이탈리아의 음악

이탈리아의 음악에 대한 설명이다.

이탈리아의 오페라 테너 루치아노 파바로티는 완벽한 오페라와 개별 아리아를 수없이 녹음하여 그의 음색으로 전 세계적인 명성을 얻었고, "높은 C의 왕"이라는 별명을 얻었다.

이탈리아에서 음악은 전통적으로 이탈리아 민족 문화와 민족 정체성의 문화적 표지 중 하나였으며, 사회와 정치에서 중요한 위치를 차지한다. 음계, 화성, 악보, 극장 등 이탈리아 음악의 혁신은 오페라와 현대 유럽 클래식 음악(예: 교향곡과 협주곡)의 많은 발전을 가능하게 했으며, 이는 오페라와 기악 클래식 음악, 그리고 토착 및 수입 원천에서 파생된 대중음악에 걸쳐 폭넓게 퍼져 있다. 피아노와 바이올린을 포함한 클래식 음악과 관련된 악기들은 이탈리아에서 발명되었다.^[1]

이탈리아의 가장 유명한 작곡가로는 르네상스 시대의 팔레스트리나, 몬테베르디, 제수알도; 바로크 시대의 스카를라티, 비발디; 고전 시대의 파가니니, 로시니; 그리고 베르디와 푸치니와 같은 낭만주의 시대 작곡가들이 있다. 클래식 음악은 이탈리아에서 강력한 영향력을 가지고 있으며, 라 스칼라와 같은 오페라 극장과 피아니스트 마우리치오 폴리니 및 테너 루치아노 파바로티와 같은 연주자들의 명성에서 알 수 있다. 이탈리아는 오페라의 발상지로 알려져 있다.^[2] 이탈리아 오페라는 17세기에 시작된 것으로 여겨진다.^[2]

이탈리아 민속 음악은 이 나라 음악 유산의 중요한 부분이며, 다양한 지역 스타일, 악기 및 춤을 아우른다. 기악 및 성악 클래식 음악은 이탈리아 정체성의 상징적인 부분이며, 실험적인 예술 음악과 국제적인 융합부터 교향악 및 오페라에 이른다. 오페라는 이탈리아 음악 문화에 필수적이며, 대중음악의 주요 부분이 되었다. 칸초네 나폴레타나("나폴리 노래")와 칸타우토리 싱어송라이터 전통 또한 이탈리아 음악 산업의 중요한 부분을 형성하는 인기 있는 국내 스타일이다.

1920년대 초에 도입된 재즈는 이탈리아에서 확고한 기반을 다졌고, 파시스트들의 외국인 혐오 정책에도 불구하고 인기를 유지했다. 이탈리아는 1970년대의 프로그레시브 록과 팝 운동에 PFM, 방코 델 무투오 소코르소, 레 오르메, 고블린, 푸와 같은 밴드들과 함께 참여했다.^[3] 같은 시기에 이탈리아의 영화가 다양화되었고, 치네치타 영화에는 엔니오 모리코네를 비롯한 작곡가들의 복잡한 악보가 포함되었다. 1980년대에는 이탈리아 힙합에서 처음으로 떠오른 스타는 가수 조바노티였다.^[4] 이탈리아 메탈 밴드로는 랩소디 오브 파이어, 라쿠나 코일, 엘븐킹, 포가튼 툼, 플레시갓 아포칼립스가 있다.^[5]

이탈리아는 디스코와 전자 음악의 발전에 기여했으며, 이탈로 디스코는 미래지향적인 사운드와 신시사이저 및 드럼 머신의 두드러진 사용으로 알려진 최초의 일렉트로닉 댄스 장르 중 하나이다.^[6] 세 번의 아카데미상과 네 번의 골든 글로브상을 수상한 조르조 모로더와 같은 프로듀서들은 일렉트로닉 댄스 뮤직의 발전에 영향을 미쳤다.^[7] 이탈리아 팝 음악은 매년 산레모 음악제에서 선보이며, 이는 유로비전 송 콘테스트에 영감을 주었다.^[8] 질리올라 칭케티, 토토 쿠투뇨, 모네스킨은 각각 1964년, 1990년, 2021년에 유로비전에서 우승했다. 도메니코 모두뇨, 미나, 안드레아 보첼리, 라파엘라 카라, 일 볼로, 알 바노, 토토 쿠투뇨, 넥, 움베르토 토치, 조르지아, 그래미 수상자 라우라 파우시니, 에로스 라마초티, 티지아노 페로, 모네스킨, 마무드, 갈리와 같은 가수들은 국제적인 명성을 얻었다.^[9]

특징

이탈리아 음악은 역사적으로 높은 평가를 받아왔으며, 많은 이탈리아 음악 작품은 고급 예술로 간주된다. 이탈리아 문화의 다른 요소들보다 음악은 일반적으로 절충적이지만, 다른 나라의 음악과는 독특하다. 이 나라가 음악에 기여한 역사적인 공헌 또한 국가적 자부심의 중요한 부분이다. 이탈리아의 비교적 최근 역사에는 전 세계로 퍼진 오페라 전통의 발전이 포함된다. 이탈리아의 정체성이나 통일된 이탈리아 국가가 발전하기 전에도, 이탈리아반도는 기보법과 그레고리오 성가의 발전과 같은 음악의 중요한 혁신에 기여했다.

사회적 정체성

이탈리아는 독특한 문화를 통해 강한 국가적 정체성을 가지고 있다. 이는 음악에서 강력하게 드러나는 아름다움과 감성에 대한 감각이다. 문화적, 정치적, 사회적 문제 또한 이탈리아 음악을 통해 자주 표현된다. 음악에 대한 충성심은 이탈리아인의 사회적 정체성에 본질적으로 녹아 있지만, 어떤 단일 스타일도 특징적인 "국가 스타일"로 간주되지 않는다. 대부분의 민속 음악은 지역화되어 있으며, 작은 지역이나 도시에만 독특하다.^[10][11] 그러나 이탈리아의 고전적 유산, 특히 오페라는 이 나라 정체성의 중요한 지점이다. 전통 오페라 작품은 음악의 인기 있는 부분이자 국가 정체성의 필수적인 요소로 남아 있다. 이탈리아의 음악적 생산은 "큰 다양성과 창의적 독립성(과) 풍부한 표현 유형의 다양성"으로 계속 특징지어진다.^[11]

20세기와 21세기에 가속화된 산업화가 심화되면서 이탈리아 사회는 점차 농업 기반에서 도시 및 산업 중심지로 전환되었다. 이러한 변화는 사회의 많은 부분에서 전통 문화를 약화시켰다. 비슷한 과정이 다른 유럽 국가에서도 일어났지만, 그들과 달리 이탈리아는 전통 음악을 보존하기 위한 주요 이니셔티브가 없었다. 북아프리카, 아시아 및 기타 유럽 국가로부터의 이민은 이탈리아 음악의 추가적인 다양화를 가져왔다. 전통 음악은 특히 지역 음악 정체성을 유지하려는 전념적인 캠페인의 일환으로 작은 지역에만 존재하게 되었다.^[12]

정치

나폴리의 산카를로 극장. 세계에서 가장 오래된 연속적으로 운영되는 오페라 극장이다.^[13]

밀라노의 스칼라 극장. 세계에서 가장 유명한 오페라 극장이다.^[14]

음악과 정치는 이탈리아에서 수세기 동안 얽혀 있었다. 이탈리아 르네상스 시대의 많은 예술 작품이 왕족과 로마 가톨릭교회의 의뢰로 제작된 것처럼, 많은 음악 또한 그러한 의뢰를 바탕으로 작곡되었다. 예를 들어 궁정에서 연주되는 부수 음악, 대관식 음악, 왕실 후계자의 탄생을 축하하는 음악, 왕실 행진곡 등 다양한 경우에 음악이 사용되었다. 이러한 틀을 벗어난 작곡가들은 특정 위험을 감수해야 했다. 가장 잘 알려진 사례 중 하나는 나폴리 작곡가 도메니코 치마로사인데, 그는 단명했던 1799년 나폴리 공화국을 위해 공화주의 찬가를 작곡했다. 공화국이 무너지자 그는 다른 혁명가들과 함께 반역죄로 재판을 받았다. 치마로사는 복원된 군주제에 의해 처형되지는 않았지만, 추방당했다.^[15]

음악은 또한 이탈리아반도 통일에도 중요한 역할을 했다. 이 시기에 일부 지도자들은 음악을 사용하여 통일된 문화적 정체성을 형성하려 했다. 한 가지 예는 주세페 베르디의 오페라 나부코에 나오는 합창곡 "가라, 내 생각아"이다. 이 오페라는 고대 바빌론 왕국에 대한 이야기지만, 후렴에는 "오 나의 조국(O mia Patria)"이라는 구절이 나온다. 이는 표면적으로는 이스라엘 민족 연합의 투쟁에 관한 것이지만, 아직 통일되지 않은 이탈리아의 운명을 암시하는 것이기도 했다. 이 합창곡 전체는 19세기 이탈리아 통일 운동인 리소르지멘토의 비공식적인 국가가 되었다. 심지어 베르디의 이름 자체도 이탈리아 통일의 동의어였는데, "베르디(Verdi)"가 "비토리오 에마누엘레 이탈리아 국왕(Vittorio Emanuele Re d'Italia)"의 약자로 읽힐 수 있었기 때문이다. 비토리오 에마누엘레는 결국 통일 이탈리아의 초대 국왕인 비토리오 에마누엘레 2세가 되었다. 따라서 "비바 베르디(Viva Verdi)"는 애국자들의 구호였으며, 당시 오스트리아-헝가리 영토였던 밀라노와 다른 도시의 낙서에서 자주 발견되었다. 베르디는 이탈리아 통일 전 검열 문제로 어려움을 겪었다. 그의 오페라 가면 무도회는 원래 "구스타보 3세"라는 제목으로 1850년대 후반 양시칠리아 왕국의 수도인 나폴리의 산카를로 극장에 제출되었다. 나폴리 검열관들은 1790년대 구스타브 3세 스웨덴 국왕 암살에 대한 현실적인 줄거리에 반대했다. 줄거리를 변경한 후에도 나폴리 검열관들은 여전히 이를 거부했다.^[16]

이후 1920년대와 30년대 파시스트 시대에는 정부의 검열과 음악에 대한 간섭이 체계적이지는 않았지만 발생했다. 잘 알려진 예로는 1932년의 악명 높은 반모더니즘 선언^[17]과 무솔리니가 G.F. 말리피에로의 오페라 『변모된 아들의 전설』을 1934년 한 번의 공연 후 금지시킨 사건이 있다.^[18] 음악 매체는 정치적으로 급진적이거나 충분히 이탈리아적이지 않다고 인식되는 음악을 자주 비판했다.^[11] 『현대 이탈리아 백과사전』과 같은 일반 인쇄 매체는 자코모 푸치니와 피에트로 마스카니와 같이 전통적으로 선호되는 작곡가들을, 알프레도 카셀라와 페루초 부소니와 같은 모더니스트들과 같은 간략한 방식으로 다루는 경향이 있었다. 즉, 당시의 백과사전 항목들은 작곡이나 교수직과 같은 경력의 이정표에 대한 단순한 목록에 불과했다. 파시즘의 공언된 반대자였던 지휘자 아르투로 토스카니니조차도^[19] "반체제" 입장 언급 없이 동일한 중립적이고 거리를 둔 대우를 받았다.^[20] 아마도 음악과 정치가 충돌한 가장 잘 알려진 사건은 토스카니니와 관련이 있을 것이다. 그는 1929년 밀라노의 스칼라 극장에서 모든 공연을 파시스트 노래 "조비네차"로 시작하기를 거부했기 때문에 음악 감독직에서 강제로 물러났다. 이 정권에 대한 모욕으로 인해 그는 1931년 볼로냐 오페라 극장 밖 거리에서 공연 후 공격당하고 구타당했다.^[21] 파시스트 시대 동안 정치적 압력은 클래식 음악의 발전을 저해했지만, 검열은 나치 독일만큼 체계적이지는 않았다. 1938년에는 일련의 "인종법"이 통과되어 유대인 작곡가와 음악가들이 전문 및 예술 단체에 가입하는 것을 금지했다.^[a] 비록 이 시기에 이탈리아 유대인들의 대규모 이탈리아 탈출은 없었지만(독일 상황과 비교했을 때)^[b] 이탈리아계 유대인 작곡가 마리오 카스텔누오보-테데스코는 이민을 떠난 사람들 중 한 명이었다. 일부 비유대인 체제 반대자들도 이민을 떠났는데, 토스카니니도 그중 한 명이었다.^[22][23]

최근, 20세기 후반, 특히 1970년대 이후 음악은 이탈리아 정치에 더욱 얽히게 되었다.^[23] 뿌리 회복 운동은 작가, 수집가, 전통 연주자들이 주도하여 민속 전통에 대한 관심을 자극했다.^[11] 이탈리아의 우파는 이 뿌리 회복 운동을 "특권 없는 계층"의 산물이라며 경멸적으로 보았다.^[24] 따라서 이 부흥 운동은 야당과 연관되었고 "자유 시장 자본주의에 대한 항의"의 수단이 되었다.^[11] 마찬가지로, 1970년대 이후 아방가르드 클래식 음악계는 이탈리아 공산당과 연관되어 홍보되었으며, 이는 1968년 학생 봉기와 시위로 거슬러 올라갈 수 있는 변화이다.^[12]

클래식 음악

 이 부분의 본문은 이탈리아 클래식 음악입니다.

바이올린과 피아노를 포함한 클래식 음악 관련 악기들은 이탈리아에서 발명되었다.

이탈리아는 오랫동안 유럽 클래식 음악의 중심지였으며, 20세기 초에는 이탈리아 클래식 음악이 분명히 낭만적이고 선율적인 독특한 국가적 사운드를 형성했다. 베르디의 오페라에서 전형적으로 나타나듯이, "... 성악 선율이 항상 음조 복합체를 지배하며 기악 반주에 의해 가려지지 않는다 ..."^[25] 이탈리아 클래식 음악은 "독일 화성의 압도적인 힘"^[26]—즉, 리하르트 바그너, 구스타프 말러, 리하르트 슈트라우스의 밀도 높은 화성에 저항했다. 이탈리아 음악은 또한 그 독일 음악에 대한 프랑스 반응—예를 들어 클로드 드뷔시의 인상주의—와도 거의 공통점이 없었는데, 인상주의에서는 선율 발전이 개별 화음의 소리를 통해 분위기와 분위기를 조성하는 데 크게 버려진다.^[27]

유럽 클래식 음악은 20세기에 크게 변했다. 새로운 음악은 실험 음악, 무조성, 미니멀리즘 및 전자 음악을 선호하여 역사적이고 국가적으로 발전된 화성 및 선율 학파의 많은 부분을 버렸으며, 이 모든 요소는 이탈리아뿐만 아니라 일반적으로 유럽 음악에 공통적인 특징이 되었다.^[28] 이러한 변화는 또한 클래식 음악을 많은 사람들이 접하기 어렵게 만들었다. 이 시기의 중요한 작곡가로는 오토리노 레스피기, 페루초 부소니, 알프레도 카셀라, 잔 프란체스코 말리피에로, 프랑코 알파노, 브루노 마데르나, 루치아노 베리오, 루이지 노노, 실바노 부소티, 살바토레 샤리노, 루이지 달라피콜라, 카를로 야키노, 잔 카를로 메노티, 야코포 나폴리, 고프레도 페트라시가 있다.

오페라

 이 부분의 본문은 이탈리아 오페라입니다.

가장 인기 있고 찬사받는 오페라 작곡가 중 한 명인 주세페 베르디

오페라는 16세기 후반 카메라타 시대에 이탈리아에서 시작되었다. 이후 수세기 동안 나폴리와 베네치아에서 오페라 전통이 발전했으며, 클라우디오 몬테베르디, 알레산드로 스카를라티, 잠바티스타 페르골레시, 그리고 나중에 조아키노 로시니, 빈첸초 벨리니, 가에타노 도니체티의 오페라가 번성했다. 오페라는 이탈리아 음악 및 이탈리아 정체성과 가장 밀접하게 연결된 음악 형식으로 남아 있다. 이는 19세기 주세페 베르디의 작품을 통해 가장 분명하게 드러났는데, 그는 이탈리아 문화와 범이탈리아 통합의 상징이었다. 이탈리아는 20세기 초에도 낭만 오페라 음악 전통을 유지했으며, 이는 아리고 보이토, 루지에로 레온카발로, 피에트로 마스카니, 프란체스코 칠레아를 포함하여 이전 세기에 뿌리를 둔 이른바 Giovane Scuola의 작곡가들에 의해 대표되었다. 사실주의 작곡가였던 자코모 푸치니는 브리태니커 백과사전 온라인에서 "이탈리아 오페라의 역사를 거의 종결시킨" 인물로 묘사되었다.^[29]

그러나 제1차 세계 대전 이후 오페라는 19세기와 20세기 초의 인기 절정기에 비해 쇠퇴했다. 그 원인으로는 낭만주의에서 벗어나려는 일반적인 문화적 변화와 주요 오락 원천이 된 영화의 부상이 포함된다. 세 번째 원인은 "국제주의"가 현대 이탈리아 오페라를 더 이상 "이탈리아적"이지 않은 상태로 만들었다는 사실이다.^[12] 이것은 적어도 한 명의 저명한 이탈리아 음악학자이자 비평가인 파우스토 테레프랑카의 의견이었는데, 그는 1912년 "자코모 푸치니와 국제 오페라"라는 소책자에서 푸치니를 "상업주의"와 이탈리아 전통을 저버렸다고 비난했다. 전통 낭만 오페라는 계속 인기가 있었고, 실제로 20세기 초반의 지배적인 오페라 출판사는 카사 리코르디였는데, 이 회사는 1930년대까지 거의 전적으로 인기 오페라에 집중하다가, 그 이후에는 주류에 덜 인기 있는 특이한 작곡가들을 허용했다. 카리시와 수비니 체르보니와 같은 비교적 새로운 출판사들의 부상 또한 이탈리아 오페라의 다양화를 촉진하는 데 기여했다.^[12] 오페라는 이탈리아 문화의 주요 부분으로 남아 있으며, 1980년대부터 이탈리아 사회의 여러 분야에서 오페라에 대한 새로운 관심이 시작되었다. 이 시대의 존경받는 작곡가로는 잘 알려진 알도 클레멘티와 마르코 투티노, 로렌초 페레로와 같은 젊은 동료들이 있다.^[12]

성음악

가톨릭교회의 발상지 중 하나인 이탈리아는 로마 가톨릭교회를 위한 음악의 오랜 역사를 가지고 있다. 대략 1800년까지는 그레고리오 성가와 팔레스트리나, 랄루스, 아네리오 등의 르네상스 다성음악을 들을 수 있었다. 대략 1800년부터 1900년까지는 앞서 언급한 성가와 다성음악을 배제하고 보다 대중적이고 오페라적이며 즐거운 형태의 교회 음악이 들려지던 세기였다. 19세기 후반에는 이러한 음악을 복원하기 위해 음악가들이 세실리아 운동을 시작했다. 이 운동은 이탈리아가 아닌 독일, 특히 레겐스부르크에서 추진력을 얻었다. 이 운동은 1900년경 돈 로렌초 페로시와 그의 지지자(이자 미래의 성인)인 교황 비오 10세의 부상과 함께 정점에 달했다.^[30] 그러나 제2차 바티칸 공의회의 출현은 교회의 거의 모든 라틴어 음악을 소멸시켰고, 다시 한번 더 대중적인 스타일로 대체했다.^[31]

기악

바로크와 고전 시대

안토니오 비발디

이탈리아 음악에서 오페라의 지배적인 위치는 중요한 기악 분야를 가리는 경향이 있다.^[32] 역사적으로 이러한 음악에는 안드레아 가브리엘리, 조반니 가브리엘리, 지로라모 프레스코발디, 주세페 가리발디, 토마소 알비노니, 아르칸젤로 코렐리, 안토니오 비발디, 도메니코 스카를라티, 루이지 보케리니, 무치오 클레멘티, 주세페 가리볼디, 루이지 케루비니, 조반니 바티스타 비오티, 니콜로 파가니니의 작품에 나타나는 광범위한 종교 기악, 기악 협주곡, 오케스트라 음악이 포함된다. (심지어 오페라 작곡가들도 때때로 다른 형태의 작품을 만들었다. 예를 들어 주세페 베르디의 마단조 현악 4중주가 있다. 심지어 이탈리아 서정 오페라의 시작과 동일시되는 가에타노 도니체티조차 18곡의 현악 4중주를 작곡했다.) 20세기 초, 기악은 중요성이 커지기 시작했는데, 이는 1904년 주세페 마르투치의 교향곡 2번으로 시작된 과정이었다. 이 작품을 잔 프란체스코 말리피에로는 "오페라가 아닌 이탈리아 음악 르네상스의 출발점"이라고 불렀다.^[33] 이 시대의 초기 작곡가들 중 일부, 예를 들어 레오네 시니갈리아는 토착 민속 전통을 사용했다.

도메니코 스카를라티

낭만에서 현대까지

20세기 초는 프랑코 알파노, 알프레도 카셀라, 잔 프란체스코 말리피에로, 일데브란도 피체티, 오토리노 레스피기를 포함하는 세대에 의해 '제네라치오네 델로탄타(1880년대 세대)'라고 불리는 작곡가 그룹의 존재로도 특징지어진다. 이 작곡가들은 보통 오페라보다는 기악 작품을 작곡하는 데 집중했다. 이 세대의 구성원들은 1924년 푸치니 사망 이후 이탈리아 음악계의 지배적인 인물들이었다.^[12] 베네치아 현대 음악제와 마조 무지칼레 피오렌티노와 같은 이탈리아 음악을 홍보하기 위한 새로운 단체들이 생겨났다. 귀도 M. 가티가 『일 피아노포르테』와 『라 라세냐 무지칼레』를 창간한 것도 정치적, 사회적 분위기가 허용하는 것보다 더 넓은 음악적 관점을 홍보하는 데 도움이 되었다. 그러나 대부분의 이탈리아인들은 전통적인 작품과 확립된 기준을 선호했으며, 소수의 청중만이 새로운 스타일의 실험적인 클래식 음악을 찾았다.^[12]

니콜로 파가니니

이탈리아는 또한 아르투로 베네데티 미켈란젤리, 이탈리아 4중주단, 이 무지치, 살바토레 아카르도, 마우리치오 폴리니, 우토 우기, 알도 치콜리니, 세베리노 가젤로니, 아르투로 토스카니니, 마리오 브루넬로, 페루초 부소니, 클라우디오 아바도, 루제로 키에사, 브루노 카니노, 카를로 마리아 줄리니, 오스카르 길리아, 리카르도 무티와 같은 중요한 연주자들의 고향이기도 하다.

발레

 이 부분의 본문은 이탈리아 발레입니다.

엔리코 체케티

이탈리아의 발레에 대한 기여는 클래식 음악의 다른 분야에 비해 덜 알려져 있고 덜 인정받는다. 이탈리아, 특히 밀라노는 15세기 초부터 궁정 발레의 중심지였으며, 왕실 행사나 귀족 결혼식에서 흔히 볼 수 있는 오락에 영향을 받았다. 초기 발레 안무가 및 작곡가로는 파브리치오 카로소와 체사레 네그리가 있다. 이탈리아에서 프랑스로 수입된 "스페타클레스 알이탈리아나"로 알려진 발레 스타일이 인기를 얻었고, 프랑스에서 처음 공연된 발레(1581년)인 왕비의 발레 코미크는 이탈리아인 발타자리니 디 벨조이오조가 안무했는데,^[34] 그는 프랑스식 이름인 발타자르 드 보조아유로 더 잘 알려져 있다. 초기 발레는 호른, 트롬본, 케틀 드럼, 덜시머, 백파이프 등 상당한 악기 연주를 동반했다. 음악은 남아 있지 않지만, 무용수들이 직접 무대에서 악기를 연주했을 것이라는 추측이 있다.^[35] 이후 프랑스 혁명의 여파로 이탈리아는 다시 발레의 중심지가 되었는데, 이는 주로 당시 가장 저명한 작곡가들과 협력했던 안무가 살바토레 비가노의 노력 덕분이었다. 그는 1812년 스칼라 극장의 발레 마스터가 되었다.^[34] 19세기 이탈리아 발레의 가장 잘 알려진 예는 아마도 롬알도 마렌코의 음악과 루이지 만조티의 안무로 이루어진 『엑셀시오르』일 것이다. 1881년에 작곡된 이 작품은 19세기의 과학 및 산업 발전에 대한 화려한 찬사이다. 이 작품은 오늘날에도 공연되고 있으며, 2002년에 다시 무대에 올랐다.

현재 주요 이탈리아 오페라 극장들은 발레단을 유지하고 있다. 이들은 아이다나 라 트라비아타와 같은 많은 오페라에서 부수적이고 의례적인 춤을 제공하기 위해 존재한다. 이 무용단은 보통 별도의 발레 시즌을 유지하며, 표준적인 고전 발레 레퍼토리를 공연하지만, 그 중 이탈리아 발레는 거의 없다. 러시아의 볼쇼이 발레단과 같이 모체 오페라 극장과 독립적으로 발레만 공연하는 회사는 스칼라 극장 발레단이다. 1979년에는 현대 무용단인 아테르발레토가 비토리오 비아기에 의해 레지오 에밀리아에서 창단되었다.

실험 음악

페루초 부소니

실험 음악은 전통적인 클래식 음악의 선율과 화성 개념을 버리고 전자 기술의 새로운 기술을 사용하여 이전에는 불가능했던 소리를 만들어내는 음악을 아우르는 광범위하고 느슨하게 정의된 분야이다. 이탈리아에서 실험 음악에 처음으로 관심을 기울인 사람 중 한 명은 페루초 부소니였는데, 그는 1907년 출판한 "새로운 음악 미학을 위한 스케치"에서 미래 음악에서 전기 및 기타 새로운 소리의 사용에 대해 논의했다. 그는 전통 음악의 제약에 대한 불만을 이렇게 표현했다.

"우리는 옥타브를 12개의 등거리 음정으로 나누었고…악기를 그렇게 만들었기 때문에 그 위, 아래, 또는 중간에서는 어떤 소리도 얻을 수 없습니다…우리의 귀는 더 이상 다른 어떤 것도 들을 수 없게 되었습니다…하지만 자연은 무한한 음조를 만들었습니다—무한합니다! 오늘날 누가 그것을 아직 알고 있습니까?"^[36]

마찬가지로 이탈리아의 미래주의 화가이자 작곡가인 루이지 루솔로는 1913년 자신의 선언문 『소음의 예술』과 『미래주의 음악』에서 새로운 음악의 가능성에 대해 썼다. 그는 또한 주로 타악기인 인토나루모리(intonarumori)와 같은 악기를 발명하고 제작했는데, 이 악기들은 구체 음악으로 알려진 스타일의 전신으로 사용되었다. 20세기 초 음악에서 가장 영향력 있는 사건 중 하나는 1915년 알프레도 카셀라의 프랑스 귀환이었다. 카셀라는 이탈리아 현대 음악 협회를 설립하여 실험적 스타일부터 전통적 스타일까지 다양한 작곡가들을 홍보했다. 1923년 실험 음악의 가치에 대한 논쟁 후, 카셀라는 현대 실험 음악을 홍보하기 위해 코르포라치오네 델레 누오베 무시케를 설립했다.^[12]

1950년대에 루치아노 베리오는 테이프의 전자 사운드와 함께 악기로 실험했다. 현대 이탈리아에서 아방가르드 및 전자 음악 연구를 육성하는 중요한 단체 중 하나는 이탈리아 전자 음향 음악 센터 연맹인 CEMAT이다. 이 단체는 1996년 로마에서 설립되었으며 CIME, 즉 국제 전자 음향 음악 연맹의 회원이다. CEMAT는 이탈리아 문화부 공연 예술국과 외교부 문화 관계국이 공동으로 시작한 "소노라" 프로젝트의 활동을 홍보하며, 해외에 이탈리아 현대 음악을 홍보하고 전파하는 것을 목표로 한다.

사회 속의 클래식 음악

이탈리아 클래식 음악은 20세기 중반으로 갈수록 점차 실험적이고 진보적으로 변했지만, 대중의 취향은 과거의 잘 확립된 작곡가와 작품에 머무는 경향이 있었다.^[12] 2004-2005년 산카를로 극장의 프로그램은 현대 이탈리아의 전형적인 모습이다. 공연된 8개의 오페라 중 가장 최근작은 푸치니였다. 교향악에서는 연주된 26명의 작곡가 중 21명이 19세기 또는 그 이전 시대의 작곡가들로, 낭만주의 시대의 전형적인 선율과 화성을 사용했다. 이러한 경향은 다른 유럽 전통에서도 흔히 나타나며, 포스트모더니즘으로 알려져 있는데, 이는 무조성과 불협화음의 개념 이전에 존재했던 초기 화성 및 선율 개념을 활용하는 사상 학파이다.^[37] 인기 있는 역사적 작곡가에 대한 이러한 초점은 이탈리아 사회 전반에 걸쳐 클래식 음악의 지속적인 존재를 유지하는 데 도움이 되었다. 음악이 공개 전시나 모임의 일부가 될 때, 그것은 잘 알려진 클래식 음악과 인기 음악을 모두 포함할 가능성이 있는 매우 절충적인 레퍼토리에서 선택되는 경우가 많다.

루치아노 베리오, 루이지 노노, 프랑코 도나토니, 실바노 부소티와 같은 작곡가들의 악보와 연극 작품을 포함하여 몇몇 최근 작품들이 현대 레퍼토리의 일부가 되었다. 이들 작곡가들은 뚜렷한 학파나 전통의 일부는 아니지만, 특정 기술과 영향력을 공유한다. 1970년대에는 아방가르드 클래식 음악이 이탈리아 공산당과 연결되었고, 대중의 관심은 다음 10년까지 지속되어 현대 음악을 홍보하기 위한 재단, 축제 및 단체가 만들어졌다. 20세기 말에는 음악 기관에 대한 정부 지원이 감소하기 시작했고, 몇몇 이탈리아 방송 협회 합창단과 도시 오케스트라가 폐쇄되었다. 그럼에도 불구하고 21세기 초에는 많은 작곡가들이 국제적인 명성을 얻었다.^[12]

민속 음악

 이 부분의 본문은 이탈리아 민요입니다.

이탈리아 민속 음악은 깊고 복잡한 역사를 가지고 있다.^[38] 국가 통일이 이탈리아반도에 늦게 찾아왔기 때문에, 수백 개의 다양한 문화권의 전통 음악은 동질적인 국가적 특성을 보이지 않는다. 오히려 각 지역과 공동체는 해당 지역의 역사, 언어, 민족 구성 등을 반영하는 독특한 음악 전통을 가지고 있다.^[39] 이러한 전통은 남유럽과 지중해 중앙에 위치한 이탈리아의 지리적 위치를 반영한다. 켈트, 슬라브, 그리스, 비잔틴의 영향뿐만 아니라 험난한 지형과 작은 도시 국가들의 역사적 지배가 모두 결합하여 다양한 음악 스타일이 밀접하게 공존할 수 있게 했다.

이탈리아 민속 스타일은 매우 다양하며, 단성, 다성, 응답가 노래, 합창, 기악 및 성악, 기타 스타일을 포함한다. 합창과 다성 노래 형태는 주로 이탈리아 북부에서 발견되는 반면, 나폴리 남쪽에서는 독창이 더 흔하고, 그룹은 보통 단일 연주자가 두세 파트로 유니슨 노래를 사용한다. 북부 발라드 노래는 음절적이며, 엄격한 템포와 이해하기 쉬운 가사를 특징으로 하는 반면, 남부 스타일은 루바토 템포와 긴장감 있는 보컬 스타일을 사용한다.^[40] 민속 음악가들은 자신의 지역 전통 방언을 사용한다. 민속 노래에서 표준 이탈리아어를 거부하는 것은 거의 보편적이다. 공통적인 이탈리아 민속 전통에 대한 인식이 거의 없으며, 이 나라의 민속 음악은 국가 상징이 되지 못했다.^[41]

지역

이탈리아에서 참고 지점으로 사용되는 몇 가지 일반적인 지리적 이름^[c]

민속 음악은 때때로 지리적 영향권에 따라 여러 분야로 나뉘는데, 이는 1956년 앨런 로맥스가 제안한 남부, 중부, 북부 세 지역의 분류 시스템으로^[42] 자주 반복된다. 또한 쿠르트 작스는 유럽에 대륙적 민속 음악과 지중해적 민속 음악이라는 두 가지 상당히 다른 종류의 민속 음악이 존재한다고 제안했다.^[43] 다른 사람들은 전자가 후자로 전환되는 구역을 대략 이탈리아 중북부, 약 페사로와 라스페치아 사이로 보았다.^[44] 반도의 중부, 북부, 남부 지역은 각각 특정 음악적 특성을 공유하며, 사르데냐 음악과는 각각 구별된다.^[40]

이탈리아 북서부의 피에몬테 계곡과 일부 리구리아 공동체에서는 고대 옥시타니아의 강한 영향을 받은 음악이 보존되어 있다. 옥시타니아 트루바두르의 가사는 가장 오래 보존된 민요 샘플 중 일부이며, 가이 사베르와 루 달핀과 같은 현대 밴드들은 옥시타니아 음악을 보존하고 현대화하고 있다. 옥시타니아 문화는 6~7개 구멍 플루트(피프르)나 백파이프(피바)의 사용을 통해 고대 켈트족의 영향의 특성을 유지하고 있다. 이탈리아 북부의 대부분은 더 북쪽에 있는 유럽 지역과 발라드 노래(이탈리아어로 canto epico lirico라고 불림)와 합창에 대한 관심을 공유한다. 심지어 주로 독창을 위한 수단으로 여겨지는 발라드도 합창으로 불릴 수 있다. 트렌토 주에서는 "민속 합창단"이 가장 흔한 음악 활동 형태이다.^[45]

에든버러에서 공연하는 이탈리아 민속 음악가

남부 유형의 두드러진 음악적 차이점으로는 간격 부분 노래의 사용 증가와 더 다양한 민속 악기가 포함된다. 북부의 그룹 및 개방형 합창 작품에 대한 켈트족과 슬라브족의 영향은 남부의 더 강한 아랍, 그리스, 북아프리카 영향의 날카로운 단선율로 이어진다.^[46] 풀리아의 일부 지역(예: 그레치아 살렌티나)에서는 그리코 방언이 노래에 흔히 사용된다. 풀리아의 도시 타란토는 이탈리아 남부에서 널리 연주되는 리듬 댄스인 타란텔라의 본고장이다. 일반적으로 풀리아 음악, 특히 살렌티네 음악은 민족음악학자와 아라미레에 의해 잘 연구되고 문서화되었다.

사르데냐 섬의 음악은 테노레스의 다성 합창으로 가장 잘 알려져 있다. 테노레스의 소리는 그레고리오 성가의 뿌리를 상기시키며, 리구리아의 트랄랄레로와 유사하지만 구별된다. 대표적인 악기로는 세련되고 복잡한 방식으로 사용되는 사르데냐의 삼중 파이프인 라우네다스가 있다. 에피시오 멜리스는 1930년대에 잘 알려진 라우네다스 명인이었다.^[47]

노래

이탈리아 민요는 발라드, 서정곡, 자장가와 동요, 크리스마스 같은 명절을 중심으로 한 계절곡, 결혼, 세례 등 중요한 행사를 축하하는 인생 주기 노래, 춤곡, 가축 부르는 소리, 어부, 목동, 군인 등 직업과 관련된 직업곡을 포함한다. 발라드(canti epico-lirici)와 서정곡(canti lirico-monostrofici)은 두 가지 중요한 범주이다. 발라드는 이탈리아 북부에서 가장 흔하며, 서정곡은 남부에서 더 널리 퍼져 있다. 발라드는 영국의 형식과 밀접하게 관련되어 있으며, 일부 영국 발라드는 이탈리아 노래와 정확히 일치하는 형태로 존재한다. 다른 이탈리아 발라드는 프랑스 모델에 더 가깝다. 서정곡은 자장가, 세레나데, 노동요로 구성된 다양한 범주이며, 전통 레퍼토리를 기반으로 하지만 자주 즉흥적으로 연주된다.^[40]

다른 이탈리아 민요 전통은 발라드와 서정곡보다 덜 흔하다. 때로는 라틴어로 된 유절 형식의 종교적 라우데는 여전히 간혹 연주되며, 특히 마지오 축제의 서사시 노래도 알려져 있다. 직업적인 여성 가수들은 유럽 다른 지역의 곡과 유사한 스타일의 만가를 부른다. 요델링은 이탈리아 북부에 존재하지만, 다른 알프스 국가들의 민속 음악과 가장 흔하게 연관되어 있다. 이탈리아 사육제는 여러 가지 노래 유형과 관련되어 있는데, 특히 브레시아의 바골리노 사육제가 그러하다. 합창단과 관악단은 사순절 중간 휴일의 일부이며, 동냥 노래 전통은 한 해 동안 여러 명절에 걸쳐 이어진다.^[40]

악기 구성

잠포냐, 민속 백파이프

악기 구성은 이탈리아 민속 음악의 모든 측면에 필수적인 부분이다. 유럽 다른 지역에서 새로운 모델이 널리 퍼진 동안에도 오래된 형태를 유지하는 여러 악기들이 있다. 많은 이탈리아 악기들은 특정 의식이나 행사에 묶여 있는데, 예를 들어 잠포냐 백파이프는 보통 크리스마스에만 들을 수 있다.^[48] 이탈리아 민속 악기는 현악기, 관악기, 타악기 범주로 나눌 수 있다.^[49] 일반적인 악기로는 오르가네토가 있는데, 살타렐로와 가장 밀접하게 관련된 아코디언이다. 다이아토닉 버튼 오르가네토는 이탈리아 중부에서 가장 흔하고, 크로마틱 아코디언은 북부에서 주로 사용된다. 많은 지방 자치 단체에는 관악단이 있으며, 이들은 뿌리 부흥 그룹과 함께 공연한다. 이 앙상블은 클라리넷, 아코디언, 바이올린, 종이 달린 작은 드럼을 중심으로 한다.^[40]

이탈리아의 관악기 중 가장 두드러진 것은 다양한 민속 플루트이다. 여기에는 덕트 플루트, 구형 플루트, 트랜스버스 플루트뿐만 아니라 팬파이프의 다양한 변형이 포함된다. 이중 플루트는 캄파니아, 칼라브리아, 시칠리아에서 가장 흔하다.^[50] 콰르타라라고 불리는 도자기 주전자도 좁은 병목의 구멍을 통해 불어 관악기로 사용되는데, 이는 동부 시칠리아와 캄파니아에서 발견된다. 싱글 리드(치아라멜라) 및 더블 리드(피페로) 파이프는 보통 두세 개씩 짝을 이루어 연주된다.^[40] 여러 민속 백파이프가 잘 알려져 있는데, 중앙 이탈리아의 잠포냐가 포함된다. 백파이프의 방언 이름은 이탈리아 전역에서 다양하다. 예를 들어 베르가모에서는 에게트, 롬바르디아에서는 피바, 알레산드리아, 제노아, 파비아, 피아첸차에서는 뮤사 등으로 불린다.

다수의 타악기들이 이탈리아 민속 음악의 일부이며, 여기에는 우드 블록, 종, 캐스터네츠, 드럼이 포함된다. 여러 지역에는 고유한 형태의 딸랑이가 있는데, 라가넬라 톱니 딸랑이와 칼라브리아의 코노키에가 포함된다. 코노키에는 영구적으로 부착된 씨앗 딸랑이가 있는 방적 또는 목동 지팡이로, 의례적인 다산의 의미를 지닌다. 나폴리 딸랑이는 나무 틀에 여러 개의 메로 만들어진 트리카발라카이다. 탬버린(탐부리니, 탐부렐로)과 마찰 드럼인 푸티푸와 같은 다양한 종류의 드럼이 사용된다. 탐부렐로는 현대 서양 탬버린과 매우 유사해 보이지만, 실제로는 중동 연주법의 영향을 받아 훨씬 더 명료하고 정교한 기술로 연주되어 다양한 소리를 낸다. 구슬 악기, 스카차펜시에리 또는 케어-체이서는 독특한 악기로, 이탈리아 북부와 시칠리아에서만 발견된다.^[40]

현악기는 지역에 따라 매우 다양하며, 전국적으로 유명한 대표 악기는 없다. 비지아노는 하프 전통의 본고장으로, 아브루초, 라치오, 칼라브리아주에 역사적 기반을 두고 있다. 칼라브리아주 단독으로 30가지 전통 악기를 보유하고 있는데, 일부는 고대의 특성을 강하게 지니고 있으며 이탈리아 다른 지역에서는 거의 사라졌다. 칼라브리아주에는 4현 또는 5현 기타인 키타라 바텐테와 3현 활 현악기인 리라가 있으며,^[51] 이는 크레타 음악 및 남동유럽 음악에서도 비슷한 형태로 발견된다. 1현 활 현악기인 토로토텔라는 나라의 북동부에서 흔히 볼 수 있다. 주로 독일어를 사용하는 남티롤 지역은 치터로 유명하며, 드렐라이어는 에밀리아, 피에몬테, 롬바르디아주에서 발견된다.^[40] 파비오 롬바르디의 연구에서 드러나듯이, 나무껍질, 갈대(arundo donax), 나뭇잎, 섬유 및 줄기로 만든 일시적이고 장난감 악기 생산이 존재하며 뿌리 깊게 퍼져 있는 전통이 이를 확인한다.

춤

18세기 나폴리 타란텔라

춤은 이탈리아 민속 전통의 필수적인 부분이다. 몇몇 춤은 고대부터 전해 내려오며 어느 정도 오늘날까지 지속되고 있다. 마술-의례적인 기원 춤과 수확 춤이 있는데, 칼라브리아의 어촌 공동체에서 행해지는 "바다 수확" 춤과 토스카나의 포도 수확 춤이 그러하다. 유명한 춤으로는 남부의 타란텔라가 있다. 아마도 이탈리아 춤 중 가장 상징적인 타란텔라는

박자이며, 타란툴라 물린 독을 치료하려는 민속 의식의 일부이다. 인기 있는 토스카나 춤은 의례적으로 토끼 사냥을 연기하거나, 전투 동작을 모방하거나 상기시키는 무기 춤에서 칼날을 휘두르거나, 무기를 춤 자체의 양식화된 도구로 사용한다. 예를 들어, 이탈리아 북부의 몇몇 마을에서는 칼이 녹색으로 수놓아진 나무 반고리로 대체되는데, 이는 북유럽의 "화환 춤"과 유사하다.^[52] 또한 사르데냐의 두루-두루 춤과 같은 사랑과 구애의 춤도 있다.^[53]

이 춤들 중 다수는 그룹 활동으로, 그룹이 줄이나 원형으로 서서 진행된다. 일부—사랑과 구애 춤—는 단일 커플 또는 여러 커플을 포함한다. 탐무리아타(탬버린 소리에 맞춰 공연됨)는 이탈리아 남부에서 공연되는 커플 춤으로, 스트람보토라고 불리는 서정적인 노래를 동반한다. 다른 커플 춤들은 총칭하여 살타렐로라고 불린다.^[40] 그러나 독무도 있다. 이 중 가장 전형적인 것은 이탈리아 여러 지역의 "깃발 춤"인데, 무용수가 마을 깃발이나 페넌트를 목에 두르거나 다리 사이로 통과시키고 등 뒤로 넘기며, 종종 공중으로 높이 던져 잡는다. 이 춤들은 단독 무용수 그룹이 함께 동작하거나 무용수들끼리 깃발을 주고받으며 조화를 이루어 추기도 한다. 이탈리아 북부는 또한 무치오 클레멘티 작곡가에 의해 서양 예술 음악에 통합된 반주가 있는 춤인 몬페리나의 고향이기도 하다.^[40]

사회학 및 인류학적 관점에서 춤 연구에 대한 학술적 관심은 전통적으로 이탈리아에서 소홀히 다루어졌지만, 현재 대학 및 대학원 수준에서 새로운 활력을 보이고 있다.^[54]

대중음악

 이 부분의 본문은 이탈리아 대중음악입니다.

초기 이탈리아 대중음악은 19세기 오페라였다. 오페라는 이탈리아의 클래식 및 대중음악에 지속적인 영향을 미쳤다. 오페라 곡조는 관악단과 순회 공연단을 통해 퍼졌다. 칸초네 나폴레타나 또는 나폴리 노래는 19세기에 대중음악의 일부가 되었고, 20세기 말에는 해외에서 이탈리아 음악의 상징적인 이미지가 된 독특한 전통이다.^[40] 수입된 스타일 또한 이탈리아 대중음악의 중요한 부분이 되었는데, 1890년대 프랑스 샹탕과 함께 시작되었고, 1910년대에는 미국 재즈가 유입되었다. 1930년대 후반 이탈리아 파시즘이 외국 영향에 공식적으로 "알레르기 반응"을 보이기 전까지는 미국 댄스 음악과 음악가들이 상당히 인기를 끌었다. 재즈 거장 루이 암스트롱은 1935년까지 이탈리아를 순회하며 큰 찬사를 받았다.^[55] 1950년대에는 특히 록 음악과 같은 미국 스타일이 더욱 두드러졌다. 싱어송라이터 칸타우토리 전통은 1960년대 후반의 주요 발전이었으며, 이탈리아 록 음악계는 곧 프로그레시브, 펑크, 펑크, 민속 기반 스타일로 다양화되었다.^[40]

초기 대중가요

테너 엔리코 카루소 (왼쪽)와 루치아노 파바로티 (오른쪽)

이탈리아 오페라는 19세기에 엄청난 인기를 얻었고 심지어 가장 시골 지역까지 알려졌다. 대부분의 마을에서 가끔 오페라 공연이 있었고, 오페라에서 사용된 기술은 시골 민속 음악에 영향을 미쳤다. 오페라는 순회 극단과 지역 마을을 중심으로 한 관악단을 통해 퍼졌다. 이러한 시민 밴드(banda communale)는 악기를 사용하여 오페라 아리아를 연주했는데, 남성 성악 파트에는 트롬본이나 플루겔호른을, 여성 파트에는 코르넷을 사용했다.^[40]

19세기 지역 음악도 이탈리아 전역에서 인기를 얻었다. 이러한 지역 전통 중 특히 두드러진 것은 칸초네 나폴레타나(나폴리 노래)였다. 비록 수세기 전부터 나폴리에서 익명의 문서화된 노래들이 있었지만,^[56] "칸초네 나폴레타나"라는 용어는 이제 일반적으로 비교적 최근에 작곡된 대중음악의 방대한 작품들을 가리킨다. 예를 들어 "오 솔레 미오", "돌아오라 소렌토로", "푸니쿨리 푸니쿨라"와 같은 노래들이 있다. 18세기에는 알레산드로 스카를라티, 레오나르도 빈치, 조반니 파이시엘로를 포함한 많은 작곡가들이 일부 희극 오페라의 가사에 지역 언어를 사용하여 나폴리 전통에 기여했다. 나중에 다른 작곡가들—가장 유명한 가에타노 도니체티—은 이탈리아와 해외에서 큰 명성을 얻은 나폴리 노래를 작곡했다.^[40] 나폴리 노래 전통은 1830년대부터 매년 열리는 피에디그로타 축제를 위한 연례 작곡 대회^[57]를 통해 정형화되었다. 이 축제는 메르젤리나 지역의 유명한 교회인 피에디그로타의 성모에게 헌정되었다. 이 음악은 나폴리와 관련되어 있지만, 1880년에서 1920년 사이에 나폴리와 이탈리아 남부에서 발생한 대규모 이민을 통해 해외로 수출되어 널리 유명해졌다. 언어는 나폴리 노래의 매우 중요한 요소인데, 항상 나폴리 방언으로 작곡되고 연주된다.^[58] 나폴리 노래는 일반적으로 단순한 화성을 사용하며, 후렴과 서술적인 절의 두 부분으로 구성되는데, 종종 상대적이거나 병행되는 장조와 단조를 대조적으로 사용한다.^[40] 비음악적인 용어로 말하자면, 많은 나폴리 노래들이 한 순간은 즐겁게 들리다가 다음 순간에는 우울하게 들릴 수 있다는 것을 의미한다.

프란체스코 토스티의 음악은 20세기 전환기에 인기를 끌었으며, 그의 가볍고 표현적인 노래들로 기억된다. 그의 스타일은 벨 에포크 시대에 매우 인기를 얻었고 종종 살롱 음악으로 알려져 있다. 그의 가장 유명한 작품은 세레나타, 아디오, 그리고 저명한 나폴리 방언 시인 살바토레 디 자코모가 작사한 인기 나폴리 노래 마레키아로이다.

녹음된 대중음악은 19세기 후반에 시작되었고, 1910년대 후반에는 국제적인 스타일이 이탈리아 음악에 영향을 미쳤다. 그러나 1922년 파시스트 정권의 문화적 고립주의 정책인 아우타르키아의 부상으로 국제 대중음악에서 후퇴하게 되었다. 이 시기에 인기 있는 이탈리아 음악가들은 해외로 여행하며 재즈, 라틴 아메리카 음악 및 기타 스타일의 요소를 배웠다. 이러한 음악들은 이탈리아 전통에 영향을 미쳤고, 제2차 세계 대전 이후 자유화되면서 전 세계로 퍼져 더욱 다양화되었다.^[40]

엔니오 모리코네는 1946년 이래 500편 이상의 영화 및 텔레비전 음악을 작곡했다.

1922년에 집권한 파시스트 정권의 고립주의 정책 하에 이탈리아는 고립된 음악 문화를 발전시켰다. 외국 음악은 억압되었고, 무솔리니 정부는 민족주의와 언어적, 인종적 순수성을 장려했다. 그러나 인기 있는 연주자들은 해외로 여행하며 새로운 스타일과 기술을 가져왔다.^[40] 미국 재즈는 알베르토 라발리아티와 같은 가수들에게 중요한 영향을 미쳤고, 그는 스윙 스타일로 유명해졌다. 재즈와 블루스의 화성 및 선율 요소는 많은 대중가요에 사용되었고, 리듬은 탱고, 룸바, 베긴과 같은 라틴 춤에서 유래한 경우가 많았다. 이탈리아 작곡가들은 이러한 스타일의 요소를 통합했고, 이탈리아 음악, 특히 나폴리 노래는 라틴 아메리카 전역에서 대중음악의 일부가 되었다.^[40]

영화 음악은 영화에 부수적이지만, 자체적으로 비평가들의 찬사를 받고 매우 인기가 많다. 1930년대 이탈리아 영화의 초기 음악 중에는 리카르도 잔도나이의 영화 『타라카노바 공주』(1937)와 『카라바조』(1941)의 음악이 있었다. 전후 사례로는 고프레도 페트라시의 『올리브나무 사이에는 평화가 없다』(1950)와 로만 블라드의 『줄리엣과 로미오』(1954)가 있다. 또 다른 잘 알려진 영화 음악 작곡가는 니노 로타인데, 그의 전후 경력에는 페데리코 펠리니 감독의 영화와 나중에 대부 시리즈의 음악이 포함된다. 다른 저명한 영화 음악 작곡가로는 엔니오 모리코네, 리즈 오르톨라니, 피에로 우밀리아니가 있다.^[59]

도메니코 모두뇨가 1958년 산레모 음악제에서 "넬 블루, 디핀토 디 블루" (더 잘 알려진 "볼라레")를 공연하고 있다.

1950년대부터 1970년대까지 이탈리아 팝 음악은 영향력 있는 가수들과 칸타우토리(싱어송라이터)의 물결로 번성했다. 국제적인 히트곡 "볼라레"로 유명한 도메니코 모두뇨와 같은 초기 팝스타들은 이탈리아의 음악적 정체성을 형성하는 데 기여했다. 이 시대에는 또한 미나, 미아 마르티니, 아드리아노 첼렌타노, 클라우디오 발리오니, 오르넬라 바노니, 패티 프라보와 같은 강력한 보컬리스트들이 등장하여 국민적인 인기를 얻고 이탈리아 팝 음악의 사운드를 정의했다.

1960년대에는 시적, 정치적, 사회적 주제에 자주 초점을 맞춘 싱어송라이터 전통이 부상했다. 이 운동의 선구자로는 파브리지오 데 안드레, 파올로 콘테, 조르지오 가베르, 움베르토 빈디, 지노 파올리, 루이지 텐코가 있었는데, 그들의 가사는 격동의 시대와 커져가는 문화적 의식을 반영했다.

1970년대에는 루초 달라, 피노 다니엘레, 프란체스코 데 그레고리, 이바노 포사티, 프란체스코 구치니, 에도아르도 벤나토, 리노 가에타노, 로베르토 베키오니와 같은 아티스트들이 서정적 정교함과 비판적 논평의 횃불을 이어가면서 이러한 지적이고 사회 의식적인 작곡이 심화되었다. 루치오 바티스티 또한 이 시기에 등장했는데, 이탈리아 선율 전통과 영국 록 및 팝 음악의 혁신적인 융합으로 두드러졌다. 루치오 바티스티는 1960년대 후반부터 1990년대 중반까지 이탈리아 음악을 영국 록 및 팝과 융합시켰고, 그의 경력 후반에는 신스팝, 랩, 테크노, 유로댄스와 같은 장르와 결합시켰으며, 반면 안젤로 브란두아르디와 프랑코 바티아토는 이탈리아 팝 음악의 전통에 더 초점을 맞춘 경력을 추구했다.^[60] 칸타우토리와 "저항 음악" 가수로 여겨지는 사람들 사이에는 약간의 장르 교차 현상이 있다.^[61]

• 
  아드리아노 첼렌타노
• 
  루치오 바티스티
• 
  미나, 추정컨대 이탈리아 최고 판매 가수
• 
  루초 달라
• 
  지노 파올리

현대 팝

1980년대부터 2000년대 초반까지 이탈리아 음악은 계속 진화하여 더 넓은 범위의 장르와 제작 스타일을 통합했다. 블루스에 영향을 받은 팝-록으로 주케로와, 멜로디컬하고 지중해적인 사운드로 유명한 망고와 같은 아티스트들이 두각을 나타냈다. 바스코 로시의 록적인 요소와 잔나 난니니의 강력한 보컬은 이탈리아 음악계에 새로운 활력을 불어넣었다.

이 시대는 또한 진심 어린 발라드로 전 세계적인 성공을 거둔 라우라 파우시니와, 클래식과 팝 음악을 넘나들며 전 세계적인 찬사를 받은 테너 안드레아 보첼리와 같은 국제적인 슈퍼스타의 부상을 알렸다.

경력 후반에 루치오 바티스티는 계속해서 혁신을 추구하며 초기 팝-록 사운드를 신스팝, 랩, 테크노, 유로댄스와 같은 장르와 혼합하여 현대적 트렌드에 대한 뛰어난 적응력을 보여주었다. 한편, 안젤로 브란두아르디와 프랑코 바티아토와 같은 아티스트들은 전통 이탈리아 음악, 클래식 영향, 실험적인 사운드에서 영감을 받아 더욱 다채로운 길을 추구하며 풍부하고 다양한 팝 음악 환경에 기여했다.

2000년대 이탈리아 팝 음악은 라우라 파우시니, 에로스 라마초티, 주케로, 안드레아 보첼리, 티지아노 페로, 일 볼로 덕분에 국경을 넘을 수 있었다.^[62]

• 
  미아 마르티니, 비평가들의 찬사를 받은 가수
• 
  안드레아 보첼리
• 
  라우라 파우시니
• 
  프란체스코 데 그레고리
• 
  조르지아
• 
  엘리사
• 
  티지아노 페로
• 
  마르코 멘고니

현대 댄스

 이탈로 디스코, 이탈로 하우스 및 이탈로 댄스 문서를 참고하십시오.

조르조 모로더, 이탈로 디스코와 EDM의 선구자

에펠 65, 이탈리아에서 가장 인기 있는 전자 음악 그룹 중 하나

이탈리아는 특히 1970년대 후반에서 1980년대 초반에 이탈로 디스코가 탄생한 이래 일렉트로닉 댄스 뮤직과 관련하여 중요한 국가였다. 디스코에서 파생된 이 장르는 "우울한 멜로디"를 팝 및 전자 음악과 융합시켰으며,^[63] 신시사이저와 드럼 머신을 사용하여 종종 미래지향적인 사운드를 만들어냈다. 가디언 기사에 따르면, 베로나와 밀라노와 같은 도시에서 프로듀서들은 가수들과 협력하여 대량 생산된 신시사이저와 드럼 머신을 사용하고, 이를 "클래식 팝 감성"^[63]과 실험 음악이 혼합된 형태로 통합하여 나이트클럽을 겨냥했다.^[63] 이렇게 제작된 곡들은 나중에 밀라노 기반의 디스코매직과 같은 레이블 및 회사에 의해 판매되곤 했다.^[63]

지지 다고스티노, 렌토 비올렌토 하위 장르 개발자

이탈로 디스코는 펫 숍 보이스, 이레이저, 뉴 오더와 같은 여러 전자 음악 그룹에 영향을 미쳤으며,^[63] 유로댄스, 유로비트, 프리스타일과 같은 장르에도 영향을 주었다. 그러나 1988년경 이 장르는 다른 유럽 댄스 및 전자 음악 형태로 통합되었고, 그중 하나가 이탈로 하우스였다. 이탈로 하우스는 이탈로 디스코의 요소와 전통적인 하우스 음악을 혼합했으며, 그 사운드는 일반적으로 활기차고 피아노 멜로디를 강하게 사용했다. 이 장르의 밴드로는 블랙박스, 이스트 사이드 비트, 49ers가 있다.

1990년대 후반에 유로댄스의 하위 장르인 이탈로 댄스가 등장했다. 이탈로 디스코와 이탈로 하우스의 영향을 받은 이탈로 댄스는 일반적으로 신시사이저 리프, 멜로딕한 사운드, 보코더 사용을 특징으로 했다. 이 장르는 에펠 65의 싱글 "블루 (다 바 디)"가 발매된 후 주류가 되었으며, 에펠 65는 이탈리아에서 가장 인기 있는 전자 음악 그룹 중 하나가 되었다. 그들의 앨범 유로팝은 채널 4에서 1990년대 최고의 앨범으로 선정되었다.^[64] 또한, 지지 다고스티노에 의해 "느리고 격렬한" 음악인 렌토 비올렌토라는 이탈로 댄스의 하위 장르가 개발되었다. 이 장르는 일반적으로 이탈로 댄스 트랙의 절반 정도의 BPM으로 훨씬 느리고 강한 음악이다. 베이스는 종종 눈에 띄게 크며 곡을 지배한다.^[65]

수년 동안, 세 번의 아카데미상과 네 번의 골든 글로브상을 수상한 조르조 모로더와 같은 몇몇 중요한 이탈리아 댄스 음악 작곡가와 프로듀서들이 있었다. 그의 신시사이저 작업은 뉴 웨이브, 테크노, 하우스 음악과 같은 여러 음악 장르에 큰 영향을 미쳤다.^[66] 그는 올뮤직에 의해 "디스코 사운드의 주요 설계자 중 한 명"으로 평가받고 있으며,^[67] "디스코의 아버지"라고도 불린다.^[68][69]

수입 스타일

 이탈리아 비트, 이탈리아 힙합, 이탈리아 재즈, 이탈리아 록 및 이탈리아 프로그레시브 록 문서를 참고하십시오.

벨 에포크 시대 동안, 샹탕에서 대중음악을 공연하는 프랑스 패션이 유럽 전역에 퍼졌다.^[70] 이 전통은 카바레와 많은 공통점을 가지고 있었고, 샹탕, 카페-콘서트, 카바레, 뮤직홀, 보드빌 및 다른 유사한 스타일들 사이에 중첩이 있지만, 적어도 이탈리아에서 이 전통은 주로 비정치적이었고, 가벼운 음악에 초점을 맞췄으며, 종종 노골적이었지만 음란하지는 않았다. 이탈리아 최초의 샹탕은 나폴리의 새로운 움베르토 갤러리 부지에 1890년에 문을 연 살론 마르게리타였다.^[71] 이탈리아 다른 지역에서는 밀라노의 그란 살론 에덴과 로마의 뮤직 홀 올림피아가 곧 개장했다. 샹탕은 이탈리아식 카페-콘체르토로도 알려졌다. 주요 연주자, 보통 여성은 프랑스어로 샹퇴즈라고 불렸고, 이탈리아어 용어인 시안토사는 프랑스어에서 직접 파생된 말이다. 노래 자체는 프랑스어가 아니라 이탈리아어로 작곡된 가볍거나 약간 감상적인 노래들이었다. 그 음악은 제1차 세계 대전이 시작되면서 유행에서 벗어났다.

에로스 라마초티

제2차 세계 대전 이후 미국 팝 음악의 영향은 강했다. 화려한 브로드웨이 쇼 넘버, 빅 밴드, 로큰롤, 힙합은 계속 인기를 끌고 있다. 라틴 음악, 특히 브라질 보사노바도 인기가 많으며, 푸에르토리코 장르인 레게톤은 빠르게 주류 댄스 음악 형태로 자리 잡고 있다. 이제 라우라 파우시니, 에로스 라마초티, 주케로 또는 안드레아 보첼리와 같은 현대 이탈리아 팝 아티스트들이 원본 이탈리아어 버전 외에 영어 또는 스페인어로 된 새로운 곡을 발표하는 것이 드물지 않다. 일 볼로는 이탈리아어, 영어, 스페인어, 독일어로 노래한다. 따라서 현재 이탈리아 TV의 일반적인 프로그램인 음악 쇼는 하룻밤 만에 댄서들과 함께하는 빅 밴드 넘버에서 엘비스 모창자를 거쳐 푸치니 아리아를 부르는 현재 팝 가수로 쉽게 전환될 수 있다.

재즈는 제1차 세계 대전 동안 당김음 음악을 연주하는 군악대의 미국 음악가들의 존재를 통해 유럽에 들어왔다.^[72] 그러나 그 이전에도 이탈리아는 1904년 밀라노의 에덴 극장에서 공연했던 크리올 가수와 댄서들의 형태로 대서양 건너편의 새로운 음악에 대한 힌트를 얻었다. 그들은 자신들을 "케이크워크의 창시자"라고 불렀다. 그러나 이탈리아 최초의 진정한 재즈 오케스트라는 1920년대에 아르투로 아가치와 같은 밴드리더들에 의해 결성되었고 즉각적인 성공을 거두었다.^[55] 1930년대 파시스트 정권의 반미 문화 정책에도 불구하고 미국 재즈는 인기를 유지했다.

전후 즉시 이탈리아에서는 재즈가 급성장했다. 비밥에서 프리 재즈 및 재즈 퓨전에 이르는 모든 미국 전후 재즈 스타일은 이탈리아에서도 그에 상응하는 것을 가지고 있다. 이탈리아 문화의 보편성 덕분에 반도 전역에 재즈 클럽이 생겨났고, 모든 라디오 및 텔레비전 스튜디오에 재즈 기반의 하우스 밴드가 있었으며, 이탈리아 음악가들은 유럽 노래 형식, 클래식 작곡 기술 및 민속 음악을 기반으로 한 자생적인 재즈를 육성하기 시작했다. 현재 모든 이탈리아 음악 콘서바토리에는 재즈 학과가 있으며, 매년 이탈리아에서는 재즈 페스티벌이 열리는데, 가장 잘 알려진 것은 움브리아 재즈 페스티벌이며, 『무지카 재즈』와 같은 저명한 출판물도 있다.

주케로, "이탈리아 블루스의 아버지"로 평가받는다.

라쿠나 코일, 고딕 메탈 밴드

모네스킨

이탈리아 팝 록은 주케로와 같은 주요 스타를 배출했으며, 많은 히트곡을 냈다. 산업 미디어, 특히 텔레비전은 이러한 음악의 중요한 수단이다. 텔레비전 쇼 "사바토 세라"가 그 특징이다.^[73] 이탈리아는 1970년대 프로그레시브 록 운동의 선두에 있었는데, 이 스타일은 주로 유럽에서 발전했지만 전 세계적으로도 청중을 얻었다. 때때로 별도의 장르인 이탈리아 프로그레시브 록으로 간주되기도 한다. 더 트립, 아레아, 프레미아타 포르네리아 마르코니 (PFM), 방코 델 무투오 소코르소, 뉴 트롤스, 고블린, 오산나, 상 주스트, 레 오르메와 같은 이탈리아 밴드들은 심포닉 록과 이탈리아 민속 음악을 혼합하여 유럽과 미국 전역에서 인기를 얻었다. 페리게오, 발레토 디 브론조, 뮤제오 로젠바흐, 로베시오 델라 메달리아, 빌리에토 페르 린페르노 또는 알파타우루스와 같은 다른 프로그레시브 밴드들은 거의 알려지지 않았지만, 그들의 앨범은 오늘날 수집가들에게 고전으로 여겨진다. 몇몇 아방가르드 록 밴드 또는 아티스트(아레아, 피키오 달 포초, 오푸스 아방트라, 스토미 식스, 상 주스트, 조반니 린도 페레티)는 혁신적인 사운드로 명성을 얻었다. 이탈리아의 프로그레시브 록 콘서트들은 강한 정치적 의미와 활기찬 분위기를 가지는 경향이 있었다. 인기 있는 이탈리아 메탈 밴드로는 랩소디 오브 파이어, 라쿠나 코일, 엘븐킹, 포가튼 툼, 플레시갓 아포칼립스가 있다.^[5]

이탈리아 힙합 신은 1990년대 초 밀라노의 아르티콜로 31과 함께 시작되었는데, 그들의 스타일은 주로 이스트 코스트 랩의 영향을 받았다. 다른 초기 힙합 크루는 일반적으로 정치 지향적이었고, 99 파우스처럼 나중에 영국 트립합의 영향을 더 받았다. 최근 크루에는 사르데냐의 라 포사처럼 갱스터 랩퍼가 포함된다. 최근 수입된 다른 스타일로는 가브리 폰테, 에펠 65, 지지 다고스티노와 같은 아티스트들이 연주하는 테크노, 트랜스 음악, 일렉트로니카가 있다.^[74] 힙합은 특히 이탈리아 남부에서 인기가 많은데, 남부의 리스페토(존경, 명예) 개념, 즉 구두 언쟁의 한 형태와 결합되어 남부 이탈리아 음악이 아프리카계 미국 힙합 스타일과 동일시되는 데 일조했다.^[75] 또한, 이탈리아에는 패찬카라는 스타일을 연주하는 많은 밴드가 있는데, 이는 전통 음악, 펑크, 레게, 록, 정치적인 가사를 혼합한 것이 특징이다. 모데나 시티 램블러스는 아일랜드, 이탈리아, 펑크, 레게 및 기타 여러 형태의 음악을 혼합한 것으로 유명한 인기 밴드 중 하나이다.^[74]

이탈리아는 또한 여러 지중해 퓨전 프로젝트의 본고장이 되었다. 여기에는 시칠리아에 기반을 둔 다문화 밴드이자 팔레스타인인 나빌 벤 살라메가 이끄는 알 다라위시가 포함된다. 루이지 친퀘 타란툴라 하이퍼텍스트 오케스트라도 또 다른 예이며, 팔레그와 누르 에딘의 타라그나와 프로젝트도 마찬가지이다. 망고는 팝 음악에 월드와 지중해 사운드를 융합한 가장 잘 알려진 아티스트 중 한 명이며, Adesso, 시르타키, 코메 라쿠아와 같은 앨범들이 그의 스타일의 예시이다. 나폴리의 대중 가수 마시모 라니에리도 북아프리카 리듬과 악기로 전통 칸초네 나폴레타나를 담은 CD 「오지 오 디마네」를 발표했다.^[74]

산업

 이탈리아의 음악 매체 문서를 참고하십시오.

펠트리넬리 대형 서점 내부의 CD 진열대

이탈리아 음악 산업은 2004년에 23억 유로의 매출을 올렸다. 이 금액은 CD, 음악 전자 제품, 악기 판매 및 라이브 공연 티켓 판매를 합한 것이다. 비교하자면, 이탈리아 음반 산업은 세계 8위이며, 이탈리아인의 1인당 음악 앨범 소유량은 0.7장으로, 1위인 미국의 2.7장과 대조된다.^[76]

전국적으로는 3개의 국영 방송사와 3개의 민영 TV 네트워크가 있다. 모두 적어도 일부 시간 동안 라이브 음악을 제공한다. 이탈리아의 많은 대도시에는 지역 TV 방송국도 있으며, 이들은 종종 해당 지역에만 흥미로운 라이브 민속 또는 방언 음악을 제공할 수 있다. 이 중 가장 큰 서점 및 CD 체인은 펠트리넬리이다.

공연장, 축제, 휴일

매년 열리는 라벨로 페스티벌은 이탈리아의 인기 음악 공연장이다. 여기, 오케스트라가 아말피 해안을 내려다보는 무대에서 준비를 시작하고 있다.

이탈리아의 음악 공연장으로는 수많은 음악원, 심포니 홀, 오페라 극장에서의 콘서트가 있다. 이탈리아는 또한 매년 스폴레토 축제, 푸치니 축제, 라벨로의 바그너 축제와 같은 많은 잘 알려진 국제 음악 축제를 개최한다. 일부 축제는 클래식 음악 분야의 젊은 작곡가들에게 공모전 수상작을 제작하고 무대에 올릴 기회를 제공한다. 예를 들어 "오르페우스" 신작 오페라 및 실내악 국제 공모전의 수상자는 상당한 상금 외에도 스폴레토 축제에서 자신의 음악 작품이 공연되는 것을 볼 수 있다.^[77] 또한 매년 수십 개의 개인 후원 마스터클래스가 대중을 위한 콘서트를 개최한다. 이탈리아는 해외 유명 오케스트라들이 자주 방문하는 곳이기도 하다. 가장 바쁜 시즌 동안 거의 언제든지 유럽이나 북미의 주요 오케스트라 중 적어도 한 곳은 이탈리아에서 콘서트를 연주한다. 또한 연중 내내 수십 개의 팝 및 록 콘서트에서 공개 음악을 들을 수 있다. 예를 들어 고대 로마 원형극장인 아레나 디 베로나에서는 야외 오페라도 들을 수 있다.

이탈리아 육군 군악대

군악대도 이탈리아에서 인기가 많다. 전국적으로 가장 잘 알려진 군악대 중 하나는 과르디아 디 피난차 (이탈리아 세관/국경 경찰)의 콘서트 밴드이다. 이들은 매년 여러 번 공연한다.

많은 극장에서는 미국 뮤지컬의 이탈리아어 번역판뿐만 아니라 진정한 이탈리아 뮤지컬 코미디, 즉 영어 용어 '뮤지컬'로 불리는 작품들도 상연한다. 이탈리아어로 이 용어는 이탈리아 고유의 것이 아닌 일종의 음악극을 의미하는데, 이는 미국식 재즈-팝-록 기반의 음악과 리듬을 사용하여 노래와 대화의 조합으로 이야기를 전개하는 형태이다.

종교 의식, 특히 가톨릭 의식에서의 음악은 여러 가지 방식으로 나타난다. 예를 들어, 이탈리아 전역에서 교구 밴드는 아주 흔하다. 이들은 4~5명 정도의 소규모부터 20~30명에 이르는 규모까지 다양하다. 이들은 보통 특정 마을의 종교 축제, 주로 마을의 수호성인을 기리는 축제에서 공연한다. 전문가들이 교회에서 연주하는 역사적인 오케스트라/합창 걸작은 잘 알려져 있다. 여기에는 조반니 바티스타 페르골레시의 스타바트 마테르와 베르디의 레퀴엠과 같은 작품들이 포함된다. 1962년부터 1965년까지의 제2차 바티칸 공의회는 가톨릭 교회 음악에 혁명을 일으켜 예배를 위해 정기적으로 공연하는 아마추어 합창단의 수가 증가했다. 또한 공의회는 회중 찬송가를 장려했으며, 지난 40년 동안 방대한 새로운 찬송가 레퍼토리가 작곡되었다.^[78]

산레모 음악제 2013년 당시의 아리스톤 극장

이탈리아에는 고유한 크리스마스 음악이 많지 않다. 가장 인기 있는 이탈리아 크리스마스 캐럴은 "투 셴디 달레 스텔레"인데, 현대 이탈리아어 가사는 1870년 교황 비오 9세가 작사했다. 멜로디는 알폰소 마리아 데 리구오리의 오래된 단조 나폴리 캐럴 "콴노 나셰테 닌노"의 장조 버전이다. 그 외에는 이탈리아인들은 주로 독일어와 영어 전통에서 유래한 캐럴의 번역본("고요한 밤 거룩한 밤" 등)을 부른다. 이탈리아 고유의 세속 크리스마스 음악은 없으며, 이것이 "징글 벨"과 "화이트 크리스마스"의 이탈리아어 버전이 인기 있는 이유이다.^[79]

산레모 음악제는 이탈리아 대중음악의 중요한 장소이다. 이 축제는 1951년부터 매년 개최되었으며, 현재 산레모의 아리스톤 극장에서 열린다. 2월에 일주일 동안 진행되며, 베테랑 및 신인 연주자들에게 새로운 곡을 선보일 기회를 제공한다. 이 대회에서 우승하는 것은 종종 업계 성공의 발판이 되었다. 이 축제는 밤마다 세 시간 동안 전국적으로 TV로 방영되며, 가장 잘 알려진 이탈리아 TV 유명인사들이 진행하고, 지난 50년간 가장 잘 알려진 이탈리아 팝 가수인 도메니코 모두뇨와 같은 연주자들의 발판이 되었다.

텔레비전 버라이어티 쇼는 대중음악을 위한 가장 넓은 장소이다. 이들은 자주 바뀌지만, 부오나 도메니카, 도메니카 인, 이 라코만다티가 인기 있다. 이탈리아에서 가장 오랫동안 방송된 음악 프로그램은 아마추어 음악가들을 위한 세 시간짜리 주간 프로그램인 라 코리다이다.^[80] 1968년 라디오에서 시작하여 1988년 TV로 옮겨졌다. 스튜디오 관객들은 카우벨과 사이렌을 가져와 선의의 불만을 표현하도록 장려된다. 록 콘서트(국내 및 국제 아티스트)가 가장 많이 열리는 도시는 밀라노로, 파리, 런던, 베를린과 같은 다른 유럽 음악 수도들과 비슷한 숫자를 기록한다.

교육

나폴리 음악원 안뜰

이탈리아에는 많은 고등 교육 기관에서 음악을 가르친다. 약 75개의 음악원이 미래의 전문 음악가들을 위한 고급 훈련을 제공한다. 또한 많은 사설 음악 학교와 악기 제작 및 수리 워크숍이 있다. 이탈리아에서는 개인 교습도 매우 흔하다. 초등 및 고등학교 학생들은 일반적으로 합창과 기초 음악 이론을 중심으로 주 1~2시간의 음악 수업을 받을 수 있지만, 과외 활동 기회는 드물다.^[81] 대부분의 이탈리아 대학에는 음악사 등 관련 과목 수업이 있지만, 공연은 대학 교육의 일반적인 특징이 아니다.

이탈리아는 특화된 고등학교 시스템을 가지고 있다. 학생들은 선택에 따라 인문학, 과학, 외국어 또는 미술 고등학교에 다닐 수 있으며, 음악 고등학교(liceo musicale)에서는 악기, 음악 이론, 작곡 및 음악사가 주요 과목으로 가르쳐진다. 이탈리아는 아이들에게 더 많은 음악을 접하게 하려는 야심찬 최근 프로그램들을 가지고 있다. 더욱이, 최근 교육 개혁으로 특정 리체오 무시칼레 에 코레우티코(2차 수준 중등학교, 14-15세부터 18-19세까지)가 법령에 명시적으로 명시되어 있다.^[82] 그러나 이러한 종류의 학교는 아직 설립되지 않았고 효과적으로 운영되지 않고 있다. 국영 텔레비전 네트워크는 현대 위성 기술을 사용하여 합창 음악을 공립학교에 방송하는 프로그램을 시작했다.^[d]

학문

음악의 다양한 분야를 수집, 보존 및 분류하는 학문은 방대하다. 이탈리아에서도 다른 곳과 마찬가지로 이러한 작업은 여러 기관과 단체에 분산되어 있다. 대부분의 대형 음악원은 자체 소장품과 관련된 연구를 감독하는 부서를 유지한다. 이러한 연구는 인터넷을 통해 국가적 및 국제적으로T 조정된다. 이탈리아의 저명한 기관 중 하나는 로마의 음악 도서지학 연구소(IBIMUS)이다. 이 연구소는 국제음악원전기구(RISM)를 통해 다른 기관들과 국제적으로 협력하며, RISM은 자료 출처의 목록 및 색인을 제공한다. 또한 1928년에 설립된 로마의 국립 음반 기록 보관소(Discoteca di Stato)는 이탈리아에서 가장 큰 공공 녹음 음악 컬렉션을 보유하고 있으며, 고대 왁스 실린더부터 현대 전자 매체에 이르기까지 약 23만 점의 클래식 음악, 민속 음악, 재즈, 록 샘플을 소장하고 있다.

이탈리아 전통 음악에 대한 학술 연구는 약 1850년에 시작되었는데, 초기 언어학 민족지학자 그룹이 범이탈리아 민족 정체성에 대한 음악의 영향을 연구했다. 통일된 이탈리아 정체성은 1860년 이탈리아반도의 정치적 통합 이후에야 막 발전하기 시작했다. 당시의 초점은 악기 구성보다는 음악의 서정적, 문학적 가치에 있었으며, 이러한 초점은 1960년대 초까지 유지되었다. 『이탈리아 민속 전통 평론』(Rivista Italiana delle Tradizioni Popolari)과 『라레스』(Lares)라는 두 민속학 저널이 각각 1894년과 1912년에 창간되어 budding 학문 분야를 장려하는 데 도움이 되었다. 가장 초기의 주요 음악 연구는 1913-1914년 마리오 줄리오 파라가 사르데냐의 라우네다스에 대해 수행했으며, 알베르토 파바라가 1907년과 1921년에 시칠리아 음악에 대해 발표했고, 프란체스코 발릴라 프라텔라가 1941년에 에밀리아로마냐 음악에 대해 연구했다.^[40]

이탈리아 전통 음악의 초기 녹음은 1920년대에 이루어졌지만, 로마 산타 체칠리아 국립 아카데미에 국립 대중음악 연구 센터가 설립될 때까지는 드물었다. 센터는 반도 전역, 특히 이탈리아 남부 및 중부에 걸쳐 수많은 노래 수집 여행을 후원했다. 조르조 나탈레티는 센터에서 중요한 인물이었으며, 직접 수많은 녹음을 하기도 했다. 미국 학자 앨런 로맥스와 이탈리아인 디에고 카르피텔라는 1954년에 반도에 대한 철저한 조사를 수행했다. 1960년대 초에는 뿌리 회복 운동이 더 많은 연구를 장려했으며, 특히 많은 학자들이 이전에 민속 문화를 거의 유지하지 못했다고 가정했던 북부 음악 문화에 대한 연구가 활발해졌다. 이 시대의 가장 저명한 학자로는 로베르토 레이디, 오타비오 티비, 레오 레비가 있었다. 1970년대에는 레이디와 카르피텔라가 대학에서 최초로 민족음악학 교수직에 임명되었는데, 카르피텔라는 로마 라 사피엔차 대학교에, 레이디는 볼로냐 대학교에 임명되었다. 1980년대에는 이탈리아 학자들이 녹음보다는 이미 수집된 정보를 연구하고 통합하는 데 더 집중하기 시작했다. 다른 학자들은 미국과 호주의 이탈리아 음악, 그리고 이탈리아로 최근 이민 온 사람들의 민속 음악을 연구했다.^[40]

같이 보기

• 이탈리아 음악 용어집
• 이탈리아 음악사
• 트레첸토 음악

내용주

1. "Racial laws" started to be issued in Italy in March 1938; specifically, the one denying Jews membership in professional organizations was the Royal Decree of 5 September 1938, XVI, n. 1390, Art. 4.
2. Adams 1939 claims that—on the eve of World War II—most Italians who had fled Italy for political reasons—i.e. "...membership in anti-Fascist organizations..."—were in France and puts the number at about 9,000. The author does not distinguish refugees on the basis of race or creed.
3. 따라서 이탈리아의 공식적인 행정 구역이나 주를 의미하지 않더라도 "칠렌토 음악"이라고 말하는 것이 일반적이다.
4. 이 프로그램은 베르딘칸토(Verdincanto)라고 불린다.^[83]