포함하지만 이에 국한되지는 않는다: 예산 및 일정 관리; 마감 기한 준수; 음악가, 가수, 스튜디오 및 엔지니어 고용; 기타 인력 요구사항 감독; 편집 (클래식 프로젝트).

프로듀서는 종종 믹싱 엔지니어와 협력하며, 믹싱 엔지니어는 녹음 과정의 특히 기술적인 측면에 중점을 둔다. 즉, 전자 장비를 작동하고 선택된 보컬 또는 악기 연주의 원본 녹음 트랙을 스테레오 또는 서라운드 사운드 믹스로 혼합하는 작업이다. 그런 다음 마스터링 엔지니어는 선택된 미디어에 배포하기 위해 이 녹음을 추가로 조정한다. 프로듀서는 한두 곡 또는 아티스트의 전체 음반 작업을 할 수 있으며, 음반의 전반적인 비전을 개발하는 데 도움을 줄 수 있다. 레코드 프로듀서는 또한 이그제큐티브 프로듀서의 역할을 맡아 예산, 일정, 계약 및 협상을 관리할 수도 있다.

역사적 발전

A&R 팀

(아티스트 레퍼트와)

1880년대에 음반 산업은 단순히 아티스트가 축음기 앞에서 공연하는 것으로 시작되었다.^[14] 1924년, 축음기와 음반 산업을 다루는 무역 저널인 《토킹 머신 월드》는 빅터 레코드의 "뉴욕 아티스트 앤 레퍼토리 부서"의 에디 킹 매니저가 로스앤젤레스에서 일련의 녹음을 계획했다고 보도했다. 나중에 민속학자 아치 그린은 이를 A&R 맨의 가장 초기 인쇄 사용이라고 불렀다. 실제로 이 기사에는 "A&R 맨"이나 "A&R"이라는 단어가 없으며, "A&R"이라는 약어는 아마도 1946년에 빌보드 잡지에서 만들어졌고 1940년대 후반에 널리 사용되기 시작했다.^[15]

1920년대와 1930년대에는 컬럼비아 레코드의 벤 셀빈, 빅터 레코드의 나다니엘 실크렛, 브런즈윅 레코드의 밥 해링과 같은 A&R 임원들이 레코드 프로듀서의 전신이 되어 녹음을 감독하고 종종 세션 오케스트라를 지휘했다.^[6] 1940년대에는 주요 음반사들이 녹음 감독을 포함하는 공식 A&R 부서를 점점 더 많이 개설했다.^[15] 한편, 독립 녹음 스튜디오가 문을 열어 레코드 프로듀서라는 전문 분야의 기원을 도왔다. 그러나 일부 A&R 맨들이 음악을 작곡하는 전통에도 불구하고, 레코드 제작은 여전히 레코드 디스크의 제조만을 의미했다.^[6]

레코드 프로듀서

제2차 세계 대전 이후, 오늘날 이해되는 레코드 제작으로 영향력 있게 전환한 선구적인 A&R 매니저들 중에는 독립 레이블을 소유하기도 했던 J. 메이오 윌리엄스와 존 해먼드가 있다. 컬럼비아 레코드에서 머큐리 레코드로 옮긴 후, 해먼드는 미치 밀러를 임명하여 뉴욕에서 머큐리의 인기 녹음을 이끌게 했다. 밀러는 이후 패티 페이지와 프랭키 레인의 컨트리-팝 크로스오버 히트곡을 제작했고, 머큐리에서 컬럼비아로 옮겨 1950년대의 선도적인 A&R 맨이 되었다.^[6]

그 10년 동안, A&R 임원들은 점점 더 노래의 음향적 특징을 지시했지만, 많은 사람들은 여전히 단순히 가수와 음악가를 팀으로 묶었으며, 다른 사람들은 사실상 창의적인 영향력을 행사하지 않았다. 현재의 의미(노래 제작의 크리에이티브 디렉터)의 레코드 프로듀서라는 용어는 1953년 빌보드 잡지에 등장하여 1960년대에 널리 퍼졌다. 하지만 한동안은 공식적인 구분이 모호했다.^[6] A&R 매니저들은 여전히 베리 고디가 모타운 레코드 레이블에 고용한 윌리엄 "미키" 스티븐슨처럼 크리에이티브 디렉터일 수 있었다.^[16]

테이프 녹음

1947년에 미국 시장은 자기 테이프에 오디오를 녹음하는 기술을 얻었다.^[17] 오히려 음반 산업이 1880년대에 시작되었을 때 녹음은 축음기를 통해 이루어졌는데, 이는 소리 파형을 수직으로 실린더에 새기는 방식이었다.^[18] 1930년대에는 그라모폰이 이를 디스크에 옆으로 새겼다.^[19] 저음이든 고음이든 음역과 동적 범위가 제한되어 있어, 녹음된 음반은 웅장한 콘서트 피아노를 작고 수직인 피아노처럼 들리게 했으며, 최대 재생 시간은 4분 30초였다.^[14][19] 이에 따라 선택과 연주가 종종 변경되었으며, 이 디스크(왁스 마스터)를 재생하면 파괴되었다. 이러한 불가역성 때문에 오류를 방지하기 위해 연주를 제한하는 불안감이 종종 발생했다. 1940년대, 제2차 세계 대전 중 독일인들은 자기 테이프에 오디오 녹음 기술을 정교하게 다듬었는데, 이는 녹음 시간을 제한하지 않고 즉각적인 재생, 재녹음, 편집을 가능하게 했으며, 오늘날의 레코드 프로듀서 역할이 등장하는 전제가 되었다.^[19]

멀티트랙 녹음

녹음 산업 초기에, 레코드는 모든 아티스트가 한 번에 라이브로 함께 연주하는 것으로 얻어졌다.^[18] 1945년에^[7] 레스 폴은 이전에 녹음된 레코드를 재생하면서 음악 요소를 녹음하는 "사운드 온 사운드"라는 녹음 기술을 개발했다. 이를 통해 최종 녹음은 조각별로 구축되고 조정될 수 있었고, 편집 프로세스를 효과적으로 수행했다. 한 경우, 폴은 500개의 녹음된 디스크를 통해 노래를 제작했다. 그러나 이 과정의 지루함 외에도, 이전에 녹음된 요소들이 주변 사운드로 다시 녹음되면서 음질이 연속적으로 저하되었다. 그러나 1948년에 폴은 테이프 녹음을 채택하여 새로운 기술인 "오버더빙"을 통해 진정한 멀티트랙 녹음을 가능하게 했다.^[18]

오버더빙을 가능하게 하기 위해 폴은 테이프 레코더 자체를 두 번째 재생 헤드를 추가하여 수정하고, 이를 프리뷰 헤드라고 명명했다. 기존의 녹음 헤드, 지우기 헤드, 재생 헤드에 추가된 프리뷰 헤드는 아티스트가 헤드폰으로 기존 녹음을 동기화하여, "인 싱크"로 들으면서, 현재 연주되는 것을 분리된 트랙에 단독으로 녹음할 수 있게 한다.^[7] 여러 트랙을 이렇게 분리함으로써 무수히 많은 믹싱 가능성이 열린다. 프로듀서들은 처음에는 "기본 트랙"만 녹음하기 시작했다. 즉, 베이스라인, 드럼, 리듬 기타를 포함하는 리듬 섹션을 녹음하고, 보컬과 악기 솔로는 나중에 추가할 수 있었다. 예를 들어, 금관 악기 섹션은 일주일 후에 녹음할 수 있었고, 현악 섹션은 또 다른 일주일 후에 녹음할 수 있었다. 가수는 자신의 백업 보컬을 직접 부를 수 있었고, 기타리스트는 15개의 레이어를 연주할 수 있었다.

전자 악기

필 스펙터가 1966년 모던 포크 콰르텟을 프로듀싱하는 모습

1960년대에 대중음악은 피아노, 콘트라베이스, 통기타, 금관악기와 같은 어쿠스틱 악기에서 일렉 기타, 키보드, 신시사이저와 같은 전자 악기로 점차 전환되었고, 악기 앰프와 스피커를 사용했다. 이들은 어쿠스틱 악기를 모방하거나 완전히 새로운 사운드를 만들 수 있었다. 곧 테이프, 멀티트랙 레코딩, 전자 악기의 기능을 결합하여 필 스펙터, 조지 마틴, 조 믹과 같은 프로듀서들은 라이브에서는 불가능한 사운드를 만들어냈다.^[8] 마찬가지로 재즈 퓨전에서는 테오 마세로가 마일스 데이비스의 1970년 음반 《Bitches Brew》를 프로듀싱하면서 광범위한 즉흥 연주 세션의 부분을 잘라 편집했다.

연주자-프로듀서

1966년 녹음 세션 중인 브라이언 윌슨

1960년대에 비틀즈, 롤링 스톤스, 킹크스와 같은 록 음악가들은 자신의 곡들을 직접 프로듀싱했다.^[20] 하지만 그러한 곡들 중 다수는 공식적으로 전문 프로듀서에게 크레딧이 주어진다. 특히 영향력이 컸던 것은 비치 보이스로, 밴드의 리더인 브라이언 윌슨은 밴드가 상업적으로 성공한 지 몇 년 만에 아버지 머리 윌슨으로부터 지휘권을 넘겨받았다. 1964년까지 윌슨은 스펙터의 기술을 전례 없는 정교함으로 발전시켰다. 윌슨은 1963년부터 1967년까지 모든 비치 보이스 녹음을 단독으로 프로듀싱했다. 그는 여러 스튜디오와 여러 번의 악기 및 보컬 트랙 시도를 사용하여 최고의 연주와 오디오 품질 조합을 선택하고, 테이프 편집을 사용하여 복합적인 연주를 완성했다.

디지털 제작

1980년대 디지털 프로세스와 포맷의 등장은 아날로그 프로세스와 포맷, 즉 테이프와 바이닐을 빠르게 대체했다. 폭이 최소 0.5인치이고 초당 15인치로 움직이는 고품질 테이프에 녹음하는 방식은 "테이프 히스"를 무음 구간으로 제한했지만, 디지털의 높은 SNR은 이를 완전히 없앴다. 디지털은 또한 음악에 인지되는 "원시적인" 음질을 부여했지만, 아날로그 녹음의 "따뜻한" 음질과 더 풍부한 저음은 손실되었다.^[21] 그러나 테이프 미디어를 편집하려면 리본에서 대상 오디오를 물리적으로 찾아 잘라내고 조각들을 이어 붙여야 하는 반면, 디지털 미디어 편집은 편리함, 효율성, 그리고 가능성 면에서 논쟁의 여지가 없는 이점을 제공한다.

1990년대에 디지털 프로덕션은 프로덕션 소프트웨어를 통해 저렴한 가정용 컴퓨터에 도달했다. 현재 녹음 및 믹싱은 종종 DAW(예: 프로 툴스, 로직 프로, 에이블톤, 큐베이스, 리즌, FL 스튜디오)에 집중되어 있으며, 제3자가 제공하는 플러그인은 버추얼 스튜디오 테크놀로지를 구현한다.^[9] 업계에서 상당히 표준적인 DAW는 로직 프로와 프로 툴스이다.^[10] 관련된 물리적 장비에는 메인 믹서, 장비 간 통신을 위한 MIDI 컨트롤러, 녹음 장치 자체, 그리고 아마도 외장 효과 장비가 포함된다. 그러나 문자 그대로의 녹음은 여전히 아날로그 방식으로 테이프에 이루어지기도 하며, 그 후 원시 녹음은 디지털 신호로 변환되어 처리 및 편집되는데, 일부 프로듀서는 테이프 녹음에 여전히 오디오적 이점이 있다고 생각하기 때문이다.^[21]

일반적으로 테이프는 과변조에 더 관대하다. 과변조란 동적 피크가 최대 녹음 가능한 신호 레벨을 초과하는 것을 말한다. 테이프의 한계인 물리적 특성은 자기 용량인데, 이는 점차 감소하면서 과변조된 파형을 거의 15데시벨이나 "뜨거운" 신호에서도 부드럽게 만든다. 반면 디지털 녹음은 어떤 오버슈트에서도 "클리핑"이라는 거친 왜곡으로 인해 망가진다.^[21] 그러나 디지털 녹음에서는 최근의 발전인 32비트 부동소수점이 DAW에서 클리핑을 되돌릴 수 있게 한다.^[22] 그럼에도 불구하고 일부는 디지털 악기와 워크플로우가 과도한 자동화로 인해 창의적 또는 음향적 통제력을 손상시킨다고 비판한다.^[23] 어쨌든 제작 기술이 크게 변함에 따라 지식 요구 사항도 크게 변했지만,^[24] DAW 덕분에 초보자, 심지어 집의 십대들도 독립적으로 제작을 배울 수 있게 되었다.^[11] 일부는 아티스트와 함께 일하기 전부터 전문적인 역량을 갖추기도 했다.^[12]

여성 프로듀서

믹싱 콘솔

여성 레코드 프로듀서 중에는 실비아 모이가 모타운 최초였고, 게일 데이비스가 내슈빌의 뮤직 로 최초였으며, RCA 레코드의 에델 가브리엘이 주요 음반사 최초였다. 릴리언 맥머리는 트럼펫 레코드를 소유하며 영향력 있는 블루스 레코드를 제작했다. 한편, 윌마 코자트 파인은 머큐리 레코드의 클래식 부문을 위해 수백 개의 레코드를 제작했다. 클래식 프로덕션 분야에서는 세 명의 여성이 그래미 상을 수상했으며, 주디스 셔먼의 2015년 수상은 그녀의 다섯 번째 수상이었다.^[12] 그러나 비클래식 분야에서는 1975년부터 수여된 올해의 프로듀서 상을 여성이 수상한 적이 없으며, 자신의 작품이 아닌 레코드에 대해 후보에 오른 여성은 린다 페리 한 명뿐이다. 로렌 크리스티의 2004년 후보 지명 이후, 린다 페리의 2019년 후보 지명이 여성으로서는 다음이었다.^[25] 왜 여성이 단 한 번도 수상하지 못했는지에 대해 페리는 "관심 있는 여성이 그렇게 많지 않다고 생각한다"고 언급했다.^[12] 영국에서는 린지 드 폴이 초기 여성 레코드 프로듀서였으며, 그녀의 아이버 노벨상 수상곡 두 곡을 모두 프로듀싱했다.

수십 년 동안 많은 여성 아티스트들이 자신의 음악을 프로듀싱해왔다. 예를 들어, 케이트 부시, 마돈나, 머라이어 캐리, 샤키라, 자넷 잭슨, 비욘세 (심지어 데스티니스 차일드와 카터스의 음악도), 라나 델 레이, 테일러 스위프트, 로드는 자신의 음악을 프로듀싱하거나 공동 프로듀싱했으며^[11][26] 아리아나 그란데는 오디오 엔지니어일 뿐만 아니라 자신의 보컬을 프로듀싱하고 편곡하기도 한다.^[27][28][29] 그럼에도 불구하고, 힙합의 미시 엘리엇과 록의 실비아 매시와 같은 몇몇 저명한 여성들이 있음에도 불구하고, 전문가들 사이에서는 대다수가 남성이었다.^[11] 2010년대 초, 업계에서 성공적으로 전문성을 발휘한 여성으로서 그녀 자신이 얻은 통찰력을 묻자 웬디 페이지는 "어려움은 대개 매우 짧다. 사람들이 당신이 일을 할 수 있다는 것을 알게 되면, 성차별은 그 추한 모습을 낮추는 경향이 있다"고 말했다.^[11] 그럼에도 불구하고, 그녀의 직업에서 성별 불균형을 설명하라는 임무를 받았을 때, 페이지는 부분적으로 남성이 지배하는 음반사들이 "여성에게 음반 제작과 같은 거대한 창의적 프로젝트의 지휘를 맡기는 것을 불신해왔다"고 말했다.^[11] 궁극적으로 그 이유는 여러 가지이며 완전히 명확하지는 않지만, 주요 요인으로는 성차별의 유형과 직업에서 여성 롤 모델의 부족이 제시된다.^[12]

2018년 1월, 애넌버그 포용 이니셔티브의 설립자이자 이사인 스테이시 L. 스미스가 이끄는 연구팀은^[30] USC 애넌버그 커뮤니케이션 저널리즘 스쿨을 기반으로^[31] 보고서를 발표했는데,^[32] 지난 몇 년 동안 인기곡 프로듀서의 약 2%가 여성이었다고 추정했다.^[13] 같은 달, 빌보드 잡지는 "여성 음악 프로듀서들은 어디에 있는가?"라고 물었다.^[12] 애넌버그 포용 이니셔티브의 두 번째 연례 보고서가 2019년 2월에 발표되자,^[33] USC의 해당 부서는 "2018년에는 아티스트, 임원 및 기타 음악 산업 전문가들로부터 음악계 여성 부족에 대한 강력한 비난이 터져 나왔다"며, 여성들이 "고정관념화되고, 성 상품화되며, 배제되고 있다"는 "음악계 여성들의 어려운 상황"을 보도했다.^[31] 또한 2019년 2월, 더 레코딩 아카데미의 다양성과 포용성 태스크포스는 카디 비와 테일러 스위프트부터 마룬 5와 퀸시 존스에 이르는 200명 이상의 아티스트와 프로듀서들이 각 프로듀서 또는 엔지니어 직위에 최소 두 명의 여성을 고려하기로 합의하는 이니셔티브를 발표했다.^[13] 아카데미 웹사이트 Grammy.com은 "이 이니셔티브는 이러한 수치를 개선하고 음악 산업 전반의 다양성과 포용성을 높이기 위한 광범위한 노력의 첫걸음이다"라고 발표했다.^[13]