구스타프 클림트의 그림 목록

이 문서는 오스트리아의 상징주의 화가 구스타프 클림트(1862년~1918년)의 그림 목록이다. 클림트는 200점 이상의 그림을 그렸으며, 그 중 160점 이상이 알려져 있다.^[1]

구스타프 클림트의 그림 목록

이 목록은 아직 미완성입니다. 여러분이 편집하여 채워 주세요.

초기작품

이미지	제목	연도	매체	위치	비고
	클라라 클림트[2]	1880c.	캔버스 유화, 30.3 cm × 21.3 cm	레오폴트 미술관, 빈	클라라 클림트(1860년~1937년)는 구스타프의 여섯 형제자매 중 가장 나이가 많았으며, 구스타프가 1918년에 사망할 때까지 여동생 헤르민과 함께 아파트에 살았다. 이 그림은 클라라가 20세쯤 되었을 때를 보여주며, 클림트가 빈 예술 공예 학교에서 공부하던 중에 그렸다. 이 작품은 클림트의 후손으로부터 영구 대여되어 전시되고 있다.[2]
	숲 바닥[3]	1881/1882	캔버스 유화, 10 cm × 8 cm	레오폴트 미술관, 빈
	남성 누드[4]	1883	캔버스 유화, 68 cm × 54.8 cm	오스트리아 벨베데레 갤러리, 빈
	왼쪽을 향한 앉아있는 남성 누드[5]	1883	캔버스 유화, 46 cm × 37 cm	레오폴트 미술관, 빈	이 그림은 클림트가 직접 날짜를 기입했으며, 빈 예술 공예 학교 학생 시절에 그려졌다.[5]
	우화[6]	1883	캔버스 유화, 83.5 cm × 116 cm	빈 박물관, 빈
	하나의 소녀 두상 연구[7]	1883c.	목판 유화, 28.6 cm × 22.7 cm	레오폴트 미술관, 빈	이 작은 그림은 날짜가 기입되어 있지 않지만, 구스타프 클림트가 아직 학생이었을 때 제작된 것으로 추정된다.[7]
	전원[8]	1884	캔버스 유화, 49.7 cm × 74 cm	빈 박물관, 빈
	성스러운 음악의 알레고리 (초안)[9]	1884	캔버스 유화, 38.5 cm × 50 cm	오스트리아 벨베데레 갤러리, 빈	이 그림은 리예카 시립 극장의 천장화 준비 초안으로, 다음 해 에른스트와 구스타프 클림트, 프란츠 마츠의 스튜디오에서 완성되었다.[9]
	카를로비바리 시립 극장 커튼 디자인[10]	1884/1885	캔버스 유화, 52.7 cm × 42.5 cm	오스트리아 벨베데레 갤러리, 빈[10]	클림트와 그의 두 동료(에른스트 클림트와 프란츠 폰 마츠)가 1884년경 카를로비바리 시립 극장 커튼 디자인 의뢰를 받았을 때, 그들은 이미 극장 디자인 분야에서 상당한 경험을 가지고 있었다. 클림트의 디자인은 한스 마카르트의 유사한 커튼 디자인에서 직접적인 영감을 받았다.[10]
	옛 부르크 극장의 강당[11]	1888년–1889년	종이 과슈, 82 cm × 92 cm	빈 박물관, 빈
	사포[12]	1888c.	캔버스 유화, 39.4 cm × 31.7 cm	빈 박물관, 빈	레스보스섬에서 태어난 고대 그리스 서정시인의 초상. 아직 스케치 단계인 이 그림은 라파엘 전파의 영향과 귀스타브 모로의 문학적이고 몽환적인 상징주의를 융합한다. 직교하는 선을 바탕으로 한 이 캔버스에는 클림트의 부르크 극장 작품에 이미 존재했던 우의적인 신화가 스며들어 있다. 세밀한 묘사는 당시 역사주의 양식의 결과로, 세련된 고문체 분위기 속에서 아름다움을 찬미한다.[13]

1890년대

이미지	제목	연도	매체	위치	비고
	요제프 펨바우어의 초상[14]	1890	캔버스 유화, 68.4 cm × 55.4 cm	티롤 주립 박물관, 인스브루크	피아니스트이자 피아노 교사였던 요제프 펨바우어의 사실적인 초상화. 얼굴의 사진적 사실주의는 양식화된 요소들의 상징주의와 미묘한 긴장감을 조성한다. 이 시기에 클림트를 괴롭혔던 역사주의와 상징주의 사이의 양식적 딜레마는 고대적 형태의 매개를 통해 해결되는데, 이는 악기로 식별되는 음악에 절대적이고 영원한 가치를 부여한다.[13][15] 요제프 펨바우어의 초상화로도 알려져 있다.[16][17]
	마틸데 트라우의 초상[18]	1893c.	캔버스 유화, 79 cm × 58.5 cm	오스트리아 벨베데레 갤러리, 빈	이 그림은 빈에서 유명한 찻집을 운영했던 프란츠 트라우의 아내 마틸데 트라우를 묘사한다. 클림트는 또한 프란츠의 초상화도 그렸다. 형식과 구성 면에서 이 초상화는 당시의 인물 사진과 비교할 만하다. 회화 기법은 사진의 미학과 유사한 사실주의를 반영한다. 그러나 1890년대 중반부터 클림트의 예술적 접근 방식은 인상주의의 영향을 받은 더욱 분위기 있는 스타일로 전환되었다.[18]
	여인의 초상[19]	1893년/1894년	캔버스 유화, 168 cm × 84 cm	오스트리아 벨베데레 갤러리, 빈	검은 드레스를 입은 여인의 사실적인 전신 초상화이자 클림트의 첫 번째 대표적인 여인 초상화이다.[19] 주제는 클림트의 평생 동반자인 패션 디자이너 에밀리 플뢰게의 친구이자 고객인 마리 브로이니히이다.[19][20]
	알 수 없는 여인의 초상 (헤이만 부인?)[21]	1894c.	판지 유화, 30 cm × 23 cm	빈 박물관, 빈	비문에 따르면 이 작품의 주제는 헤이만 부인이다.[21]
	앉아있는 어린 소녀[22]	1894c.	목판 유화, 14.1 cm × 9.6 cm	레오폴트 미술관, 빈
	사랑[23]	1895	캔버스 유화, 62.5 cm × 46.5 cm	빈 박물관, 빈	이 사라져가는 희박함 때문에 사랑의 장면은 상징주의적 틀을 드러낸다. 이 작품은 클림트의 알레고리와 상징 시리즈의 일부로, 삶의 가장 중요한 순간과 심리적 뉘앙스를 은유적 강렬함의 형태로 번역하려는 의도를 가지고 있다.
	음악 I[24]	1895	캔버스 유화, 37 cm × 44.5 cm	노이에 피나코테크, 뮌헨[25]	음악의 상징인 리라 (악기) 외에도 이 캔버스는 스핑크스(예술적 자유를 암시), 맨 왼쪽의 실레노스 가면, 중앙의 사자 이빨(새로운 사상의 확산을 은유) 그리고 마지막으로 여성의 명상적인 얼굴을 강조한다.
	클라비고의 카를로스 역 요제프 레빈스키[26]	1895	캔버스 유화, 60 cm × 44 cm	오스트리아 벨베데레 갤러리, 빈	클림트는 요한 볼프강 폰 괴테의 비극 《클라비고》에서 카를로스 역을 맡은 궁정 배우 요제프 레빈스키를 무대 위에 묘사했다. 이 그림은 빈 극장 역사를 다룬 책의 삽화로 의뢰되었다.[26]
	자주색 스카프를 두른 여인의 초상[27]	1895c.	캔버스 유화, 67 cm × 41 cm	빈 미술사 박물관, 빈	연보라색 스카프를 두른 여인의 초상으로도 알려져 있다. 이 그림은 거의 한 세기 동안 개인 소장품으로 있다가 2014년에 빈 미술사 박물관에 기증되었다.[28]
	장님[29]	1896c.	캔버스 유화, 66 cm × 53 cm	레오폴트 미술관, 빈
	옆모습의 노인 초상 (트라운 백작?)[30]	1896c.	카드보드 유화, 46 cm × 35.2 cm	레오폴트 미술관, 빈	그림의 제목이 초상화 의뢰였음을 암시하지만, 주제의 신원은 알려져 있지 않다. 클림트가 사망했을 때 이 그림은 아직 그가 소유하고 있었으므로 제3자가 의뢰했을 가능성은 낮다. 따라서 클림트가 자신의 관심으로 이 작품을 그렸을 가능성이 높다.[30]
	윌리엄 니 노르테이 다우오나 왕자	1897	캔버스 유화, 65.5 cm x 54 cm)	개인 소장	이 그림은 나치 약탈로 인해 사라졌다가 2025년에 다시 나타났다. 이 그림은 유대인이었던 에르네스틴과 펠릭스 켈린 부부의 소유였으며, 그들은 1938년 빈에 그림을 남기고 모나코로 피신했다. 이 그림이 마지막으로 대중에게 공개된 것은 1928년이었다.
	의학 (초안)[24]	1897년–1898년	캔버스 유화, 74.7 cm × 54.8 cm	이스라엘 박물관, 예루살렘[31]
	소냐 크니프스의 초상[32]	1897년/1898년	캔버스 유화, 141.5 cm × 141.5 cm	오스트리아 벨베데레 갤러리, 빈	남작부인 소냐 크니프스는 클림트의 가장 저명한 고객 중 한 명이었다. 이 그림에서 클림트는 초상화에 처음으로 정사각형 형식을 선택했다. 이 초상화는 그가 당시 빈 사회에서 가장 인기 있는 초상화가 중 한 명이 되는 데 기여했다.[32] 벨기에 예술가 페르낭 크놉프를 연상시키는 스타일로, 클림트는 남편과 함께 빈 공방에서 활동했던 크니프스를 그린다. 얼굴의 소성이 솜털 같은 드레스의 부드러운 불일치와 대조를 이룬다. 이 대각선 구도에서 의자의 덧없음, 책의 붉은 흐릿함, 꽃으로 둘러싸인 머리는 황금 시대의 초상화들을 예고한다.
	벽난로 옆 여인[33]	1897년/1898년	캔버스 유화, 41 cm × 66 cm	오스트리아 벨베데레 갤러리, 빈
	헬레네 클림트의 초상[34]	1898	카드보드 유화, 60 cm × 40 cm	개인 소장[35][34]	1892년 동생 에른스트가 사망한 후 클림트가 돌보는 것을 도왔던 여섯 살 난 조카를 묘사한다. 클림트는 그녀의 법적 후견인이 되었다.[20][34]
	팔라스 아테나[36]	1898	캔버스 유화, 75 cm × 75 cm	빈 박물관, 빈	클림트의 형 게오르크가 만든 황금 액자로 더욱 빛나는 여신 아테나는 기원전 6세기 흑회식 아티키 꽃병에서 가져온 프리즈 앞에 묘사되어 있다. 붉은 머리카락은 투구 밖으로 나와 여신의 여성성을 강조하며, 갑주에도 불구하고 그렇다. 뮌헨 분리파의 예를 따라, 아테나는 빈 분리파의 수호신으로 선택된다.[13]
	움직이는 물[24]	1898	캔버스 유화, 52 cm × 65 cm	개인 소장
	정면 소녀 두상[24]	1898	캔버스 유화, 38 cm × 43 cm	개인 소장
	저녁의 과수원[37]	1898	캔버스 유화, 69 cm × 55.6 cm	레오폴트 미술관, 빈	오스트리아 개인 소장품에서 영구 대여되어 전시되고 있다.[37]
	비 온 뒤[38] 또는 성 아가타의 닭이 있는 정원[39]	1898	캔버스 유화, 80 cm × 40 cm	오스트리아 벨베데레 갤러리, 빈	1898년 8월, 클림트는 플뢰게 가족과 함께 할슈타트 호수 근처 성 아가타에서 잘츠카머구트에서 첫 여름을 보냈다. 그곳에서 그는 비 온 뒤를 포함한 네 점의 풍경화를 그렸다. 이 작품들은 부드럽고 덧없는 붓놀림을 통해 프랑스 인상주의의 영향을 보여주며, 일본 목판화의 영감도 드러낸다. 비 온 뒤는 1900년에 클림트의 작품 중 처음으로 공공 소장품이 되었다.[38] 세로로 긴 형식과 특유의 사진적 스타일은 일본적 영향을 보여준다. 전체를 감싸는 비 안개와 모든 요소의 장식적 해석은 제임스 애벗 맥닐 휘슬러의 덧없는 풍경화를 연상시킨다.[40]
	정면 여성 초상[24]	1898년–1899년c.	카드보드 유화, 45 cm × 34 cm	개인 소장[41]
	피아노를 치는 슈베르트[24]	1899	캔버스 유화, 150 cm × 200 cm	1945년 화재로 소실	비평가이자 작가인 헤르만 바르(1863년–1934년)는 "클림트의 슈베르트는 오스트리아인이 그린 그림 중 가장 훌륭하다"고 썼다. 이 그림은 1945년 퇴각하는 독일군에 의해 파괴되었다.[42]
	세레나 퓰리처 레더러[43]	1899	캔버스 유화, 190.8 cm × 85.4 cm	메트로폴리탄 미술관, 뉴욕
	누다 베리타스[24]	1899	캔버스 유화, 252 cm × 56.2 cm	오스트리아 극장 박물관, 빈[44]	액자 상단에는 쉴러의 시 구절이 인용되어 있으며, 그 어려운 합의 속에서 독특한 품질의 표시를 나타낸다: "너의 행동과 예술로 모든 사람을 만족시킬 수 없다면 – 소수만 만족시켜라. 많은 사람을 만족시키는 것은 나쁘다. 쉴러." 이 인용문의 목적은 빈 분리파의 행동을 촉구하는 것이다. 이 작품의 또 다른 버전은 잡지 베르 사크룸의 에칭으로 존재한다. 베리타스가 들고 있는 거울은 "너 자신을 알라"는 현대적인 초대이며, 꽃들은 재생의 상징이다.[13]
	연못 옆 아침[45], 고요한 연못 또는 반영[46]	1899	캔버스 유화, 75.2 cm × 75.2 cm	레오폴트 미술관, 빈	클림트의 첫 번째 정사각형 풍경화로, 골링에서 플뢰게 가족과 여름을 보내던 중 에글제에서 그려졌다.[45] 이 그림의 스타일은 모네의 분위기 있는 풍경화를 연상시킨다.[46]
	물 요정들 (은어)[24] 또는 인어들[47]	1899c.	캔버스 유화, 82 cm × 52 cm	Bank Austria Kunstforum Wien([[:de:{{{3}}}|독일어판]]), 빈	몸이나 사지가 없는 두 잠수된 인물을 묘사하며, 대신 머리와 길고 검은 머리카락으로 구성되어 있다. 이 비전통적인 묘사는 혼란스러운 변형으로 전형적인 인어 이미지를 왜곡하며, 머리카락 페티시즘을 극단으로 가져가 사지, 몸, 심지어 성기조차 없는 성적인 대상을 만들어낸다. 그들의 단순한 형태는 다양한 해석을 가능하게 한다: 신화 속의 잘린 머리부터 지천사 형상 또는 에덴의 뱀에 이르기까지. 클림트는 다양한 원형적 주제를 결합하여 불안감을 조성한다.[47]

1900년대

이미지	제목	연도	매체	위치	비고
	죽음의 침대에 있는 노인[48]	1900	카드보드 유화, 30.4 cm × 44.8 cm	오스트리아 벨베데레 갤러리, 빈	클림트는 작품에서 죽은 사람들을 자주 묘사했지만, 개인적인 성격 때문에 공개적으로 전시되는 경우는 거의 없었다. 그러한 주제들은 일반적으로 식별 가능하지만, 이 초상화 속 노인의 신원은 알려져 있지 않다. 클림트는 피사체가 사망한 직후, 때로는 같은 날에 그림을 그리는 경우가 많았으므로, 이 남자가 1900년에 사망했을 가능성이 높다. 이 그림은 잘려나갔을 가능성이 있으므로, 오늘날에는 원래 구성의 일부만 남아있다.[48]
1900 painting by Gustav Klimt	검은 황소[49]	1900	캔버스 유화, 82 cm × 82 cm	레오폴트 미술관, 빈
	큰 포플러 I[50]	1900	캔버스 유화, 81.3 cm × 80.3 cm	노이에 갤러리, 뉴욕
	아터호에서[51]	1900	캔버스 유화, 80.2 cm × 80.2 cm	레오폴트 미술관, 빈	이 그림은 1901년 제10회 분리파 전시회에서 동시대 비평가들로부터 찬사를 받았다.[51] 클림트가 1900년 여름 아터제에서 첫 체류 중 플뢰게 저택의 작은 보트하우스 부두에서 그렸다.[52][51]
	자작나무가 있는 농가[53]	1900	캔버스 유화, 80.3 cm × 80.3 cm	개인 소장
	마구간의 암소[54] 또는 헛간의 암소[55][56]	1900년–1901년	캔버스 유화, 75 cm × 76.5 cm	렌토스 미술관, 린츠
	유딧 I[57]	1901	캔버스 유화와 금박, 84 cm × 42 cm	오스트리아 벨베데레 갤러리, 빈	이 그림은 성경 속 유딧이 홀로페르네스의 잘린 머리를 들고 있는 모습을 묘사한다. 유딧의 얼굴은 관능과 변태의 복합적인 기운을 발산한다. 그 특징들은 클림트가 여성을 접근 불가능한 위치에 놓음으로써 가장 강렬하고 유혹적인 정도를 얻기 위해 변형된다. 특징의 변형에도 불구하고, 클림트의 친구이자 아마도 연인이었던 아델레 블로흐바우어를 알아볼 수 있는데, 그녀는 1907년과 1912년에 각각 그려진 두 점의 다른 초상화의 주제이며, 팔라스 아테나에서도 그려졌다.[58] 살짝 치켜든 머리는 자부심을 드러내고, 그녀의 얼굴은 나른하고 관능적이며, 입술은 도전과 유혹 사이에서 살짝 벌어져 있다. 검은 머리카락과 배경의 황금빛 광채 사이의 대조는 우아함과 고양감을 더한다. 유행하는 헤어스타일은 양쪽으로 부채꼴로 펼쳐진 나무의 양식화된 모티프에 의해 강조된다.[13]
	전나무 숲 I[59]	1901	캔버스 유화, 90.5 cm × 90 cm	Zug Art Museum(독일어판), 추크, 스위스
	금붕어[24]	1901년–1902년	캔버스 유화, 181 cm × 66.5 cm	졸로투른 미술관, 졸로투른[60]	클림트는 처음에는 빈 대학교의 대학 작품에 대한 비판에 대한 응답으로 이 그림을 "나의 비평가들에게"라고 제목을 붙이려 했다.[61] 이 캔버스는 상징적인 의도를 가지며, 오귀스트 로댕을 연상시키는 벗은 등에 의해 지배된다.
	베토벤 프리즈[62]	1901년–1902년		빈 분리파 전시관, 빈	베토벤 교향곡 9번 (1824년)의 마지막 합창악장을 회화적으로 해석한 작품이다.[62]
	너도밤나무 숲 I[63]	1902c.	캔버스 유화, 100 cm × 100 cm	알베르티눔, 드레스덴
	에밀리 플뢰게의 초상[64]	1902	캔버스 유화, 178 cm × 80 cm	빈 박물관, 빈
	게르트루트 뢰브의 초상 (게르타 펠쇠반이)[65][66]	1902	캔버스 유화, 149.5 cm × 45 cm	개인 소장[67]
	큰 포플러 II (폭풍이 몰려오는)[68]	1902년/1903년	캔버스 유화, 100.8 cm × 100.8 cm	레오폴트 미술관, 빈
	희망 I[69]	1903	캔버스 유화, 189.2 cm × 67 cm	캐나다 국립미술관, 오타와	특이한 주제와 형식적 표현은 비판적인 당혹감을 불러일으켜, 클림트가 이 작품을 전시하기 위해 종교적 해석을 부여해야 했다. 임신 주제는 이미 클림트의 의학과 베토벤 프리즈 속 인물 중 한 명에게서 나타난 바 있다. 1907년–08년에 클림트는 두 번째 버전인 희망 II를 그릴 것이며, 이번에는 임신한 여인이 매우 양식화되고 기하학적인 드레스를 입고 있다.
	삶은 투쟁이다 (황금 기사)[70] 또는 황금 기사[71]	1903	캔버스 유화, 템페라, 금박, 100 cm × 100 cm	아이치현 미술관, 나고야시
	창백한 얼굴[72]	1903	캔버스 유화, 80 cm × 40 cm	노이에 갤러리, 뉴욕
	헤르미네 갈리아의 초상[73]	1904	캔버스 유화, 170.5 cm × 96.5 cm	내셔널 갤러리, 런던	클림트가 영국 공공 소장품에 남긴 유일한 그림이다.[73] 클림트는 최종 포즈를 결정하기 전 피사체의 스케치를 40점 이상 그렸다. 갈리아는 유행하는 '개혁' 드레스를 입고 묘사되어 있다. 그녀의 얼굴, 목선, 머리카락, 손은 사실적으로 표현되어 있으며, 그녀의 펜던트 브로치는 유일한 임파스토 영역이다.[74]
	물 뱀 I (친구들)[75][24]또는 히드라[76]	1904년–1907년	양피지에 혼합 매체, 50 cm x 20 cm	오스트리아 벨베데레 갤러리, 빈	이 그림은 수채화를 비롯한 다양한 기법을 사용했으며, 금, 은, 백금, 황동을 양피지에 적용했다. 주로 1904년에 그려졌고 1907년에 약간의 추가 작업이 이루어졌다.[75] 이 구성은 유겐트슈틸의 전형적인 길고 가느다란 인물들을 보여주는데, 이는 뱀 모양의 인물을 껴안고 있는 긴 머리 여성의 추상적인 그림을 나타낸다.
	물 뱀 II 또는 물뱀 II[24]	1904년–1907년	캔버스 유화, 80 cm × 145 cm	개인 소장[77]
	여인의 세 시기[24]	1905	캔버스 유화, 180 cm × 180 cm	이탈리아 국립 현대 미술관, 로마[78]	이 그림은 1911년 로마 국제 미술 전시회에서 상을 받았고, 이듬해 로마 국립 현대 미술관에 의해 구매되었다. 이 캔버스는 기하학적 장식주의와 세 인물의 표정에 나타나는 예상치 못한 심리적 자기 성찰을 혼합한다: 노년의 죽음에 대한 극적인 예감, 젊은 여성의 부드러운 보호, 그리고 아이의 만족스러운 잠.
	마가렛 스톤버러-비트겐슈타인[24]	1905	캔버스 유화, 180 cm × 90 cm	노이에 피나코테크, 뮌헨[79]
	나무 아래 장미 덤불[80] 또는 나무 사이의 장미[81][82]	1905c.	캔버스 유화, 110 cm × 110 cm[81]	개인 소장[83]	이 그림은 2022년에 원래 소유자의 후손들에게 반환되었다. 1938년 노라 슈티아스니라는 홀로코스트 희생자가 강압적으로 팔아야 했던 이 그림은 나치에 의해 오스트리아의 유대인 가족으로부터 도난당했다. 프랑스 정부는 1980년에 그 역사를 알지 못한 채 이 작품을 구매했고, 반환될 때까지 파리의 오르세 미술관에 전시되었다.[80][84][83]
	꽃밭 또는 농가 정원[85]	1905년–1907년	캔버스 유화, 110 cm × 110 cm	개인 소장[86][87]
	생명의 나무	1905년–1909년	상자/판화, 138.8 cm × 102 cm	응용미술관, 빈	브뤼셀의 스토클레 궁전 벽화의 중앙 패널. 이 건물 내부는 대리암 패널링과 예술 작품으로 장식되었고,[88] 클림트의 모자이크 프리즈[89]와 루트비히 하인리히 융니켈의 벽화가 포함되었다.[90] 건축가, 예술가, 장인의 이러한 통합은 스토클레 궁전을 유겐트슈틸의 특징 중 하나인 게잠트쿤스트베르크의 예시로 만들었다. 식당을 위한 클림트 작품의 스케치는 빈 응용미술관 (MAK)의 영구 소장품에서 찾을 수 있다. 이 패널은 비잔틴 모자이크 예술에서 일본화에 이르기까지 다양한 영향을 보여준다. 그러나 특히 지배적인 것은 인물의 자세와 장식적 모티프의 반복에서 나타나는 고대 이집트 문화이다.
	프리차 리들러의 초상[91]	1906	캔버스 유화, 153 cm × 133 cm	오스트리아 벨베데레 갤러리, 빈	이 그림은 부유한 기계 엔지니어의 아내 프리차 리들러를 묘사한다. 그녀의 창백한 얼굴의 섬세한 특징은 그녀의 어두운 머리카락과 놀랍도록 대조를 이룬다. 그녀는 아무런 표정이나 움직임도 보이지 않는다. 클림트는 모델의 생생한 묘사를 현실적인 공간 대신 주변 환경의 장식적인 해체와 결합한다. 안락의자조차도 고대 이집트 예술에서 영감을 받은 유려한 선과 눈 모티프로 이루어진 이 디자인의 일부가 된다. 이는 당시 클림트 작품의 특징이다.[91] 프리차 리들러의 초상화는 클림트의 초상화 중 가장 많이 전시된 작품 중 하나이다.
	해바라기가 있는 농가 정원[92]	1906	캔버스 유화, 110 cm × 110 cm	오스트리아 벨베데레 갤러리, 빈
	아델레 블로흐바우어의 초상 I[93]	1907	캔버스 유화, 금, 은, 140 cm × 140 cm	노이에 갤러리, 뉴욕	현재 초상화를 소장하고 있는 노이에 갤러리 뉴욕과 미술사학자 엘레나 샤피라는 배경과 가운에 삼각형, 달걀, 눈과 아몬드 모양을 포함한 에로티카를 암시하는 상징들이 어떻게 포함되어 있는지 설명한다.
	꽃 피는 양귀비[94] 또는 양귀비 밭[95]	1907	캔버스 유화, 110 cm × 110 cm	오스트리아 벨베데레 갤러리, 빈	클림트는 1900년부터 매년 여름 휴가를 보냈던 오버외스터라이히주 아터호 주변 지역에서 이 작품을 그렸다.[94]
	과수원[96] 또는 꽃밭[97][98]	1907c.	캔버스 유화, 100 cm × 100 cm	카네기 미술관, 피츠버그
	키스[99]	1907년–1908년	캔버스 유화 및 금박, 180 cm × 180 cm	오스트리아 벨베데레 갤러리, 빈	완벽한 정사각형의 캔버스에는 현대 아르누보 양식의 선형 구조와 초기 미술 공예 운동의 유기적 형태 모두의 영향을 받은 정교한 로브로 뒤덮인 채 포옹하는 한 쌍이 묘사되어 있다. 이 작품은 전통적인 유화 물감과 금박 층을 적용하여 인상적이고 현대적이면서도 정감 어린 모습을 보여준다. 키스는 초기 근대 시대의 걸작으로 널리 인정받고 있다. 이는 빈 유겐트슈틸, 즉 빈 아르누보의 상징이며 클림트의 가장 인기 있는 작품으로 여겨진다.[100]
	희망 II[101]	1907년–1908년	캔버스 유화, 금, 백금, 110.5 cm × 110.5 cm	뉴욕 근대미술관, 뉴욕
	다나에[24]	1907년–1908년	캔버스 유화, 77 cm x 83 cm	개인 소장	고대 아르고스의 아크리시오스 왕과 그의 아내 에우리디케 여왕의 신화 속 딸에 대한 묘사이다. 다나에는 1900년대 초 많은 예술가들에게 인기 있는 주제였다. 그녀는 신성한 사랑과 초월의 전형적인 상징으로 사용되었다. 아버지인 아르고스 왕에게 청동 탑에 갇혀 있을 때, 다나에는 제우스의 방문을 받았는데, 이곳에서는 그녀의 다리 사이로 흐르는 황금비로 상징된다. 피사체의 얼굴과 손으로 보아 그녀가 황금 물줄기에 의해 흥분했음을 알 수 있다. 이 작품에서 그녀는 그녀의 제국 혈통을 나타내는 호화로운 자주색 베일에 몸을 웅크리고 있다.[a] 다나에의 많은 초기 묘사는 에로틱했다. 비슷한 스타일로 완성된 다른 그림으로는 클림트의 《의학》(1900년–1907년)과 《물 뱀》(1904년–1907년)이 있다.[102]
	해바라기[103]	1907년/1908년	캔버스 유화와 금박, 110 cm × 110 cm	오스트리아 벨베데레 갤러리, 빈	클림트의 해바라기는 여러 차례 인간 형상으로 해석되었다. 빈 분리파의 유명한 미술 비평가 루트비히 헤베시는 이를 "사랑에 빠진 요정"으로 보았다. 다른 이들은 이 그림을 디자이너 에밀리 플뢰게의 숨겨진 초상화로 여기기도 했다.[103]
	물가의 성 (아터제 캄머 성 I)[104] 또는 물의 성[105]	1908년–1909년	캔버스 유화, 110 cm × 100 cm[105]	프라하 국립미술관
	스토클레 프리즈를 위한 9점의 작업 스케치[106]	1908년–1911년	종이에 혼합 매체	응용미술관 (빈)	기대 (무용수), 생명의 나무, 그리고 성취를 포함한다.[106]
	아터제 캄머 성 II[107]	1909	캔버스 유화, 110 cm × 110 cm	개인 소장[108]
	모자와 깃털 보아를 착용한 숙녀[24]	1909	캔버스 유화, 69 cm × 55 cm	개인 소장[109]
	캄머 성 공원[110]	1909	캔버스 유화, 110 cm × 110 cm	노이에 갤러리, 뉴욕
	유딧 II (살로메)[111]	1909	캔버스 유화, 176 cm × 46 cm	카 페사로, 베네치아
	공원[112]	1909년–1910년[113]	캔버스 유화, 110.5 cm × 110.5 cm	뉴욕 근대미술관	클림트의 그림 중 추상 미술에 더 가까운 작품이지만, 완전히 포괄하지는 않는다. 다양한 색채와 갈대 같은 형태의 식물은 자연의 생명 주기에 연결되는 생동감을 불어넣는다. 초점은 클림트의 풍경화에서 흔히 볼 수 있듯이 근접 촬영된 대상이며, 기법은 정교한 모자이크를 연상시킨다.[13]
	두 아이를 둔 어머니 (가족)[114]	1909년/1910년	캔버스 유화, 90 cm × 90 cm	오스트리아 벨베데레 갤러리, 빈
	아터제 캄머 성 III[115]	1909년/1910년	캔버스 유화, 110 cm × 110 cm	오스트리아 벨베데레 갤러리, 빈	이 그림은 캄머 성의 호수 쪽 정면을 보여준다. 클림트는 아마도 반대편 해안에서 망원경을 사용하여 이 풍경을 캔버스에 담았을 것이다.[115]

1910년대

이미지	제목	연도	매체	위치	비고
	검은 깃털 모자[24] 또는 깃털 모자를 쓴 숙녀[109]	1910	캔버스 유화, 79 cm × 63 cm	개인 소장[109]	붉은 머리카락과 불균형적인 모자는 클림트의 깃털 모자와 보아를 쓴 숙녀(1909년)에도 이미 등장했다. 오스트리아 예술가에게는 드문 미완성 스타일은 앙리 드 툴루즈로트레크의 작품을 연상시키는데, 클림트는 전년도 파리에서 그의 작품을 보았다. 이는 장식적 지지대 없이 이미지의 종합과 낮은 톤으로 반영된다.[13]
	죽음과 삶[116] 또는 죽음과 사랑[117]	1910년/1915년	캔버스 유화, 180.8 cm × 200.6 cm[117]	레오폴트 미술관, 빈	1910년에 처음 그려졌으나, 클림트는 1915년에 작품을 근본적으로 수정하기로 결정했다.[116] 이 작품을 두 부분으로 나누는 뚜렷한 단절은 여러 상징적 모티프를 나타낸다: 불안하고 어두운 죽음의 이미지는 인간 몸이 뒤엉킨 그룹 위에 드리워져 있으며, 여기서 색채는 장식적인 생생함을 되찾는다. 상승하는 구조는 우정에서 사랑, 모성에 이르기까지 삶의 주요 모티프를 서술한다. 남자의 건장한 체격은 에곤 실레의 누드에 영감을 줄 것이다.[118]
	오버외스터라이히 농가[119] 또는 오버외스터라이히의 농가[120]	1911	캔버스 유화, 110 cm × 110 cm	오스트리아 벨베데레 갤러리, 빈	이 그림에서는 고흐와 툴루즈-로트레크의 영향이 붓놀림과 질감의 대비를 통해 나타난다.[120]
	사과나무 I[121]	1912c.	캔버스 유화, 109 cm × 110 cm	개인 소장[122]
	캄머 성으로 가는 길[123]	1912	캔버스 유화, 110 cm × 110 cm	오스트리아 벨베데레 갤러리, 빈
	아델레 블로흐바우어의 초상 II[24]	1912	캔버스 유화, 190 cm × 120 cm	개인 소장[124]
	매다 프리마베시[125]	1912년–1913년	캔버스 유화, 149.9 cm × 110.5 cm	메트로폴리탄 미술관, 뉴욕
	처녀[126] 또는 처녀[127]	1913	캔버스 유화, 190 cm × 200 cm	프라하 국립미술관	그의 평소 귀족 묘사 대신 클림트는 이제 죽음과 삶과 같은 에로틱한 알레고리를 대체한다. 여기서 여성들의 얽힘은 왼쪽에 거의 해골 같은 누드에서 분명히 나타나듯이 어떠한 사실주의도 잃어버렸으며, 따라서 장식적 구성에 흡수된다. 아름다움과 그러한 부자연스러운 포즈의 연관성은 삶의 덧없음에 대한 암시, 즉 현대 사회의 반영을 나타낸다.
	이탈리아 정원 풍경[128] 또는 이탈리아 정원[129]	1913	캔버스 유화, 110 cm × 110 cm	추크 미술관, 추크, 스위스	1913년 7월과 8월, 클림트는 이탈리아 가르다 호수에서 친구들과 15일을 보냈고, 그곳 호텔 알베르고 모란디의 정원에서 이 작품을 그렸다.[129][130]
	가르다 호수의 말체시네[131]	1913	캔버스 유화, 110 cm × 110 cm	1945년 화재로 소실[131][132]
	카소네의 교회 (측백나무가 있는 풍경)[133]	1913	캔버스 유화, 110 cm × 110 cm	개인 소장[134]
	바이센바흐의 산림 관리인 집 I[135]	1914	캔버스 유화, 110 cm × 110 cm	오스트리아 벨베데레 갤러리, 빈	개인 소장품에서 영구 대여 중이다.[135]
	바이센바흐의 산림 관리인 집 II (정원)[136]	1914	캔버스 유화, 110 cm × 110 cm[137]	노이에 갤러리
	아터제 리츨베르크[138]	1915	캔버스 유화, 110 cm × 110 cm	개인 소장
	리츨베르크켈러[139]	1915년/1916년	캔버스 유화, 110 cm × 110 cm	레오폴트 미술관, 빈	“리츨베르거 켈러” 레스토랑의 클로즈업 뷰. 이 그림은 Otto Primavesi(독일어판)의 의뢰로 그려졌다.[139]
	엘리자베스 레더러의 초상[140] 또는 엘리자베스 바흐오펜-에히트 남작부인의 초상[141][24]	1916	캔버스 유화, 180 cm × 126 cm	개인 소장	클림트는 1914년에 이 작품을 그리기 시작했다.[140] 남작부인을 액자처럼 둘러싼 인형들에서 동양적인 분위기가 지배적이다. 피라미드 구조의 주제와 함께 클림트의 마지막 작품에서 볼 수 있는 추상적이고 톱니 모양의 구문이 나타난다. 1909년 이후 "황금기"를 마감하고 이후의 위기를 극복한 작가는 그리스 또는 이집트 양식을 거부하고 마티스에 가까운 즐거운 색채의 생동감에 집중한다.[13]
	프리데리케 마리아 베어의 초상[142]	1916	캔버스 유화, 168 cm × 130 cm	텔아비브 미술관, 텔아비브	이 여성은 카이저바르 소유주의 딸로, 에곤 실레도 그녀를 묘사했다. 클림트는 그녀를 빈 공방에서 만든 드레스를 입고 있는 모습으로 그렸다.[143] 그녀의 화려한 스타일을 강조하기 위해, 그는 엘리자베스 레더러 남작부인의 한국 꽃병에서 가져온 동양적인 요소들을 복제했다. 오른쪽 상단의 세 가지 색상 – 빨강, 흰색, 검정 – 은 오스트리아 국기와 제1차 세계 대전의 발발을 암시한다.
	산봉우리가 있는 정원 풍경 (교구 정원)[144]	1916	캔버스 유화, 110 cm × 110 cm	추크 미술관, 추크, 스위스
	머프를 든 여인[145]	1916년–1917년	캔버스 유화, 50 cm × 50 cm[146]	개인 소장	이 그림은 1926년 빈에서 마지막으로 전시된 후 오랫동안 분실된 것으로 여겨졌다. 1930년대부터 체코 개인 소장품으로 보관되어 왔으며, 2014년 소유주는 프라하 국립미술관에 일시 전시를 위해 대여하는 데 동의했다.[145][147][148]
	여성 친구들[24]	1916년–1917년	캔버스 유화, 99 cm × 99 cm (?)	1945년 화재로 소실	이 그림은 1945년 퇴각하는 독일군에 의해 파괴되었다. 현재는 연구 자료와 사진만 남아있다.[149]
	여인의 초상	1916년–1917년	캔버스 유화, 60 cm × 55 cm	리치 오디 현대 미술관, 피아첸차	활기차고 생기 넘치는 스타일로 표현된 이 초상화는 클림트에게는 드문 평온한 정신으로 가득 차 있다. 여기에서 그는 얼굴의 사실주의를 밝은 색채의 붓놀림으로 변화시켜, 특히 알렉세이 폰 야블렌스키의 이미지에 가까운 표현주의 스타일을 이끌어낸다. 그러나 그의 동료들의 붓놀림의 덩어리지고 격렬한 변형에 대해 클림트는 그의 평소 장식적인 화려함을 대조시킨다.
	무용수[150]	1916년–1917년 (미완성)	캔버스 유화, 180 cm × 90 cm[151]	개인 소장	미완성된 이 그림은 리아 뭉크의 사후 초상화를 그리려던 클림트의 두 번째 시도를 다시 작업한 것일 수 있다. 이 작품은 1922년 뉴욕 지점의 빈 공방에서 미국에 처음 전시된 클림트 그림이었다.[150][151]
	아담과 이브[152]	1916년–1918년 (미완성)	캔버스 유화, 173 cm × 60 cm	오스트리아 벨베데레 갤러리	미완성. 이브가 그림의 주된 인물이며, 아담은 배경에서 그녀의 유백색 피부와 대조를 이룬다.[153] 성경적 주제와 이브의 얼굴 표현, 즉 기울어진 머리와 달콤하면서도 수수께끼 같은 미소에서 상징적인 의미를 지닌다. 꽃과 배경의 장식성으로 이루어진 아래쪽 부분은 클림트의 전형적인 특징이며, 인물들이 단색 배경과 대조를 이루는 위쪽 부분은 에곤 실레의 스타일에 더 가까운 긴장된 선의 종합을 보여준다.[13]
	여인의 머리[154][155]	1917 (미완성)	캔버스 유화, 67 cm × 56 cm	렌토스 미술관, 린츠	이 미완성 초상화의 모델은 알려져 있지 않다.[154]
	요한나 슈타우데[156]	1917년/1918년 (미완성)	캔버스 유화, 70 cm × 50 cm	오스트리아 벨베데레 갤러리	미완성.[157] 클림트가 몸의 상반신에 집중한 또 다른 초상화로, 드레스에는 할리퀸 푸른 잎사귀 모티프가 있다.
	부채를 든 여인[158]	1917년/1918년	캔버스 유화, 100 cm × 100 cm	개인 소장	클림트의 마지막 완성작 중 하나.[159]
	흰 옷을 입은 여인[160]	1917년/1918년 (미완성)	캔버스 유화, 70 cm × 70 cm	오스트리아 벨베데레 갤러리
	신부[161]	1917년/1918년 (미완성)	캔버스 유화, 165 cm × 191 cm	오스트리아 벨베데레 갤러리	클림트가 사망했을 때, 이 그림은 미완성 상태로 그의 스튜디오 이젤에 기대어 있었다. 이 작품은 클림트의 작업 방식을 명확히 보여주며, 예비 스케치가 아직 보이는 곳도 있고, 다른 곳에서는 모티프가 이미 완전히 개발되어 있다.[161]
	아말리에 추커칸들[162]	1917년/18년 (미완성), 아마 1913년/14년 일찍 시작되었을 수도 있음	캔버스 유화, 128 cm × 128 cm	오스트리아 벨베데레 갤러리	미완성.[162]
	리아 뭉크의 사후 초상 III[163]	1917년/1918년 (미완성)	캔버스 유화, 178.1 cm × 89.9 cm	개인 소장[164]	미완성.[163]

같이 보기

• 스토클레 프리즈, 1905년–1911년 브뤼셀 스토클레 궁전에서 의뢰를 받아 클림트가 제작한 일련의 벽화

내용주

1. 하위 알파