모리스 드니

모리스 드니(프랑스어: Maurice Denis, 프랑스어 발음: ​[dəni], 1870년 11월 25일~1943년 11월 13일)는^[1] 프랑스의 화가, 장식 예술가, 작가이다. 인상주의와 근대 미술 사이의 전환기에 중요한 인물인 그는 나비파, 상징주의, 후기 신고전주의와 연관되어 있다.^[2] 그의 이론은 입체주의, 야수파, 추상 미술의 기초에 기여했다. 제1차 세계대전 이후 그는 성화화단(Ateliers d'Art Sacré)을 설립하고 교회 내부를 장식했으며 종교 예술의 부흥을 위해 노력했다.

모리스 드니 Maurice Denis
1916년 자화상
본명	모리스 드니
출생	1870년 11월 25일 프랑스 노르망디, 그랑빌
사망	1943년 11월 13일(1943-11-13)(72세) 파리, 프랑스
성별	남성
국적	프랑스
학력	에콜 데 보자르, 줄리안느 아카데미
직업	화가, 장식 예술가, 작가
소속	나비파

생애

어린시절

모리스 드니는 1870년 11월 25일 프랑스 노르망디 지역의 해안 마을인 만슈(Manche)의 그랑빌에서 태어났다. 그의 아버지는 겸손한 농민 출신이었다. 군대에서 4년을 복무한 후, 그는 기차역에서 일하게 되었다. 방아간집 딸인 그의 어머니는 재봉사로 일했다. 1865년 결혼 후 그들은 파리 교외의 생제르맹앙레로 이사했다. 그의 아버지는 파리의 서부 철도 관리 사무실에서 근무했다.^[3]

모리스는 외동아들이었다. 어릴 때부터 종교와 예술에 열정을 바쳤다. 그는 13세 때인 1884년부터 일기를 쓰기 시작했다. 1885년에 그는 지역 교회에서 열리는 의식의 색상, 촛불, 향에 대해 감탄하는 내용을 일기에 기록했다.^[4] 그는 루브르 박물관을 자주 방문했고 특히 프라 안젤리코, 라파엘로 산치오, 보티첼리의 작품을 존경했다. 15세 때 그는 일기에 이렇게 적었다. "그래, 나는 기독교 화가가 되어야 하고, 기독교의 모든 기적을 기념해야 하며, 그것이 필요한 것이라고 생각한다."^[5] 1887년에 그는 새로운 영감의 원천인 피에르 퓌뷔 드 샤반의 작품을 발견했다.^[6]

데니스는 파리의 가장 유명한 학교 중 하나인 리세 콩도르세에 입학했으며 철학에 두각을 나타냈다. 그러나 그는 1887년 말에 학교를 그만두기로 결정하고 1888년 파리의 줄리안느 아카데미에 등록하여 에콜 데 보자르 입학 시험을 준비했다. 그곳에서 그는 화가이자 이론가인 쥘 조제프 르페브르와 함께 공부했다. 그는 1888년 7월 보자르 입학 시험에 합격했고, 11월에 또 다른 시험에 합격해 철학 학사 학위를 받았다.^[7]

나비파

• 
  《18세의 자화상》 (1889)
• 
  《갈보리 언덕에 오르다》 (1889)
• 
  《가톨릭 미스터리》 (1889)
• 
  《로마네스크 모티프》 (1890), 로스앤젤레스 카운티 미술관

줄리안느 아카데미에서 그의 동료 학생 중에는 폴 세뤼지에와 피에르 보나르르가 있었는데, 이들은 회화에 대한 생각을 공유했다. 보나르를 통해 그는 에두아르 뷔야르, 폴 랑송, 케르-그자비에 루셀, 헤르만-폴 등 다른 예술가들을 만났다. 1890년 그들은 히브리어 "선지자"에서 따온 "나비파"(Nabis)라는 그룹을 결성했다. 그들의 철학은 실증주의와 오귀스트 콩트와 이폴리트 텐의 저술에 기반을 두었고, 자연주의와 유물론을 거부하고 보다 이상주의적인 것을 추구했다. 드니는 1909년에 다음과 같이 설명했다. "예술은 더 이상 우리가 자연의 사진처럼 모으는 시각적 감각이 아니다. 아니, 예술은 우리의 정신의 창조이며, 자연은 단지 창조의 계기일 뿐이다."^[8]

드니는 처음에는 조르주 쇠라의 신인상주의적 기법에 끌렸지만 너무 과학적이라고 거부했다. 1889년, 드니는 1889년 만국 박람회 가장자리에 있던 볼포니 카페에서 고갱과 그의 친구들의 작품 전시회에 깊은 감명을 받았다. 나중에 이를 회상하며 드니는 다음과 같이 썼다. "얼마나 놀라웠던가, 그리고 얼마나 놀라운 계시였는가! 인상주의 화가들처럼 자연을 향해 열린 창문 대신에, 이 작품들은 견고하게 장식적이고 강력하게 채색되었으며, 거친 선으로 둘러싸여 구획된 표면이었다."^[9] 고갱의 작품은 드니의 작품에 즉각적인 영향을 미쳤다. 1889년에 처음 전시된 고갱의 《심연 위의 암소》의 밝은 색채 형태는 1890년 10월 드니의 《테라스의 햇빛 얼룩》에 나타났고, 나중에 《그리스도의 고독》(1918)에도 나타났다.^[10]

나비파는 1880년대 말에 해체되었지만, 그들의 사상은 피에르 보나르와 에두아르 뷔야르뿐만 아니라 앙리 마티스와 같은 비(非)나비파 화가들의 후기 작품에도 영향을 미쳤다.^[11]

자포니즘

• 
  《9월의 저녁》 (1891), 오르세 미술관

당시 데니스에게 영향을 준 또 다른 요소는 일본 미술이었다. 프랑스 예술가들의 일본 미술에 대한 관심은 1850년대에 시작되었고, 1855년 만국 박람회에서 전시를 통해 다시 활성화되었으며, 1890년 에콜 데 보자르에서 일본 판화 대규모 회고전을 통해 다시 부활했다. 1890년 이전에도 드니는 지크프리트 빙이 출판한 카탈로그 《일본 예술》(Japan Artistique)의 삽화를 오려내어 연구하고 있었다. 1888년 11월 그는 친구 에밀 베르나르에게 "피에르 퓌뷔 드 샤반에게 색을 주는 것"에서 "일본과 융합하는 것"으로 나아가고 싶다고 선언했다. 그의 일본풍 그림은 넓은 판형과 매우 양식화된 구성과 장식을 특징으로 하며, 마치 일본 병풍처럼 보인다.^[12]

"특정 순서로 배열된 색상으로 덮인 평평한 표면"

1890년 8월, 드니는 자신의 새로운 아이디어를 통합하여 《예술과 비평》이라는 잡지에 유명한 에세이에서 발표했다. 이 에세이의 유명한 첫 줄은 다음과 같았다. "그림은 전투마, 여성 누드, 또는 어떤 일화로 묘사하기 전에, 본질적으로 특정 순서로 배열된 색채로 덮인 평평한 표면이라는 것을 기억하라." 이 아이디어는 드니에게 독창적인 것이 아니었다. 이폴리트 텐은 《예술의 철학》에서 "그림은 다양한 색조와 다양한 명암이 특정한 선택에 따라 배치된 색채의 표면이다. 그것이 그림의 본질이다"라고 쓴 바 있다. 그러나 예술가들의 관심을 사로잡고 모더니즘의 기초가 된 것은 드니의 표현이었다. 드니는 그림의 평면성을 주장한 최초의 예술가 중 한 명이었는데, 이는 모더니즘의 위대한 출발점 중 하나였다. 그러나 드니가 설명했듯이, 그는 그림의 형태가 주제보다 더 중요하다는 의미는 아니었다. 그는 계속해서 "우리 감정의 심오함은 이러한 선과 색채가 스스로를 설명하기에 충분하다는 데서 비롯된다... 모든 것은 작품의 아름다움 속에 담겨 있다.”라고 썼다. 그의 에세이에서 그는 조르주 쇠라가 이끈 신인상주의의 "진보주의"에 반대하여 이 새로운 운동을 "신전통주의"라고 명명했다. 이 기사가 발표되면서 드니는 나비파 철학의 가장 잘 알려진 대변인이 되었지만, 사실 나비파는 매우 다양했으며 예술에 대해서도 다양한 의견을 가지고 있었다.^[13]

드니의 삶에서 다음으로 중요한 사건은 1890년 10월 마르트 뫼리에를 만난 것이었다. 1891년 6월부터 그들은 오랜 연애를 했고, 1893년 6월 12일에 결혼했다(그는 이 과정을 일기에 꼼꼼하게 기록하였다). 그녀는 그의 예술의 중요한 부분이 되었으며, 많은 그림과 장식 작품, 예를 들어 채색 부채에 종종 순수와 사랑을 나타내는 이상화된 인물로 묘사되었다.^[14]

상징주의

• 
  《피아노를 치는 마르트》 (1891)
• 
  《마르트의 삼중 초상》 (1892)
• 
  《마르트의 초상》 (1893)
• 
  《제비꽃 부케를 든 누드》 (1894)

1890년대 초, 드니는 그의 후기 작품 대부분을 이끌었던, 거의 변하지 않은 예술 철학에 도달했다. 즉, 예술의 본질은 사랑과 믿음을 표현하는 것이며, 그에게는 이 둘이 비슷하다는 것이다.^[15] 1895년 3월 24일 그는 일기에 다음과 같이 썼다. "예술은 여전히 확실한 피난처이며, 이제부터 삶의 이유에 대한 희망이며, 우리 삶에 작은 아름다움이 나타나고 우리가 창조의 작업을 계속하고 있다는 위안이 되는 생각이다. 그러므로 예술 작품은 꽃의 놀라운 아름다움, 빛, 나무의 비례와 파도의 형태, 그리고 얼굴의 완벽함 속에 새겨져 있으며, 우리의 고통, 희망, 생각으로 가득 찬 불쌍하고 한탄스러운 삶을 새기는 데 가치가 있다."^[16]

1890년 빈센트 반 고흐의 죽음과 1891년 조르주 쇠라의 죽음, 그리고 폴 고갱이 타히티섬으로 처음 떠나면서 1890년대 초 예술계는 전환기를 맞고 있었다. 프랑스 정부의 살롱을 통한 미술계에 대한 지배력은 점차 약회되고 있었다. 1884년에는 앙데팡당(독립) 살롱이 결성되었고, 1890년에는 공식 살롱이 두 부분으로 나뉘어 국립미술협회가 자체 연례 전시회를 개최했다. 드니는 이 두 살롱전 뿐 아니라 유럽 아방가르드 미술의 주요 전시장이었던 브뤼셀의 '라 리브르 에스테티크' 살롱에도 작품을 출품했다.

상징주의 문학 운동은 1891년 장 모레아스가 르 피가로에 기고한 글에서 처음 시작되었다. 1891년 3월 평론가 조르주-알베르 두레는 메르퀴르-드-프랑스에 기고한 글을 통해 드니를 "회화의 상징주의"를 대표하는 인물로 꼽았다. 드니의 작품은 평론가와 중요한 후원자들의 관심을 끌었는데, 특히 저명한 신문 "라 데페슈 드 툴루즈"의 소유주인 아르튀르 윅은 자신의 미술 살롱을 조직하고 드니의 작품 여러 점을 구입했다.^[17]

드니는 다른 예술 형식과 장식 예술을 실험했다. 1889년부터 폴 베를렌의 시집 《사제스》(Sagesse)의 삽화를 위해, 드니는 자신의 작품 세계의 정수를 담은 고도로 양식화된 목판화 7점을 제작했다 그의 후원자인 아르튀르 윅은 툴루즈 사무실을 위한 태피스트리 형태의 대형 장식 패널을 의뢰했다. 드니는 이 시기의 다른 예술가들과 마찬가지로 아르누보의 아라베스크 곡선이 돋보이는 화려한 석판화 포스터도 디자인했다.

1891년 약혼 직후부터 드니는 마르트를 자신의 그림에서 가장 자주 다루는 주제로 삼았다. 그녀는 순수되고 이상화된 형태로 가사일을 하고 낮잠을 자고 식탁에 앉아 있는 모습으로 묘사되었다. 그녀는 그의 풍경화와 당시 그의 가장 야심찬 작품인 1893년에 시작하여 1893년 독립 살롱에 전시된 《뮤즈》라는 연작에 등장했다. 그는 뮤즈 연작의 첫 그림을 친구 아르튀르 퐁텐에게 팔았고, 1899년 프랑스 정부가 그 그림 중 하나를 구입하여 드니를 공식적으로 인정하였다.^[18]

그의 아내는 피아노를 연주했고, 1890년대 내내 드니는 음악과 예술의 연관성에 대해 더 관심을 갖게 되었다. 그는 1890년에 피아노를 치는 아내의 초상화를 그렸다. 그는 클로드 드뷔시의 《선택된 다무아젤》 악보 표지를 위해 마르트를 모델로 한 유려한 석판화를 디자인했으며, 모리스 마테를링크의 시 《펠레아스와 멜리장드》를 위한 또 다른 석판화를 제작했다. 드뷔시는 이 시를 오페라로 각색했다. 1894년 그는 저명한 상징주의 시인이었던 스테판 말라르메의 시 《말레인 공주》를 바탕으로 《작은 공기》를 그렸다. 1893년에는 작가 앙드레 지드와 협력하여 예술과 문학을 결합한 프로젝트를 진행했다. 그는 지드의 에세이 《위리앵의 여행》의 삽화로 30점의 석판화를 제공했다. 석판화는 문자로 설명하지 않았지만 예술가의 관점에서 동일한 주제에 접근했다.^[19]

그가 이 시기에 다룬 또 다른 주제는 신성한 사랑과 세속적인 사랑의 관계였다. 이 그림은 티치아노 베첼리오의 《전원 음악회》와 《신성한 사랑과 세속적인 사랑》, 에두아르 마네의 《풀밭 위의 점심 식사》를 모델로 삼아 두 명의 누드 여성과 한 명의 옷을 입은 여성 세 인물을 묘사했다. 배경은 그의 정원이며, 생제르맹앙레의 고가교가 보인다. 누드 인물들은 신성한 사랑을, 옷을 입은 인물은 세속적인 사랑을 나타냈다. 그는 또 다른 그림을 그렸는데, 이번에는 정원에 누워 있는 나체의 마르트를 그린 것으로, 한 인물 안에 신성한 사랑과 세속적인 사랑을 모두 표현했다.^[20]

아르누보와 장식 미술

• 
  《4월》 또는 "삶의 길", 어린 소녀 침실을 위한 4개의 패널 중 하나 (1892)
• 
  《비둘기가 있는 채색 병풍》 (1896), 오르세 미술관
• 
  개인 주택을 위한 스테인드글라스 창문 (1896)
• 
  《성 후베르투스 전설》 중 두 번째 패널 (1895–97)
• 
  《세 가지 모습의 이본 르롤레 초상화》 (1897)

1890년대 중반, 브뤼셀과 파리에서 아르누보 양식이 등장하면서 드니는 장식 예술에 더 큰 관심을 기울이기 시작했지만, 가족과 영성이라는 주제는 변함없이 유지되었다. 그의 새로운 프로젝트 중 상당수는 미술상 사무엘 빙의 의뢰로 이루어졌는데, 그는 아르누보라는 이름을 탄생시킨 화랑을 운영하고 있었다. 그의 새로운 프로젝트에는 벽지, 스테인드글라스, 태피스트리, 램프 갓, 스크린, 부채 디자인이 포함되었다. 비록 아르누보 시대의 흐름과 재료를 따랐지만, 그의 주제와 스타일은 독창적인 개성을 잃지 않았다.

그의 가장 중요한 장식 작품은 코친 남작의 사무실을 위한 일련의 패널화로, 1895년에서 1897년 사이에 그려졌으며 《성 후베르투스 전설》이라는 제목으로 알려져 있다. 이 작품은 피렌체의 메디치 예배당과 니콜라 푸생, 외젠 들라크루아, 피에르 퓌뷔 드 샤반의 작품에서 영감을 얻었다. 한 패널에는 코친과 그의 가족이, 다른 패널에는 드니의 아내 안이 등장한다. 이 패널화들은 가족과 신앙을 찬양하는 의미를 담고 있다. 1907년 프랑스 정부가 코친의 거주지와 다른 교회 재산을 국유화했을 때 파리 대주교가 이 사무실에서 미사를 집전했다.^[21]

그는 소수의 초상화를 제작했는데, 그중에는 하나의 그림 안에 세가지 포즈를 취하고 있는 《세 가지 모습의 이본 르롤레 초상화》(1897)도 있다.

신고전주의

• 
  베지네 성십자가 대학 예배당 장식: 《성십자가 고양과 미사 희생의 영광》 (1899)
• 
  《배드민턴 게임》(1900)
• 
  《세잔에게 바치는 경의》 (1900)

1898년 1월 드니는 로마를 처음 방문했고, 바티칸에서 라파엘로 산치오와 미켈란젤로 부오나로티의 작품에 깊은 감명을 받았다. 그는 장문의 에세이 《로마의 예술》에서 다음과 같이 선언했다. "고전 미학은 우리에게 생각하는 방법과 존재하고자 하는 방법, 도덕과 심리학을 동시에 제공한다... 고전 전통은 노력의 논리와 결과의 위대함을 고려할 때 어떤 면에서는 인류의 종교적 전통과 유사하다."^[22] 같은 해, 예술계 상징주의의 두 거장인 귀스타브 모로와 피에르 퓌뷔 드 샤반이 사망했다. 파리로 돌아온 드니는 더 명확한 선과 인물을 특징으로 하는 신고전주의로 자신의 예술 방향을 전환했다. 그는 1898년 3월 일기에 다음과 같이 기록했다. "그리스도가 중심 인물인 최근 그림들을 생각하라... 로마의 대형 모자이크를 기억하라. 대규모 장식 수단의 사용과 자연의 직접적인 감정을 조화시키라."^[23]

드니는 폴 세잔의 열렬한 숭배자였다. 그는 1896년에 세잔의 집을 방문했고, "나는 인상주의를 박물관의 예술처럼 견고하고 오래 지속되는 것으로 만들고 싶다."라는 세잔의 발언을 인용한 기사를 썼다. 이 기사에서 드니는 세잔을 "인상주의의 푸생"이라고 묘사하며 그를 현대 신고전주의의 창시자라고 불렀다. 이 즈음 드니의 가장 중요한 작품 중 하나는 친구 폴 세잔의 죽음 이후에 그려진 《세잔에게 바치는 경의》(1900)이다. 그림의 전경에는 세잔의 친구들이 묘사되어 있는데, 그중에는 나비파 출신들도 여럿 있다. 왼쪽에서 오른쪽으로 오딜롱 르동, 에두아르 뷔야르, 평론가 앙드레 멜레리오, 앙브루아즈 볼라르, 드니 본인, 폴 세뤼지에, 폴 랑송, 케르-그자비에 루셀, 피에르 보나르, 그리고 드니의 아내 마르트가 있다. 그림은 그들이 모두 애도하기 위해 검은 옷을 입고 있기 때문에 매우 침울해 보이지만, 또 다른 메시지도 담고 있다. 인물들 뒤에 있는 폴 고갱과 오귀스트 르누아르의 작품으로부터 이젤 위에 있는 세잔의 정물화까지, 이 그림들은 현대 미술로의 전환을 나타낸다. 즉, 드니의 관점이 인상주의와 상징주의에서 신고전주의로 전환되었음을 보여주는 것이다.^[24]

드니는 드레퓌스 사건 (1894~1906)과 같은 정치적 격변에 영향을 받았다. 이 사건은 프랑스 사회와 예술계를 분열시켰는데, 한편에는 에밀 졸라와 앙드레 지드가 드레퓌스를 옹호했고, 다른 한편에는 오귀스트 로댕, 오귀스트 르누아르와 드니가 있었다. 드니는 대부분의 사건 기간 동안 로마에 있었고, 이는 지드와의 우정에 영향을 미치지 않았다. 그에게 더 중요한 것은 교회의 권력을 약화시키려는 프랑스 정부의 움직임과, 1905년 정부가 공식적으로 교회와 국가를 분리하기로 결정한 것이었다. 드니는 1904년에 민족주의적이고 친가톨릭 성향의 악시옹 프랑세즈에 가입했고, 이 단체가 극우로 기울고 바티칸에 의해 공식적으로 비난받은 1927년까지 회원으로 남아 있었다.^[25]

신고전주의 대 야수파 - 해변 그림

• 
  《바쿠스와 아리아드네》 (1907), 에르미타시 박물관
• 
  《폴리페모스》 (1907), 푸시킨 미술관, 모스크바
• 
  《페로스 기레크의 목욕하는 사람들》 (1912)
• 
  《파도》 (1916)

대략 1906년까지 드니는 파리 예술가들의 아방가르드에 속한다고 여겨졌지만, 그 해 야수파의 앙리 마티스가 밝고 대조적인 색채를 특징으로 하는 《삶의 기쁨》을 발표했다. 이에 드니는 점차 신화와 그가 "기독교 인문주의"라고 불렀던 방향으로 관심을 돌렸다. 1898년, 그는 당시 외딴 작은 어촌 마을이었던 브르타뉴의 페로스 기레크 해변에 작은 빌라를 구입했다. 1907년에 그는 그곳 해변을 배경으로 신고전주의풍의 《바쿠스와 아리아드네》를 그렸다. 이 작품은 밝은 색채로 해변에서 나체로 뛰어노는 행복한 가족을 묘사한다. 이후 그는 신화적 주제에 기반을 둔 해변 또는 전원적인 배경의 누드 그림 연작을 그렸다.^[26]

책 디자인 및 삽화

• 
  《사랑》연작 판화 표지 (1899)
• 
  《포스터의 거장들》에 실린 포스터

1899년부터 1911년까지 드니는 그래픽 아트 작업에도 몰두했다. 출판사 볼라르를 위해 그는 《사랑》이라는 제목의 12점의 컬러 석판화 세트를 제작했는데, 예술적으로는 성공했으나 상업적으로는 실패했다. 그 후 그는 목판화 제작으로 돌아와 조각가 토니 벨트랑과 협력하여 흑백 연작 《예수 그리스도를 본받아》를 1903년에 출판했고, 1911년에 시인 폴 베를렌의 《지혜》 삽화를 출판했다. 1911년에는 아시시의 프란체스코의 《피오레테》 삽화 작업을 시작했다. 이 프로젝트를 위해 그는 자전거를 타고 혼자 움브리아주와 토스카나주를 여행하며 그림을 그렸다. 1913년에 출판된 최종 작품은 풍부하고 다채로운 꽃 그림으로 가득했다. 그는 또한 단테의 《새로운 삶》(1907)을 위한 매우 장식적인 책 디자인과 삽화, 그리고 알프레드 드 비니의 《엘로아》(1917)를 위한 24점의 삽화를 제작했다. 제1차 세계 대전 한창 중에 제작된 마지막 작품은 이전 작품보다 더 침울했으며, 주로 옅은 파란색과 회색으로 채색되었다.^[27]

건축 장식

• 
  《프시케 이야기》, 이반 모로조프 (기업인)의 모스크바 저택을 위한 패널 (1908)
• 
  파리 샹젤리제 극장 돔 내부 벽화 일부 (1908–11)

1908년 드니는 클로드 모네와 오귀스트 르누아르의 주요 후원자였으며 빈센트 반 고흐의 밤의 카페를 소유했던 러시아 미술 후원자 이반 모로조프를 위한 중요한 장식 프로젝트를 시작했다. 드니는 모로조프의 모스크바 저택 음악실을 위해 대규모 벽화 패널인 《프시케 이야기》를 제작했으며, 나중에 몇 개의 패널을 추가했다. 이 프로젝트로 받은 수수료 덕분에 그는 브르타뉴에 있는 해변 별장을 구입할 수 있었다. 그 후 그는 건축가 오귀스트 페레가 파리에 건설 중인 새로운 극장인 샹젤리제 극장의 돔을 장식하는 더 야심 찬 프로젝트를 맡았다. 이 극장은 현대적인 건축물이었으며, 파리에서 최초로 철근 콘크리트로 지어진 주요 건물이자 아르데코 양식의 첫 번째 건축물로 여겨진다. 그러나 드니의 작업은 순전히 신고전주의적이었다. 장식 작품의 주제는 아폴로와 뮤즈의 인물들이 있는 음악의 역사였다. 페레는 드니가 그렇게 큰 규모의 작품을 그릴 수 있도록 특별한 작업장을 마련해 주었다.^[28]

교회 창문 및 장식

• 
  생제르맹앙레 프리오레 예배당 (1915-1928)
• 
  뇌담 뒤 랭시 교회 창문
• 
  파리 성령 교회 제단화
• 
  랭스 성 니케즈 교회의 벽화

생애 말년, 그는 점점 더 대규모 벽화와 종교 미술에 관심을 돌렸다. 1914년 드니는 17세기에 루이 14세 시대에 건설된 옛 생제르맹앙레 병원을 구입했다. 그는 건물의 이름을 "프리오레"로 바꾸고, 1915년에서 1928년 사이에 건축가 오귀스트 페레의 도움을 받아 건물을 장식했는데, 특히 미완성된 예배당을 자신의 프레스코화, 스테인드글라스, 조각상, 가구 디자인으로 가득 채웠다. 1916년에 그는 "회화의 최고의 목표, 즉 대규모 장식 벽화"를 목표로 하겠다는 의지를 표명했다. 그는 1916년부터 1943년 사망할 때까지 20점의 벽화를 완성했다.^[29]

이 시기의 그의 주요 작품으로, 파리 교외에 있는 혁신적인 철근 콘크리트 아르데코 교회인 뇌담 뒤 랭시 교회의 장식이 있다. 이 교회는 오귀스트 페레가 설계하였으며 1924년에 완공되었다. 이 교회는 스테인드글라스 효과를 극대화하기 위해 파리의 생트샤펠 양식으로 설계되었다. 창문은 스테인드글라스 예술가 마르게리트 위레와 공동 작업으로 제작되었다. 드니는 각 창문 중앙의 구상 형상을 디자인했고, 마르게리트 위레는 그 주변의 추상 유리 디자인을 제작했다. 다른 주요 종교 작품으로는 뱅센의 성 루이 교회 예배당 (1927), 페로스의 라 클라르테 예배당 창문 (1931), 그리고 1943년 사망 전 마지막 프로젝트였던 토농 교회가 있다.^[30]

1919년 2월 5일, 제1차 세계 대전 직후 드니와 조르주 데발리에르는 교회를 현대 문명과 화해시키려는 유럽의 광범위한 운동의 일환으로 성화 공방(1914-1918)을 설립했다.^[31] 이 공방은 교회, 특히 최근 전쟁으로 황폐해진 교회들을 위한 예술 작품을 제작했다. 드니는 아카데미즘 예술이 관습과 인위적인 것에 감정을 희생시키기 때문에 반대했고, 사실주의는 산문과 같고 자신은 음악을 원했기 때문에 반대했다고 말했다. 무엇보다도 그는 신성의 속성인 아름다움을 원했다.^[32]

아틀리에가 장식한 가장 중요한 교회는 1934년에 완공된 파리 생 에스프리 교회였다. 내부 벽화와 프레스코화는 조르주 데발리에르, 로베르 푸제옹, 니콜라 운테르스텔러, 엘리자베스 브란리가 그렸다. 교회는 성화 공방 회원들이 장식했으며, 2세기부터 20세기까지의 교회의 투쟁과 승리의 역사를 묘사하였다. 장식의 통일성을 위해 드니는 묘사된 모든 인물을 키를 통일시키고, 배경색을 모두 빨간색으로 지정했다. 드니는 제단화와 그 옆의 또 다른 대형 작품 두 점을 그렸다.^[33] 이러한 교회 벽화는 그가 이탈리아 교회에서 보았던 르네상스 미술, 특히 조토 디 본도네와 미켈란젤로 부오나로티의 작품에 강한 영향을 받았다. 그는 1922년에 "숭고함이란 위대하고 고귀하며 결코 사소하지 않은 태도로 주제나 벽에 접근하는 것이다"라고 썼다.^[34]

시민 벽화

1920년대 후반과 1930년대에 그의 명성은 상당해서 여러 중요한 시민 건물을 위한 벽화 의뢰를 받았다. 뤽상부르궁 프랑스 상원 계단 위의 천장화와 생테티엔 시립 병원의 벽화가 그 예로서, 그는 이들 작품에서는 예전의 해변 그림에서 보였던 화려하고 신고전주의적인 주제로 돌아갔다. 그는 1937년 파리 국제 박람회를 위해 지어진 샤요궁을 위한 두 개의 벽화 패널을 제작하도록 의뢰받았다. 드니는 피에르 보나르, 에두아르 뷔야르, 케르-그자비에 루셀을 초대하여 이 프로젝트를 진행했다. 이 두 패널은 그의 샹젤리제 극장 돔 장식을 연상시키는 화려한 신고전주의 양식으로, 성스러운 음악과 세속적인 음악(종교을 기념한다. 고전적인 패널은 그가 최근 방문했던 로마 보볼리 정원에서 열리는 고대 축제를 묘사한다. 이 그림들은 이후의 보수 공사로 인해 다소 변형되었지만 여전히 관람할 수 있다.

그의 말년에는 프랑스 외에서도 두 가지 중요한 의뢰를 받았는데, 둘 다 그가 가장 좋아하는 기독교 신앙과 인문주의라는 주제였다. 첫 번째는 1931년 제네바 국제 기독교 노동자 협회가 "노동자들에게 설교하는 그리스도"라는 주제로 제네바 국제 노동국 사무실을 위해 의뢰했으며, 두 번째는 1938년 국제연맹의 새 본부를 위한 것으로, 전쟁의 호랑이를 길들이는 오르페우스의 모습을 묘사하여 평화를 위해 무장한다는 주제를 다루었다.^[35]

말년

1940년 1월, 70세가 되던 해 그는 일기에 자신의 업적을 다음과 같이 요약했다. "나의 결혼: 들라크루아를 존경하고 이해했다. 앵그르는 포기했다. 극단주의자들과 결별했다. 나는 공식적으로 인정받았지만, 내 비전과 생각을 표현하는 예술의 은밀한 불안감을 키워왔고, 동시에 대가들의 가르침을 더 잘 실현하도록 강요받았다."^[36] 드니는 1943년 11월 자동차 사고로 인한 부상으로 파리에서 사망했다. 그의 사망일은 2일, 3일, 또는 13일로 다양하게 기록되어 있다.

개인 생활

드니는 1893년에 첫 번째 아내 마르트 뫼리에와 결혼했다. 그들은 일곱 자녀를 두었으며, 마르트는 드니의 수많은 작품에 모델이 되어주었다. 1919년 그녀가 사망한 후, 드니는 그녀를 기리는 예배당을 그렸다. 그는 1922년 2월 22일에 엘리자베스 그라테롤레오와 재혼했는데, 그녀는 샹젤리제 극장 돔의 모델이었다. 두 사람 사이에는 두 자녀, 장-밥티스트(1923년생)와 폴린(1925년생)을 두었다. 엘리자베스는 드니의 여러 그림에 등장하며, 때로는 마르트와 함께 그려지기도 한다.

그는 로마 가톨릭 교회에서 평신도 수도회 회원으로서 매우 활발하게 활동했다. 1907년 그는 전통주의적이고 민족주의적인 악시옹 프랑세즈 운동에 합류했지만, 이 단체가 극우로 기울고 1927년에 바티칸에서 비난하자 탈퇴했다. 제2차 세계 대전 중에는 비시 정부를 단호히 거부했다.^[37]

예술에 대한 명언

드니가 출판한 글과 개인 일기에는 그가 평생 동안 발전시킨 예술 철학에 대한 광범위한 견해가 담겨 있다.

"그림은 전투마, 여성 누드, 또는 어떤 일화로 묘사하기 전에, 본질적으로 특정 순서로 배열된 색채로 덮인 평평한 표면이라는 것을 기억하라." (『예술과 비평』, 1890년 8월)^[38]

"예술은 여전히 확실한 피난처이며, 이제부터 삶의 이유에 대한 희망이며, 우리 삶에 작은 아름다움이 나타나고 우리가 창조의 작업을 계속하고 있다는 위안이 되는 생각이다. 그러므로 예술 작품은 꽃의 놀라운 아름다움, 빛, 나무의 비례와 파도의 형태, 그리고 얼굴의 완벽함 속에 새겨져 있으며, 우리의 고통, 희망, 생각으로 가득 찬 불쌍하고 한탄스러운 삶을 새기는 데 가치가 있다." (일기, 1895년 3월 24일)^[39]

"장식적인 것과 교화적인 것. 그것이 내가 예술에서 추구하는 것이다." (『새로운 이론』, 1922)^[40]

"회화는 무엇보다도 모방의 예술이며, 어떤 상상에만 있는 '순수함'의 하인이 아니다." (『새로운 이론』, 1922)^[41]

"회화의 본질적인 목표, 즉 표현, 감정, 즐거움을 잊지 말라. 수단을 이해하고, 장식적으로 그림을 그리고, 형태와 색채를 찬양하라." (일기, 1930)^[42]

전시회

모리스 드니, 성 후베르투스 전설

• 1963년 6월 28일부터 9월 29일까지 알비의 툴루즈로트렉 미술관에서 회화, 수채화, 드로잉, 석판화 전시회가 열렸으며, 아녜스 앵베르가 서문을 썼다.^[43]
• 1980년 모리스 드니 박물관이 파리 교외 생제르맹앙레에 있는 그의 집에서 개관했다.
• 1995년 리버풀의 워커 미술관에서 대규모 회고전이 열렸다.
• 2007년 몬트리올 미술관에서 이와 유사한 전시회가 열렸다. 이는 북미에서 처음으로 열린 대규모 드니 전시회였다.^[44]
• 2021년 『개인의 삶: 나비파 예술 속 집과 가족, 파리, 1889-1900』 전시회가 포틀랜드 미술관^[45]과 클리블랜드 미술관에서 열렸으며, 피에르 보나르, 에두아르 뷔야르, 모리스 드니, 펠릭스 발로통의 작품을 선보였다.^[46]

소장품

드니의 작품을 소장하고 있는 주요 미술관은 다음과 같다.

• 시카고 미술관의 모리스 드니 컬렉션
• 클리블랜드 미술관의 모리스 드니 컬렉션
• 보스턴 미술관의 모리스 드니 컬렉션
• 뉴욕 메트로폴리탄 미술관의 모리스 드니 컬렉션
• 뉴욕 근대미술관의 모리스 드니 컬렉션
• 워싱턴 내셔널 갤러리 오브 아트의 모리스 드니 컬렉션

약탈 및 반환

모리스 드니의 "나무 아래 서 있는 소년(Stehender Knabe unter einem Baum)"이 독일 유실 미술 재단 웹사이트에 등재된 상태였는데,^[47] 2023년 홀로코스트 희생자 마르셀 몽퇴의 가족에 의해 발견되었다.^[48]

같이 보기

• 앙리 르롤, 후원자