피렌체 화파

피렌체 화파(Florentine school) 또는 피렌체 회화는 14세기 조토 디 본도네의 노력을 통해 피렌체에서 발전한 자연주의 양식에 속하거나 그 영향을 받은 예술가들을 지칭하며, 15세기 서양화의 선도적인 화파이다. 초기 피렌체파의 가장 잘 알려진 화가로는 프라 안젤리코, 보티첼리, 프라 필리포 리피, 기를란다요 가문, 마솔리노, 마사초 등이 있다.

프라 필리포 리피, 숲 속의 경배, 1459년 경

치마부에, 산타 트리니타의 마돈나, c. 1285, 한때 산타 트리니타 성당에 있었고 지금은 우피치 미술관에 있음

피렌체는 전성기 르네상스의 발상지였지만, 16세기 초에는 미켈란젤로 부오나로티와 라파엘로 산치오를 포함한 가장 중요한 예술가들이 대형 의뢰를 맡아 로마로 떠나갔다. 부분적으로 이는 추기경이 되고 심지어 교황이 된 메디치 가문에 의한 것이었다. 이러한 과정이 후기 피렌체 예술가들에게도 영향을 미쳤다. 바로크 시대에 이르러서는 피렌체 화파는 주요 흐름에서 멀어졌다.

1400년 이전

1225년경으로 거슬러 올라가는 피렌체 산 조반니 세례당의 모자이크 천장.

13세기 피사와 토스카나주 루카에서 시작된 최초의 독특한 토스카나주 미술은, 이후 발전을 위한 토대가 되었다. 니콜라 피사노는 고전적인 양식을 깊이 이해했고, 그의 아들 조반니 피사노도 고딕 조각의 새로운 사상을 토스카나로 들여와, 전례 없는 자연주의적 인물을 형성했다. 이는 12세기와 13세기 피사 화가들, 특히 준타 피사노의 작품에서 반향을 일으켰는데, 준타는 치마부에에게 영향을 미쳤고, 이후 치마부에를 통해 조토를 비롯한 14세기 초 피렌체 예술가들에게 영향을 미쳤다.

현존하는 가장 오래된 대규모 피렌체 회화 프로젝트는 1225년경 시작된 산 조반니 세례당 돔 내부의 모자이크 장식이다. 비록 베네치아 예술가들도 프로젝트에 참여했지만, 토스카나 예술가들은 당시 지배적인 비잔틴 전통과는 다른, 감정적인 내용을 드러내는 표현적이고 생생한 장면을 창조었다. 코포 디 마르코발도는 중앙의 그리스도 인물을 그리는 책임을 맡았다고 알려져 있으며, 이 프로젝트에 참여한 가장 초기의 피렌체 예술가이다. 이 그리스도 그림은 시에나와 오르비에토의 세르비테 교회를 위해 그려진 성모자 패널화처럼^[a] 볼륨감이 느껴진다.

13세기 후반과 14세기 초반에 산타 마리아 노벨라 성당, 산타 트리니타 성당 및 오니산티와 같은 피렌체 교회들에도 비슷한 작품들이 의뢰되었다. 두초의 1285년경 패널인 루첼라이 마돈나는 산타 마리아 노벨라 성당을 위한 그림으로, 현재 우피치 미술관에 있다. 이 작품은 자연주의적 공간과 형태의 발전을 보여주는데, 원래 제단화로 의도되지 않았을 수도 있다. 성모 패널은 아시시의 산 프란체스코 대성당에서처럼 성막 칸막이 상단에 사용되었다. 이 성당에는 성 프란체스코 생애 연작 중 성흔 확인 프레스코가 있다. 치마부에의 산타 트리니타의 마돈나와 두초의 루첼라이 마돈나는, 그러나 휘장에 비치는 빛을 선들로 처리하는 등 초기 양식을 유지하고 있다.

조토의 프레스코, 바르디 예배당에 있는 성 프란치스코의 애도, 산타 크로체.

조토의 빛 감각은 그가 로마에서 일하는 동안 보았던 프레스코의 영향을 받았을 것으로 보인다. 그의 서사적 벽화들, 특히 바르디가의 의뢰를 받은 작품들에서는 인물들을 자연주의적 공간에 배치하여 입체감과 극적인 표현력을 보여준다. 그의 동시대인인 베르나르도 다디 등도 빛에 대해 유사한 접근 방식을 사용했으며, 그들의 자연주의에 대한 관심은 14세기 프란치스코회와 도미니코회 교회들을 위해 의뢰된 주제들에 적용되어, 다음 세기의 피렌체 화가들에게 영향을 미쳤다. 교단의 설립자와 초기 성인들을 다루는 작품처럼 전통적인 구도를 따르는 작품도 있었지만, 최근 사건, 인물 및 장소와 같은 전례가 없는 요소들은 창의력을 발휘할 수 있었다.

13세기는 종교 패널화, 특히 제단화에 대한 수요가 증가하였다. 그 이유는 불분명하지만, 14세기 초 토스카나 화가들과 목공들은 더 정교하고 복잡한 프레임을 가진 여러 패널 제단화 작품을 제작했다. 당시 계약서에는 의뢰인들이 예술가에게 목공 형태를 염두에 두고 묘사될 종교적 인물들에 대해 예술가들과 논의했음이 기록되어 있다. 그러나 프레델라 패널의 서사적 장면 내용은 계약서에 거의 언급되지 않았으며, 관련 예술가들에게 맡겨졌을 수도 있다. 피렌체 교회들은 우골리노 디 네리오와 같은 시에나 예술가들에게 많은 제단화를 의뢰했다. 우골리오는 산타 크로체 대성당의 제단을 위한 대규모 작품을 의뢰받았으며, 이는 피렌체 제단에 놓인 최초의 다면화였을 수도 있다. 외부 장인들이 가져오는 자극을 인지한 길드들은 다른 지역의 예술가들이 피렌체에서 쉽게 일할 수 있도록 했다. 조각가들은 자신들의 길드가 있었지만 미미한 수준이었으며, 1316년에는 화가들이 영향력 있는 아르테 데이 메디치 에 스페치알리(Arte dei Medici e Speziali)의 회원이 되었다. 길드 자체는 중요한 예술 후원자가 되었고, 14세기 초부터는 다양한 주요 길드들이 개별 종교 건물의 유지 보수 및 개선을 감독했다. 모든 길드들이 오르산미켈레의 복원에 참여했다.

초기 피렌체 예술가들이 발전시킨 자연주의는 14세기 3/4분기 이후 약화되었는데, 아마도 흑사병의 결과일 것으로 보인다. 산타 마리아 노벨라의 스트로치가를 위한 제단화(1354-57년경)와 같은 주요 의뢰는 안드레아 디 치오네에게 맡겨졌는데, 그의 작품과 그의 형제들의 작품은 인물 처리에서 더 상징적이며 초기 수준이지만 압축된 공간 감각을 보여준다.

1400년 이후 초기 르네상스

피렌체는 이탈리아 르네상스 회화의 가장 중요한 중심지였다. 피렌체에서 가장 초기의 진정한 르네상스 이미지는 15세기의 첫해인 1401년부터 시작된다. 15세기는 이탈리아어로 콰트로첸토(Quattrocento)라고 하며 초기 르네상스와 동의어나 다름 없다. 다만 르세상스의 시작은 회화가 아니었다. 그 해에 도시에서 가장 오래된 교회인 산 조반니 세례당을 위한 한 쌍의 청동 문을 만들 예술가를 찾기 위한 공모전이 열렸다. 세례당은 로마네스크 양식의 커다란 팔각형 건물이다. 돔 내부는 코포 디 마르코발도가 디자인한 것으로 추정되는 거대한 장엄한 그리스도 모자이크상으로 장식되어 있다. 세 개의 큰 문이 있는데, 중앙 문은 80년 전에 안드레아 피사노가 제작하였다.

피사노의 문은 세례자 요한의 삶에 대한 서사적 장면을 담은 28개의 네잎 클로버 모양의 구역으로 나뉘어 있었다. 7명의 젊은 예술가 경쟁자들은 각각 이삭의 희생을 표현하는, 비슷한 모양과 크기의 청동 패널을 디자인해야 했다. 이 패널들 중 두 개, 즉 로렌초 기베르티의 것과 브루넬레스키의 것이 남아 있다. 각 패널은 그 시대에 예술과 철학이 나아가던 방향을 나타내는 강력한 고전주의적 모티프를 보여주었다. 기베르티는 벌거벗은 이삭의 인물을 사용하여 고전주의 양식의 작은 조각을 만들었다. 그는 고대 로마 미술을 참고하여 아칸서스 두루마리로 장식된 무덤에 무릎을 꿇고 있다. 브루넬레스키의 패널에 있는 인물 중 하나는 발에서 "가시를 뽑는 소년"으로 잘 알려진 로마 청동 인물을 연상시킨다. 브루넬레스키의 창작물은 역동적인 강렬함으로 도전적이다. 기베르티의 작품만큼 우아하지는 않지만, 인간적 드라마와 다가오는 비극을 잘 표현하였다.^[1]

공모전 우승자는 기베르티였다. 그가 첫 번째 세례당 문을 완성하는 데는 27년이 걸렸고, 그 후 또 다른 문을 의뢰 받아 최종 완성하기까지총 50년이 걸렸다. 그동안 이 문들은 피렌체의 많은 예술가들에게 훈련의 장이 되었다. 서사적인 주제를 담고 있었고, 구상적인 구도를 구성하는 기술 뿐만 아니라, 당시 뜨고 있던 선원근법까지 활용하여, 이 문들은 피렌체 회화 예술의 발전에 엄청난 영향을 미쳤다. 이 문들은 피렌체와 피렌체 예술가들 모두에게 통합적인 요소이자 자부심과 동료애의 원천이었다. 미켈란젤로는 이 문들을 낙원의 문이라고 불렀다.

마솔리노: 아담과 하와

마사초: 아담과 하와

브란카치 예배당

 이 부분의 본문은 브란카치 예배당입니다.

1426년, 두 명의 예술가가 피렌체의 카르멜회 성당에 있는 브란카치 가문 예배당에 성 베드로의 생애를 그린 프레스코 연작을 그리기 시작했다. 그들은 둘 다 토마소라는 이름으로 불렸고, 마사초와 마솔리노라는 별명을 얻었는데, 각각 게으른 톰과 작은 톰이라는 뜻이다.

마사초는 다른 어떤 예술가보다 조토의 작품에 함축된 의미를 잘 알고 있었다. 그는 자연에서 그림을 그리는 관행을 이어갔다. 그의 그림은 해부학, 단축법, 선원근법, 빛 그리고 직물 연구에 대한 이해를 보여준다. 그의 작품 중, 예배당 아치 옆에 그려진 에덴에서 추방되는 아담과 하와의 모습은 인체의 사실적인 묘사와 인간 감정을 사실적으로 묘사한 것으로 유명하다. 이 작품은 반대편에 마솔리노가 그린, 아담과 하와가 금지된 과일을 받는 온화하고 예쁜 인물들과 대조된다. 브란카치 예배당의 그림은 마사초가 26세에 사망하면서 미완성으로 남겨졌다. 이 작품은 나중에 필리피노 리피에 의해 완성되었다. 마사초의 작품은 레오나르도 다 빈치와 미켈란젤로 부오나로티를 포함한 많은 후대 화가들에게 영감의 원천이 되었다.^[2]

선원근법의 발전

파올로 우첼로: 성모 봉헌은 원근법과 빛에 대한 그의 실험을 보여준다.

15세기 전반기에, 선원근법을 사용하여 그림에 사실적인 공간의 효과를 달성하는 것은 많은 화가들의 관심사였다. 건축가인 필리포 브루넬레스키와 레온 바티스타 알베르티는 이 주제에 대한 이론을 제시했다. 브루넬레스키는 피렌체 대성당 밖의 광장과 팔각형 세례당에 대한 여러 정밀한 연구를 수행한 것으로 알려져 있으며, 산타 마리아 노벨라 성당에 마사초가 그린 성 삼위일체에 트롱프뢰유 기법의 벽감을 그리는데 데 도움을 준 것으로 알려져 있다.^[2]

바사리에 따르면, 파올로 우첼로는 원근법에 너무 집착하여 다른 것은 거의 생각하지 않았고, 많은 그림에서 원근법을 실험했다고 한다. 그중 가장 잘 알려진 것은 산로마노 전투 그림 세 점으로, 바닥에 부러진 무기들과 멀리 떨어진 언덕에 있는 밭을 사용하여 원근감의 인상을 준다.

1450년대에 피에로 델라 프란체스카는 그리스도의 채찍질과 같은 그림에서 선원근법뿐만 아니라 빛의 과학에 대한 숙달을 보여주었다. 알려지지 않은 예술가, 아마도 피에로 델라 프란체스카의 작품인 도시 풍경 그림도 존재하는데, 이는 브루넬레스키가 수행했던 종류의 실험을 묘사한다. 이 시점부터 선원근법에 대한 이해가 널리 퍼져나가 규칙적으로 사용되었다. 피에트로 페루지노가 시스티나 경당에서 그린 성 베드로에게 열쇠를 주는 그리스도가 그 대표적인 예이다.^[1]

피에로 델라 프란체스카: 채찍질은 예술가의 원근법과 빛에 대한 통제력을 보여준다.

빛에 대한 이해

조토 디 본도네는 색조를 사용하여 형태를 만들었다. 타데오 가디는 바론첼리 예배당의 야경 장면에서 빛으로 드라마를 연출하는 방법을 보여주었다. 100년 후, 파올로 우첼로는 그의 거의 단색인 여러 프레스코화에서 빛의 극적인 효과를 실험했다. 그는 이러한 작품들에 테라 베르데(terra verde, 녹색 대지)로 그렸고, 주홍색 터치로 구성에 생기를 불어넣었다. 가장 잘 알려진 것은 피렌체 대성당 벽에 있는 존 호크우드의 기마 초상화이다. 그는 이 작품과 대성당 내부 시계면 주위에 그린 네 명의 예언자 그림에서 강하게 대비되는 색조를 사용하여, 마치 각 인물이 대성당의 실제 창문에서 나오는 자연 광원에 의해 비추어지는 듯한 효과을 만들었다.^[3]

피에로 델라 프란체스카는 빛에 대한 연구를 더욱 심화시켰다. "그리스도의 채찍질"을 보면 그가 빛이 광원으로부터 퍼져나가는 방식을 이해하고 있음을 알 수 있다. 이 그림에는 두 가지 광원이 있는데, 하나는 건물 내부에 있고 다른 하나는 외부에 있다. 내부 광원의 경우, 빛 자체는 보이지 않지만 그 위치는 수학적으로 계산할 수 있다. 레오나르도 다 빈치는 피에로의 빛에 대한 연구를 계승하였다.^[4]

마돈나

프라 안젤리코의 여러 수태고지 중 하나, 프라도

로마 가톨릭교회에 의해 전 세계적으로 숭배받는 복되신 동정 마리아는 특히 피렌체에서 경외받았는데, 그곳에는 곡물 시장의 기둥에 기적적인 성모상이 있었고, "꽃의 성모" 대성당과 큰 도미니코회 교회인 산타 마리아 노벨라 성당이 모두 그녀의 이름을 따서 명명되었다.

곡물 시장의 기적적인 성상은 화재로 파괴되었지만, 1330년대 베르나르도 다디에 의해 새로운 성상으로 대체되었으며, 오르카냐가 정교하게 디자인하고 화려하게 제작한 닫집에 놓였다. 건물의 개방된 아래층은 둘러싸여 오르산미켈레로 봉헌되었다.

성모자 묘사는 피렌체에서 매우 인기 있는 미술 형식이었다. 작은 대량 생산된 테라코타 명패에서부터 치마부에, 조토 디 본도네 및 마사초의 작품과 같은 웅장한 제단화에 이르기까지 모든 형태를 취했다. 가정을 위한 작은 마돈나 상은 대부분의 회화 공방의 주된 작업이었으며, 종종 주인의 모델을 따라 젊은 구성원들에 의해 주로 제작되었다. 공공 건물과 관공서에도 종종 이러한 또는 다른 종교화가 포함되어 있었다.

바르톨로메오 디 프루오시노, 1420, 전형적인 desco da parto의 뒷면, 문장과 소변보는 아기

초기 르네상스 시대에 봉헌적인 마돈나를 그린 사람들 중에는 프라 안젤리코, 프라 필리포 리피, 베로키오와 다비데 기를란다요가 있다. 나중에 주요 공급자는 보티첼리와 그의 공방으로, 교회, 가정, 공공 건물을 위한 많은 마돈나를 제작했다. 그는 대규모 주택을 위해 큰 둥근 톤도 형식을 도입했다. 피에트로 페루지노의 마돈나와 성인들은 그들의 달콤함으로 유명하며, 레오나르도 다 빈치에게 귀속되는 여러 작은 마돈나들, 예를 들어 베누아 마돈나가 남아 있다. 주로 조각가였던 미켈란젤로 부오나로티조차 성가족 (회화)를 그리도록 설득되었고, 라파엘로 산치오에게는 그것들이 그의 가장 인기 있고 수많은 작품 중 하나이다.

출산 쟁반

피렌체의 특산품은 둥글거나 12각형의 desco da parto 또는 출산 쟁반이었는데, 새어머니가 출산 후 방문하는 여성 친구들에게 단것을 대접하는 데 사용했다. 나머지 시간에는 침실에 걸려 있던 것으로 보인다. 양면에 그림이 그려져 있는데, 한쪽에는 임신 중인 어머니를 격려하는 장면이 그려져 있고, 종종 나체의 남자 아기가 등장한다. 긍정적인 이미지를 보는 것이 묘사된 결과를 촉진한다고 믿었다.

회화와 판화 제작

15세기 중반경부터 피렌체는 새로운 판화제작 산업의 이탈리아의 주요 중심지가 되었는데, 많은 피렌체 금세공인 중 일부가 인그레이빙을 위한 판을 만들기 시작했기 때문이다. 그들은 종종 화가들의 스타일이나 그들이 제공한 그림을 복사했다. 보티첼리는 단테의 책 삽화를 위한 그림을 실험한 최초의 예술가 중 한 명이었다. 안토니오 델 폴라이우올로는 금세공인이자 인쇄업자였으며, 자신의 벌거벗은 남자들의 전투를 직접 새겼다. 그 크기와 정교함에서 이 작품은 이탈리아 판화를 새로운 수준으로 끌어올렸으며, 르네상스 시대의 가장 유명한 판화 중 하나로 남아 있다.

후원과 인본주의

보티첼리: 비너스의 탄생을 메디치를 위해 그렸다.

15세기 후반 피렌체에서는 교회 장식용 작품을 포함한 대부분의 예술 작품이 일반적으로 개인 후원자들의 의뢰와 비용으로 제작되었다. 대부분의 후원은 메디치 가문 또는 그들과 밀접하게 관련되거나 연관된 사세티, 루첼라이, 토르나부오니 가문에서 나왔다.

1460년대에 코시모 데 메디치(Cosimo de' Medici the Elder)는 마르실리오 피치노를 상주 인본주의 철학자로 정하고, 그의 플라톤 번역과 플라톤 철학 강의를 지원했는데, 플라톤 철학은 인간을 자연 우주의 중심으로, 각 개인의 신과의 개인적인 관계로, 그리고 우애적인 또는 "플라토닉 러브"를 인간이 신의 사랑을 모방하거나 이해하는 데 가장 가까운 것으로 보았다.^[5]

중세 시대에는 고전 시대와 관련된 모든 것이 이교와 연관된 것으로 인식되었다. 르네상스 시대에는 점차 계몽주의와 연관되게 되었다. 고전 신화의 인물들은 기독교 미술에서 새로운 상징적 역할을 하기 시작했고, 특히 여신 베누스는 새로운 재량을 가지게 되었다. 어떤 기적에 의해 완전한 형태로 태어난 그녀는 새로운 하와이자 순진한 사랑의 상징이었고, 심지어 확장하여 성모 마리아 자체의 상징이기도 했다. 우리는 보티첼리가 1480년대에 코시모의 조카인 피에르프란체스코 메디치를 위해 그린 두 개의 유명한 템페라 그림인 프리마베라와 비너스의 탄생에서 베누스를 이 두 가지 역할로 본다.^[6]

한편, 꼼꼼하고 정확한 제도사이자 당대 최고의 초상화가 중 한 명인 도메니코 기를란다요는 피렌체의 큰 교회 두 곳, 즉 산타 트리니타의 사세티 예배당과 산타 마리아 노벨라 성당의 토르나부오니 예배당에서 메디치 가문과 관련된 사람들을 위한 두 편의 프레스코 연작을 제작했다. 성 프란치스코의 생애와 성모 마리아의 생애, 그리고 세례자 요한의 생애를 다룬 이 연작에는 후원자들과 후원자들의 후원자들의 초상화를 위한 공간이 있었다. 사세티의 후원 덕분에 사세티 자신과 그의 고용주인 로렌초 데 메디치, 그리고 로렌초의 세 아들과 그들의 가정교사이자 인본주의 시인 겸 철학자인 아뇰로 폴리치아노의 초상화가 있다. 토르나부오니 예배당에는 마르실리오 피치노를 포함한 플라톤 아카데미의 다른 영향력 있는 회원들과 함께 폴리치아노의 또 다른 초상화가 있다.^[5]

휘호 판 데르 후스: 포르티나리 제단화

기를란다요: 사세티 제단화

플랑드르의 영향

1450년경부터 플랑드르파 화가 로히어르 판 데르베이던이 이탈리아에 도착하면서, 그리고 아마도 그 이전부터, 예술가들은 유성 페인트라는 매체를 접하게 되었다. 템페라와 프레스코는 모두 패턴 묘사에 적합했지만, 자연적인 질감을 사실적으로 표현하는 데는 성공적인 방법이 없었다. 불투명하거나 투명하게 만들 수 있고, 그림을 그린 후 며칠 동안 수정 및 추가가 가능한 매우 유연한 유화 매체는 이탈리아 예술가들에게 새로운 가능성의 세계를 열어주었다.

1475년, 거대한 목동들의 경배 제단화가 피렌체에 도착했다. 포르티나리 가문의 의뢰로 휘호 판 데르 후스가 그린 이 작품은 브뤼주에서 출하되어 산타 마리아 누오바 병원의 산테히디오 예배당에 설치되었다. 제단화는 강렬한 붉은색과 녹색으로 빛나며, 포르티나리 후원자들의 윤기 나는 검은 벨벳 의상과 대조를 이룬다. 전경에는 유약을 바른 도자기와 유리로 된 대조적인 용기에 담긴 꽃 정물화가 있다. 유리병 하나만으로도 충분히 시선을 끌었다. 그러나 삼면화의 가장 영향력 있는 측면은 텁수룩한 수염, 굳은 손, 그리고 숭배에서 경이로움, 이해 불가에 이르는 표정을 가진 세 명의 목동들의 극도로 자연스럽고 생생한 모습이었다. 도메니코 기를란다요는 길고 긴 플랑드르풍 마돈나 대신 아름다운 이탈리아 마돈나를 넣고, 자신을 목동 중 한 명으로 극적으로 제스처를 취하는 모습으로 자신만의 버전을 즉시 그렸다.^[1]

로마에서의 교황의 의뢰

페루지노: 성 베드로에게 열쇠를 주는 그리스도

1477년, 교황 식스토 4세는 많은 교황의 의식이 거행되던 사도궁의 황폐한 옛 예배당을 교체했다. 그의 이름을 따서 시스티나 경당으로 명명된 새 예배당의 내부는 처음부터 중간층의 기둥 사이에 16점의 대형 프레스코화를, 그 위에는 일련의 교황 초상화를 그리는 것으로 계획된 것으로 보인다.

1480년, 피렌체 출신 화가 그룹인 보티첼리, 피에트로 페루지노, 도메니코 기를란다요, 코시모 로셀리에게 이 작업이 의뢰되었다. 이 프레스코 연작은 예배당 한쪽 벽에는 모세의 생애 이야기를, 다른 쪽 벽에는 그리스도의 생애 이야기를 묘사하여 주제적으로 서로 보완하도록 구성되었다. 예수의 탄생과 모세 발견은 제단 뒤 벽에 나란히 있었고, 그 사이에 성모 승천 제단화가 있었다. 이 그림들은 모두 페루지노의 작품이었으나, 나중에 미켈란젤로의 최후의 심판을 그리기 위해 파괴되었다.

남아있는 12점의 그림들은 이 예술가들이 달성한 기교와 일반적으로 매우 다른 스타일과 기술을 사용하는 개인들 간의 명백한 협력을 보여준다. 이 그림들은 남성, 여성, 어린이를 포함한 많은 인물들과 안내하는 천사부터 격노한 파라오와 악마 자신에 이르는 다양한 인물을 포함하여 그들의 능력을 최대한 발휘할 수 있게 해주었다. 각 그림에는 경관이 필요했다. 예술가들이 합의한 인물들의 규모 때문에, 각 그림에서 경관과 하늘은 장면의 전체 상반부를 차지한다. 때로는 보티첼리의 문둥병자 정화 장면에서처럼, 이 경우에는 그리스도의 유혹과 같은 추가적인 작은 서사가 경관 속에서 벌어지기도 한다.

피에트로 페루지노의 성 베드로에게 열쇠를 주는 그리스도 장면은 구성의 명확함과 단순함, 구경꾼들 사이에 자화상을 포함한 구상 회화의 아름다움, 그리고 특히 두 개의 개선문의 존재를 통해 베드로의 로마 사역을 언급하고 중앙에 기독교 세례당 또는 로마 마우솔레움일 수 있는 팔각형 건물을 포함하는 원근법적인 도시 풍경으로 인해 주목할 만하다.^[7]

전성기 르네상스

피렌체는 전성기 르네상스의 발상지였지만, 16세기 초에는 가장 중요한 예술가들이 로마로 이끌려 갔는데, 그곳에 가장 큰 의뢰가 시작되었다. 부분적으로 이는 추기경이 되고 심지어 교황이 된 메디치 가문을 따른 것이었다.

레오나르도 다 빈치

레오나르도는 그의 관심사의 범위와 너무나 다양한 분야에서 보여준 비범한 재능 때문에 전형적인 "르네상스인"으로 간주된다. 그러나 그는 무엇보다도 화가로서 당대에 존경받았고, 화가로서 그는 다른 모든 관심사에서 얻은 지식을 활용했다. 레오나르도는 과학적 관찰자였다. 그는 사물을 보면서 배웠다. 그는 들판의 꽃들, 강의 소용돌이, 바위와 산의 형태, 빛이 나뭇잎에서 반사되고 보석에서 반짝이는 방식을 연구하고 그렸다. 특히 그는 근육과 힘줄을 이해하기 위해 병원에서 찾지 않은 30개 이상의 시체를 해부하여 인체를 연구했다.

레오나르도 다 빈치: 최후의 만찬

다른 어떤 예술가보다 그는 "분위기" 연구를 발전시켰다. 모나리자와 암굴의 성모와 같은 그의 그림에서 그는 빛과 그림자를 너무 미묘하게 사용하여, 더 나은 단어가 없어서 레오나르도의 "스푸마토" 또는 "연기"로 알려지게 되었다.

신비로운 그림자와 같은 변화하는 세계, 혼란스러운 산과 소용돌이치는 급류 속으로 관람자를 초대하는 동시에, 레오나르도는 조토가 예고했지만 마사초의 아담과 하와 이후로는 알려지지 않은 인간 감정 표현에서 높은 수준의 사실성을 달성했다. 밀라노 수도원의 식당에 그려진 레오나르도의 최후의 만찬은 다음 500년 동안 종교 서사화의 기준이 되었다. 많은 다른 르네상스 예술가들이 최후의 만찬 버전을 그렸지만, 레오나르도만이 나무, 설화 석고, 석고, 석판화, 태피스트리, 크로셰 및 식탁보로 셀 수 없이 많이 재현될 운명이었다.

작품 자체의 직접적인 영향 외에도, 레오나르도의 빛, 해부학, 풍경, 인간 표현에 대한 연구는 그의 많은 제자들에게 베푼 관대함을 통해 부분적으로 전파되었다.^[8]

미켈란젤로

미켈란젤로: 아담의 창조

1508년 교황 율리오 2세는 조각가 미켈란젤로 부오나로티가 시스티나 경당의 장식 계획을 계속하도록 설득하는 데 성공했다. 시스티나 경당 천장화는 돔을 지탱하는 12개의 기울어진 펜덴티브가 열두 사도를 그리는 데 이상적인 표면을 형성하도록 건축되었다. 교황의 요구에 마지못해 응했던 미켈란젤로는 곧 디자인과 도상학 모두에서 훨씬 더 복잡한 완전히 다른 계획을 고안했다. 육체적인 도움을 제외하고 그가 혼자서 수행한 이 작업의 규모는 거대했으며 완성하는 데 거의 5년이 걸렸다.

교황의 사도 계획은 벽에 있는 구약성경과 신약성경 이야기, 그리고 초상화 갤러리의 교황들 사이에 그림으로 된 연결 고리를 형성할 것이었다.^[7] 열두 사도와 로마의 초대 주교인 그들의 지도자 베드로가 그 다리를 놓는다. 그러나 미켈란젤로의 계획은 정반대 방향으로 진행되었다. 미켈란젤로 천장화의 주제는 인류 구원을 위한 신의 위대한 계획이 아니다. 주제는 인류의 불명예에 관한 것이다. 그것은 인류와 신앙에 왜 예수가 필요했는지에 관한 것이다.^[9]

표면적으로는 천장화가 인본주의적 구성이다. 인물들은 초인적인 규모이며, 아담의 경우 전기 작가 조르조 바사리에 따르면 미켈란젤로가 아닌 신 자신이 그 인물을 디자인한 것처럼 보일 정도로 아름답다. 그러나 개별 인물들의 아름다움에도 불구하고, 미켈란젤로는 인간의 상태를 미화하지 않았으며, 그는 확실히 플라토닉 러브라는 인본주의적 이상을 제시하지 않았다. 사실, 그가 벽의 윗부분 주위에 그린 그리스도의 조상들은 가족 관계의 모든 최악의 측면을 보여주며, 가족의 수만큼 다양한 형태의 기능 장애를 보여준다.^[9]

바사리는 미켈란젤로가 인물들의 자세를 만드는 데 있어서 그의 무한한 발명력을 칭찬했다. 미켈란젤로가 붓을 놓고 화가 나서 볼로냐로 떠난 후 브라만테가 미리 보여준 라파엘로 산치오는 미켈란젤로의 예언자들을 모방하여 최소 두 인물을 그렸다. 하나는 산타 아고스티노 교회에 있고 다른 하나는 바티칸에 있는, 그의 아테네 학당에 있는 미켈란젤로 자신의 초상화이다.^[7][10][11]

라파엘로

레오나르도 다 빈치와 미켈란젤로 부오나로티와 함께 라파엘로 산치오의 이름은 전성기 르네상스와 동의어이지만, 그는 미켈란젤로보다 18살, 레오나르도보다 거의 30살이 어렸다. 그는 그의 두 유명한 동시대인처럼 회화의 상태를 크게 발전시켰다고 할 수 없다. 오히려 그의 작품은 전성기 르네상스의 모든 발전의 정점이었다.

라파엘로: 아테네 학당, 교황 율리오 2세의 의뢰로 바티칸의 현재 라파엘로의 방으로 알려진 스위트룸을 장식하기 위해 제작되었다.

라파엘로는 화가의 아들로 태어난 행운아였다. 그래서 그의 경로는 미켈란젤로처럼 미천한 귀족의 아들로 태어나 논쟁 없이 결정되었다. 아버지가 사망한 지 몇 년 후, 그는 훌륭한 화가이자 뛰어난 기술자였던 피에트로 페루지노의 움브리아주 공방에서 일했다. 그의 21세에 제작된 첫 서명 및 날짜가 있는 그림은 성모 마리아의 결혼으로, 페루지노의 "성 베드로에게 열쇠를 주는 그리스도"에서 그 기원을 즉시 드러낸다.^[12]

라파엘로는 그의 생애에 걸쳐 명성 있는 화가들의 기술을 부끄러워하지 않고 활용한 태평한 인물이었다. 그의 작품에는 수많은 다른 화가들의 개별적인 특성이 통합되어 있다. 페루지노의 둥근 형태와 빛나는 색채, 기를란다요의 사실적인 초상화, 레오나르도의 사실주의와 조명, 미켈란젤로의 강력한 드로잉 기술이 라파엘로의 그림에서 하나로 합쳐졌다. 짧은 생애 동안 그는 많은 대형 제단화, 바다의 요정 갈라테아를 그린 인상적인 고전 프레스코, 두 명의 교황과 유명 작가를 포함한 뛰어난 초상화를 제작했으며, 미켈란젤로가 시스티나 경당 천장화를 그리는 동안 근처 바티칸 방에 일련의 벽 프레스코화를 그렸는데, 그 중 아테네 학당은 독특하게 중요하다.

이 프레스코화는 가장 학식 있는 고대 아테네인들이 모두 웅장한 고전적 배경에 모여 있으며, 레오나르도 다 빈치를 모델로 한 플라톤을 중심으로 한 장면을 묘사한다. 큰 돌 블록 옆에 앉아 있는 침울한 인물인 헤라클레이토스는 미켈란젤로 부오나로티의 초상화이며, 후자의 시스티나 경당에 있는 예언자 예레미야 그림을 언급한다. 그의 자화상은 오른쪽에 그의 스승인 페루지노 옆에 있다.^[13]

그러나 라파엘로의 인기의 주된 원천은 그의 주요 작품이 아니라 성모자와 아기 그리스도를 그린 그의 작은 피렌체 그림들이었다. 그는 계속해서 똑같은 통통하고 차분한 얼굴의 금발 여성과 그녀의 통통한 아기들을 그렸는데, 아마도 가장 유명한 것은 현재 루브르 박물관에 있는 "아름다운 정원의 마돈나"(La Belle Jardinière)일 것이다. 그의 더 큰 작품인 시스티나 마돈나는 수많은 스테인드글라스 창문의 디자인으로 사용되었으며, 21세기에 이르러 작은 두 명의 케루빔의 상징적인 이미지로 자리 잡아 종이 냅킨에서 우산에 이르기까지 모든 것에 재현되었다.^[14][15]

초기 매너리즘

야코포 다 폰토르모, 성모 매장, 1528년; 피렌체, 산타 펠리시타

피렌체의 초기 매너리스트 화가들, 특히 안드레아 델 사르토의 제자들인 야코포 다 폰토르모와 로소 피오렌티노는 길게 늘어진 형태, 위태롭게 균형 잡힌 자세, 붕괴된 원근법, 비합리적인 배경, 그리고 연극적인 조명으로 유명하다. 퐁텐블로 화파의 지도자로서 로소는 르네상스 양식을 프랑스에 도입하는 데 중요한 역할을 했다.

파르미자니노 ( 코레조의 제자)와 줄리오 로마노 (라파엘로의 수석 조수)는 로마에서 유사하게 양식화된 미적 방향으로 나아가고 있었다. 이 예술가들은 전성기 르네상스의 영향 아래 성장했으며, 그들의 스타일은 이에 대한 반작용 또는 과장된 확장으로 특징지어진다. 자연을 직접 연구하는 대신, 젊은 예술가들은 헬레니즘 조각과 과거 대가들의 그림을 연구하기 시작했다. 따라서 이 스타일은 미술사가 발터 프리틀랜더에 의해 "반고전적"이라고 묘사되었지만^[16], 당시에는 전성기 르네상스의 자연스러운 진전으로 간주되었다. "반고전적" 형태로 알려진 매너리즘의 초기 실험 단계는 약 1540년 또는 1550년까지 지속되었다.^[17] 템플 대학교 미술사 교수인 마르시아 B. 홀(Marcia B. Hall)은 그녀의 책 "라파엘로 이후(After Raphael)"에서 라파엘로의 때이른 죽음이 로마에서 매너리즘의 시작을 알렸다고 지적한다.

후기 매너리즘

폰토르모의 제자였던 브론치노 (1572년 사망)는 메디치 궁정의 궁정 초상화가로, 다소 냉랭하고 형식적인 매너리즘 양식으로 작업했다. 같은 세대에 조르조 바사리 (1574년 사망)는 미술가 열전의 저자로 훨씬 더 잘 기억되며, 이 책은 피렌체 화파의 명성을 확립하는 데 막대하고 지속적인 영향을 미쳤다. 그러나 그는 메디치 궁정의 주요 역사화가였는데, 그의 작품은 이제 일반적으로 미켈란젤로의 작품이 가진 영향력을 억지로 추구하다 실패한 것으로 여겨진다. 이는 1530년 이후 수십 년 동안 피렌체 회화에서 흔한 결함이 되었는데, 많은 화가들이 전성기 르네상스의 거장들을 모방하려 했기 때문이다.

바로크

크리스토파노 알로리, 홀로페르네스의 목을 든 유디트, 1613년, 영국 왕실 소장품 버전

바로크 시대에 이르러 피렌체는 더 이상 이탈리아 회화의 가장 중요한 중심지가 아니었지만, 그럼에도 불구하고 중요했다. 도시에 태어나 다른 이들과 달리 경력의 대부분을 그곳에서 보낸 주요 예술가로는 크리스토파노 알로리, 마테오 로셀리, 프란체스코 푸리니, 카를로 돌치가 있다. 피에트로 다 코르토나는 토스카나 대공국에서 태어나 도시에서 많은 작업을 했다.

같이 보기

• 베네치아 화파
• 볼로냐 화파
• 루카 화파
• 페라라 화파
• 시에나 화파
• 에밀리아의 르네상스